Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky (Russe : ВасилийКандинский, prénom prononcé comme) (- 13 décembre , 1944 ) était un peintre russe du , le Printmaker et le théoricien d'art. Un des artistes les plus célèbres du 20ème siècle , il est crédité de peindre les premiers travaux modernes de l'abrégé sur .

Soutenu dans le Moscou , Kandinsky a dépensé son enfance dans le Odessa . Comme un jeune homme qu'il s'est inscrit à l'université de de Moscou et a choisi d'étudier la loi et les sciences économiques . Tout à fait réussi dans le sien profession-il a été offert un professorat (chaire de loi romaine ) à l'université de de Dorpat - il a commencé à peindre des études (vie-schéma, esquisse et anatomie) à l'âge de 30.

En 1896 il a arrangé dans le Munich et a étudié à l'académie de des beaux-arts, Munich . Il a retourné à Moscou en 1914 après que la Première Guerre Mondiale ait commencé. Il était antipathique aux théories officielles sur l'art à Moscou et retourné en Allemagne en 1921. Là il a enseigné à l'école du Bauhaus de l'art et l'architecture de 1922 jusqu'aux nazis l'a fermée en 1933. Il s'est alors déplacé au France où il a vécu le reste de sa vie, et est devenu un citoyen français en 1939. Il est mort au Neuilly-sur-Seine en 1944.

Périodes artistiques

La création de Kandinsky du travail purement abstrait a suivi une longue période du développement et de la maturation de la pensée théorique intense basée sur ses expériences artistiques personnelles. Il a appelé cette dévotion à la beauté intérieure , ferveur de l'esprit, et nécessité intérieure de profondément spirituel de désir, qui était un aspect central de son art.

Kandinsky a appris d'une série de sources pendant sa jeunesse et vie à Moscou. Plus tard dans sa vie, il se rappellerait pour être fascinée et exceptionnellement stimulée par couleur en tant qu'enfant. La fascination avec le symbolisme de couleur de et la psychologie de couleur de a continué pendant qu'il se développait, bien qu'il semble n'avoir fait aucune tentative d'étudier l'art. En 1889 il faisait partie d'un groupe de recherche ethnographique qui a voyagé au nord de région de Vologda de Moscou. Dans le regarde sur le passé qu'il rapporte que les maisons et les églises ont été décorées de telles couleurs shimmering que, lors de les écrire, il a eu l'impression qu'il entrait dans une peinture. L'expérience et son étude de l'art folklorique dans la région, en particulier l'utilisation de couleurs lumineuses sur un fond foncé, ont été reflétées dans beaucoup de ses premiers travaux. Quelques ans après, il a rapporté la première fois l'acte de la peinture à créer la musique de la façon pour laquelle il plus tard deviendrait remarquable et a écrit, " ; La couleur est le clavier, les yeux sont le marteau, l'âme est le piano avec le strings." ;

Il n'avait pas lieu jusqu'en 1896, à l'âge de 30, que Kandinsky a abandonné une loi de enseignement et des sciences économiques de carrière prometteuse pour s'inscrire à l'école d'art à Munich. Il n'a pas été immédiatement accordé l'admission à Munich et n'a pas commencé à apprendre l'art sur ses propres. Également en 1896, avant de quitter Moscou, il a vu un objet exposé des peintures par le Monet et a été en particulier pris avec les meules de foin impressionnistes célèbres de qui, à lui, ont eu un sens puissant de l'indépendant de couleur presque des objets eux-mêmes. Plus tard il écrirait au sujet de cette expérience :

Que c'était une meule de foin le catalogue m'a informé. Je ne pourrais pas l'identifier. Ce non-recognization m'était douloureux. J'ai considéré que le peintre n'a eu aucun droit à peindre indistinct. J'ai faiblement estimé que l'objet de la peinture était absent. Et j'ai noté avec la surprise et la confusion que l'image m'a non seulement saisi, mais me suis impressionné indéracinable sur ma mémoire. La peinture a pris une puissance et une splendeur de conte de fées.

Il a été pareillement influencé au cours de cette période par le Lohengrin de s de Richard Wagner le 'qui, il s'est senti, poussé les limites de la musique et mélodie au delà de lyrisme standard.

Kandinsky a été également spirituellement influencé par H. Blavatsky (1831-1891), l'exposant le plus important du Theosophy dans des temps modernes. La théorie Theosophical postule que la création est une progression géométrique, commençant par un unique. L'aspect créateur des formes est exprimé par la série descendante de cercles, de triangles, et de places. Le du livre de Kandinsky Pour ce qui concerne le chant religieux dans l'art (1910) et le point et la ligne de pour surfacer (1926) a fait écho ce principe Theosophical de base.

Métamorphose artistique (1896-1911)

Le temps de Kandinsky à l'école d'art, typiquement considérée difficile à obtenir à travers, a été soulagé par le fait qu'il était plus âgé et plus arrangés que les autres étudiants. C'était pendant ce temps qu'il a commencé à émerger en tant que véritable théoricien d'art en plus d'être un peintre. Malheureusement, très peu existe de son travail de cette période, bien qu'on le cense avoir été étendu. La survie à lui fonctionne des changements au début du siècle du 20^th et beaucoup des restes des nombreux paysages et villes qu'il a peints, using de larges bandes de couleur mais de formes reconnaissables. Pour la plupart, cependant, les peintures de Kandinsky n'ont souligné aucune figure humaine. Une exception est dimanche, vieille Russie (1904) où Kandinsky recrée de fantaisie) une vue fortement colorée (et aucun doute des paysans et des nobles avant les murs d'une ville. Le couple (1907) d'équitation de dépeint un homme à cheval, la possession un femme avec la tendresse et le soin pendant qu'ils montent après une ville russe avec les murs lumineux à travers un fleuve. Pourtant le cheval est amorti, alors que les feuilles dans les arbres, la ville, et les réflexions dans le fleuve scintillent avec des taches de couleur et d'éclat. Le travail montre l'influence du Pointilism et fonctionne pour mélanger back-, moyen, et le premier plan dans une surface luminescente. Le Fauvism est également évident dans ces premiers travaux. Des couleurs sont employées pour exprimer l'expérience de l'artiste de la sujet-matière-non pour décrire la nature objective.

Peut-être le plus important des peintures de Kandinsky de la décennie des années 1900 était le cavalier bleu (1903) qui montrent une petite figure masquée sur un cheval expédiant se précipitant par un pré rocheux. Le manteau du cavalier est un bleu moyen, et la fonte d'ombre est un bleu plus foncé. Dans le premier plan il y a des ombres bleues plus amorphes, vraisemblablement les contre-parties des arbres de chute à l'arrière-plan. Le cavalier bleu dans la peinture est en avant, mais non bien défini, et le cheval a une démarche artificielle (que Kandinsky doit avoir sue). En effet, certains croient qu'une deuxième figure, un enfant peut-être, est tenue par le cavalier (bien que ceci pourrait juste comme facilement être une autre ombre d'un cavalier solitaire). Ce type de disjonction intentionnelle permettant à des téléspectateurs de participer à la création du dessin-modèle deviendrait une technique de plus en plus consciente employée par l'artiste dans l'année-culmination suivante en son grand " ; expressionist" abstrait ; travaux du 1911-1914. Dans le le cavalier bleu Kandinsky montre au cavalier plus comme série de couleurs que des détails spécifiques. Seule, le le cavalier bleu n'est pas exceptionnel à cet égard une fois comparé aux peintres contemporains, mais il prouve à la direction que Kandinsky prendrait seulement quelques ans après.

De Kandinsky 1906 à 1908 épuisé beaucoup d'heure voyageant à travers le l'Europe , (il était un associé du groupe bleu de symbolist de Rose de (groupe d'art) de Moscou) jusqu'à ce qu'il soit venu pour vivre dans la ville bavaroise du petit du Murnau . Le la montagne bleue (1908-1909) a été peint actuellement et montre plus de sa tendance vers l'abstraction pure. Une montagne de bleu est flanquée de deux larges arbres, d'un jaune, et d'un rouge. Un cortège d'une certaine sorte avec trois cavaliers et plusieurs autres croise au fond. Les visages, habillement, et les selles des cavaliers sont chaque une couleur simple, et ni elles ni les figures de marche ne montrent n'importe quel vrai détail. La large utilisation de couleur dans le la montagne bleue , illustrent le mouvement de Kandinsky vers l'art dans lequel la couleur elle-même est présentée indépendamment de la forme.

Le cavalier bleu (1911-1914) le de de

voient également le Der Blaue Reiter Les peintures de cette période se composent de grandes et très expressives masses colorées évaluées indépendamment à partir des formes et des lignes qui ne servent plus à les délimiter mais sont superposées et recouvrent d'une manière très libre de former des peintures d'une force extraordinaire.

L'influence de la musique a été très importante sur la naissance de l'art abstrait, car elle est abstraite par nature-lui n'essaye pas de représenter le monde extérieur mais d'exprimer plutôt d'une manière immédiate les sentiments intérieurs de l'âme humaine. Kandinsky a parfois employé des termes musicaux pour indiquer ses travaux ; il a appelé beaucoup de son " de peintures plus spontané ; improvisations" ; , alors qu'il avait droit le " ; compositions" ; d'autres beaucoup davantage ont élaboré et ont fonctionné longuement, une limite qui a résonné dans lui comme une prière.

En plus de la peinture Kandinsky a développé sa voix en tant que théoricien d'art. En fait, l'influence de Kandinsky sur l'histoire de l'art occidental refoule peut-être plus de ses travaux théoriques que de ses peintures. Il a aidé à fonder le Neue Künstlervereinigung München (l'association des nouveaux artistes) et est devenu son président en 1909. Le groupe ne pouvait pas intégrer l'approche plus radicale de ceux comme Kandinsky avec des idées plus conventionnelles d'art et du groupe dissous vers la fin de 1911. Kandinsky s'est alors déplacé pour constituer un nouveau groupe le cavalier bleu ( Der Blaue Reiter ) avec comme les artistes occupés tels que le août Macke et le marc de Franz de . Le groupe a libéré un almanach, a appelé le l'almanach bleu de cavalier, et jugé deux objets exposés. Plus de chacun ont été prévus, mais la manifestation de la Première Guerre Mondiale dans 1914 a fini ces plans et a envoyé la maison de Kandinsky en Russie par l'intermédiaire du Suisse et du Suède .

L'écriture de Kandinsky dans le l'almanach bleu de cavalier et le de traité sur le chant religieux dans l'art , qui a été libéré presque au même temps, a servi de défense et de promotion d'art abstrait, aussi bien qu'une évaluation que toutes les formes d'art étaient également capables d'atteindre un niveau de spiritualité. Il a cru que la couleur pourrait être employée dans une peinture en tant que quelque chose autonome et indépendamment d'une description visuelle d'un objet ou de toute autre forme.

Revenir à la Russie (1914-1921)

Au cours des années 1918 1921, Kandinsky a traité la politique culturelle de développement de la Russie, il a collaboré aux domaines des réformes de pédagogie et de musée d'art. Il a consacré son temps à l'enseignement artistique avec un programme basé sur l'analyse de forme et de couleur, aussi bien que participer à l'organisation de l'institut artistique de culture à Moscou. Il a peint peu au cours de cette période. En 1916 il a rencontré Nina Andreievskaia, qui par année suivante est devenue son épouse. En Kandinsky 1921 reçu la mission à aller en Allemagne assister au Bauhaus du Weimar , à l'invitation de son fondateur, le Walter Gropius d'architecte. L'année prochaine, les Soviétiques interdisent officiellement toutes les formes d'art abstrait, les jugeant comme nocives pour des idéaux socialistes.

Le Bauhaus (1922-1933)

Le Bauhaus était une école innovatrice d'architecture et d'art fondée par Walter Gropius. Ses objectifs ont inclus le fusionnement des arts en plastique avec des arts appliqués, reflété dans ses méthodes d'enseignement basées sur l'application théorique et pratique de la synthèse d'arts en plastique. Kandinsky a enseigné la classe de conception de base pour des débutants, le cours sur la théorie avancée aussi bien que les classes de conduite de peinture et un atelier où il a accompli sa théorie de couleur avec de nouveaux éléments de la psychologie de forme. Le développement à lui travaille aux formes étudient, en particulier sur le point et les différentes formes de lignes, mènent à la publication de son point théorique de de livre du deuxième commandant et rayent pour surfacer en 1926.

Les éléments géométriques ont pris l'importance croissante dans son enseignement aussi bien que dans sa peinture, en particulier cercle, demi-cercle, l'angle, lignes droites et courbes. Cette période était une période de production intense. La liberté dont est caractérisé dans chacun de ses travaux par le traitement des avions riches en couleurs et des gradations magnifiques comme en jaune de de peinture - rouge - bleu (1925), où Kandinsky montre sa distance du constructivisme et des mouvements de Suprematism dont l'influence augmentait actuellement.

La grande peinture de largeur de deux mètres qui est jaune de - rouge - bleu (1925) se compose d'un certain nombre de formes de force : un rectangle jaune vertical, une Croix-Rouge légèrement inclinée et un grand cercle bleu-foncé, alors qu'une multitude de lignes noires ou sinueuses droites, les arcs des cercles, les cercles monochromatiques et la dispersion des damiers colorés contribuent à sa complexité sensible. Cette identification visuelle simple des formes et des masses colorées principales actuelles sur la toile correspond seulement à une première approche de la réalité intérieure du travail dont la bonne appréciation rend nécessaire une observation-non beaucoup plus profonde seulement des formes et des couleurs impliquées dans la peinture, mais également de leur relation, de leur position absolue et de leur disposition relative sur la toile, de leur harmonie entière et réciproque.

Kandinsky était un de meurent Blaue Vier (bleu quatre), avec Klee, Feininger et Von Jawlensky formé en 1923. Ils ont parlé et ont exhibé ensemble aux Etats-Unis en 1924.

Devant l'hostilité des bonnes parties politiques, le Bauhaus a quitté Weimar et a arrangé dans le Dessau de 1925. Après une campagne féroce de calomnie des nazis, le Bauhaus s'est fermé chez Dessau en 1932. L'école a exercé ses activités dans le Berlin jusqu'à sa dissolution en juillet 1933. Kandinsky a alors quitté l'Allemagne et a arrangé dans le Paris .

La grande synthèse (1934-1944)

À Paris il a été tout isolé puisque l'abrégé sur géométrique peinture-particulier abstraite peinture-n'a pas été identifié, les modes artistiques étant principalement l'impressionisme et le cubisme . Kandinsky a vécu dans un petit appartement et a créé son travail dans un studio construit dans la salle de séjour. Les formes de Biomorphic avec les contours souples et non-géométriques apparaissent dans ses peintures ; les formes qui suggèrent les organizations extérieurement microscopiques mais qui expriment toujours la vie intérieure de l'artiste. Il a employé les compositions originales en couleur qui évoquent l'art populaire slave et qui sont semblables au filigrane précieux fonctionnent. Il également a de temps en temps mélangé le sable à la peinture pour donner une texture granulaire à ses peintures.

Cette période correspond, en fait, à une vaste synthèse de ses travaux précédents, dont il a employé tous les éléments, les enrichissant même. En 1936 et 1939 il a peint ses deux dernières compositions importantes ; les toiles élaborent en particulier et ont lentement déchiré qu'il n'avait pas produit pendant beaucoup d'années. La composition IX en est une peinture avec les diagonales puissantes fortement contrastées et dont la forme centrale donnent l'impression d'un embryon humain dans l'utérus. Les petites places de couleurs et des bandes colorées semblent se tenir dehors sur le fond noir de composition X de , comme fragments ou filaments des étoiles de tandis que les hiéroglyphes énigmatiques avec des tonalités en pastel couvrent la grande masse marron, qui semble flotter dans le coin gauche supérieur de la toile.

Dans les travaux de Kandinsky, certaines caractéristiques sont évidentes tandis que certains contacts sont plus discrets et voilés ; c'est-à-dire elles s'indiquent seulement progressivement à ceux qui font l'effort d'approfondir leur raccordement avec son travail. Il a eu l'intention ses formes, qu'il a harmonisées et a placées subtilement, pour résonner avec la propre âme de l'observateur.

La conception de Kandinsky de l'art

L'artiste comme prophète

Inscription de ce " ; la musique est le professeur final, " ; Kandinsky s'est embarqué sur les sept premiers de ses compositions de dix . Les trois premiers survivent seulement en photographies noires et blanches prises par l'artiste et l'ami semblables, Gabriele Münter . Tandis que les études, les croquis, et les improvisations existent (en particulier de composition II de ), une incursion nazie sur le Bauhaus dans les années 30 a eu comme conséquence la confiscation premières compositions du de Kandinsky de trois. Elles ont été montrées dans le " soutenu par l'État d'objet exposé ; " dégénéré de l'art ; alors détruit avec des travaux par le Paul Klee , le marc de Franz de et d'autres artistes modernes.

Influencé par le Theosophy et la perception d'un prochain nouvel âge, un thème commun parmi premières compositions en de Kandinsky les sept est l'apocalypse , ou l'extrémité du monde comme nous le savons. Écriture du " ; artiste comme prophet" ; dans son livre, le Pour ce qui concerne le chant religieux dans l'art , Kandinsky a créé des peintures en années juste avant la Première Guerre Mondiale montrant à un prochain cataclysme ce qui changerait la réalité individuelle et sociale. A élevé un chrétien orthodoxe , Kandinsky de a utilisé le la mythologie chrétienne juive de et de de l'arche de Noé de , du Jonas et de la baleine, du Anastasis du Christ et de la résurrection , des cavaliers du quatre de l'apocalypse dans la révélation , de divers contes folkloriques russes, et des expériences mythologiques communes de la mort et de la renaissance. N'essayant jamais de décrire des n'importe quelles de ces histoires comme récit, il a employé leur langage figuré voilé comme symboles des archétypes de la mort/de renaissance et destruction/création qu'il s'est sentie étaient imminent au monde pre- de la Première Guerre Mondiale .

Comme il a énoncé dans le Pour ce qui concerne le chant religieux dans l'art (voir ci-dessous), Kandinsky a estimé qu'un artiste authentique créant l'art du " ; un necessity" interne ; habite le bout d'une triangle mobile ascendante. Cette triangle de progrès est pénétrante et procédante dans le demain. En conséquence, ce qui était impair ou hier inconcevable est banal aujourd'hui ; ce qui est l'avant-garde de (et seulement compris par les peu) est aujourd'hui standard demain. L'artiste/prophète modernes se tient seul au bout de cette triangle faisant de nouvelles découvertes et les déclenchant la réalité de demain. Kandinsky s'était rendu compte des développements récents en sciences, aussi bien que les avances des artistes modernes qui avaient contribué aux manières radicalement nouvelles de voir et d'éprouver le monde.

La composition IV en et les peintures suivantes sont principalement concernées par évoquer une résonance spirituelle dans le téléspectateur et l'artiste. Comme dans sa peinture de l'apocalypse par l'eau (composition VI en ), Kandinsky met la visionneuse dans la situation d'éprouver ces mythes épiques en les traduisant dans des limites contemporaines avec des sens requis de désespoir, de bourrasque, d'urgence, et de confusion. Cette communion spirituelle de visionneuse-peinture-artiste/de prophète est inexprimable mais peut être décrite aux limites des mots et des images.

Théoricien artistique et spirituel

Comme essais et théorisation d'almanach de Der Blaue Reiter de avec le Arnold Schoenberg de compositeur indiquent, Kandinsky a également exprimé cette communion entre l'artiste et le téléspectateur en tant qu'étant simultanément à la disposition des divers corps enseignant de sens aussi bien qu'à l'intellect (Synesthesia ). Les tonalités d'audition et les cordes pendant qu'il peignait, Kandinsky ont théorisé que, par des exemples, le jaune est la couleur de moyen-c sur un piano, un souffle effronté de trompette ; le noir est la couleur de la fermeture et des fins des choses ; et que les combinaisons et les associations de couleurs produisent les fréquences vibratoires apparentées aux cordes ont joué sur un piano. Kandinsky a également développé une théorie complexe de figures géométriques et de leurs rapports, réclamant, par exemple, que le cercle est la forme la plus paisible et représente l'âme humaine. Ces théories sont déterminées dans le point et la ligne de pour surfacer (voir ci-dessous).

Pendant les mois des études Kandinsky faits en vue de la composition IV en il est devenu épuisé tout en travaillant à une peinture et a fait une promenade. En attendant, Gabriele Münter a rangé son studio et a par distraction tourné sa toile de son côté. Lors de renvoyer et de voir la toile-encore ne pas l'identifier -Kandinsky est tombé à ses genoux et pleuré, dire c'était la peinture la plus belle qu'il avait vue. Il avait été libéré de l'attachement à l'objet. Comme quand il a regardé la première fois les meules de foin du de Monet, l'expérience changerait sa vie et l'histoire de l'art.

Dans un autre événement avec Münter pendant les années bavaroises de l'expressioniste d'abrégé sur , Kandinsky travaillait à sa composition VI en . De presque six mois d'étude et de préparation, il avait eu l'intention le travail pour évoquer une inondation, un baptême, une destruction, et une renaissance simultanément. Après description du travail sur un panneau en bois peinture-classé, il est devenu bloqué et ne pourrait pas continuer. Münter lui a indiqué qu'il a été emprisonné son intellect et en n'atteignant pas le sujet vrai de l'image. Elle a proposé qu'il répètent simplement le " de mot ; uberflut " (" ; deluge" ; ou " ; flood" ;) et foyer sur son bruit plutôt que sa signification. En répétant ce mot aimer une incantation, Kandinsky a peint et a terminé les travaux monumentaux dans seulement une envergure de trois jours.

Écritures théoriques sur l'art

L'analyse faite par Kandinsky sur des formes et sur des couleurs ne résulte pas des associations arbitraires simples d'idées, mais de l'expérience intérieure du peintre qui a passé des années créant les peintures abstraites d'une richesse sensorielle incroyable, travaillant aux formes et avec des couleurs, observant pendant longtemps et inlassablement ses propres peintures et ceux d'autres artistes, notant simplement leur effet subjectif et pathétique sur très le de haute sensibilité aux couleurs de son âme d'artiste et de poèt.

Ainsi c'est une forme purement subjective d'expérience que chacun peut faire et répéter prendre le temps de regarder ses peintures et laisser agissant les formes et les couleurs sur sa propre sensibilité vivante. Ce ne sont pas des observations scientifiques et objectives, mais des observations intérieures radicalement subjectives et purement phénoménologiques qui est une question de ce que le français Michel Henry de philosophe appelle le la subjectivité absolue ou le absolu la vie phénoménologique .

Pour ce qui concerne le chant religieux dans l'art

À l'origine édité en 1911, Kandinsky compare la vie spirituelle de l'humanité à une grande triangle semblable à une pyramide ; l'artiste a la tâche et la mission de mener d'autres au dessus par l'exercice de son talent. Le point de la triangle est constitué seulement par quelques individus qui apportent le pain sublime aux hommes. C'est une triangle spirituelle qui avance et monte lentement, même si elle demeure parfois immobile. Au cours des périodes décadentes, les âmes tombent au fond de la triangle et les hommes recherchent seulement le succès externe et ignorent les forces purement spirituelles.

Quand nous regardons des couleurs sur la palette du peintre, un double effet se produit : un effet purement physique du sur l'oeil, charmé par la beauté de couleurs premièrement, qui provoque une impression joyeuse comme quand nous mangeons une délicatesse. Mais cet effet peut être beaucoup plus profond et causer une émotion et une vibration de l'âme, ou une résonance intérieure de qui est un effet purement spirituel, par lequel la couleur touche l'âme.

La nécessité intérieure de est pour Kandinsky le principe de l'art et de la base des formes et a coloré l'harmonie. Il la définit comme principe du contact efficace de la forme avec l'âme humaine. Chaque forme est la délimitation d'une surface par encore ; elle possède un contenu intérieur qui est l'effet qu'elle produit sur la personne qui le regarde attentivement. Cette nécessité intérieure est le juste de l'artiste à une liberté illimitée, mais cette liberté devient un crime si elle n'est pas fondée sur une telle nécessité. L'oeuvre d'art est née de la nécessité intérieure de l'artiste d'une manière mystérieuse, énigmatique et mystique, et alors elle acquiert une vie autonome ; ce devient un sujet indépendant animé par un souffle spirituel.

Les premières propriétés évidentes nous pouvons voir quand nous regardons la couleur d'isolement et la laissons seul agir ; c'est d'un côté la chaleur ou la froideur de la tonalité colorée, et de l'autre côté la clarté ou l'obscurité de la tonalité.

La chaleur est une tendance de jaunir, la froideur une tendance au bleu. La forme jaune et bleue le premier grand contraste, qui est dynamique. Le jaune possède un mouvement excentrique et le bleu un mouvement concentrique, une surface jaune semble obtenir plus près de nous, alors qu'une surface bleue semble s'écarter. Le jaune de est la couleur typique terrestre dont la violence peut être douloureuse et agressive. Le bleu est la couleur typique céleste qui évoque un calme profond. Le mélange du bleu au jaune donne toute l'immobilité et calme, le vert de .

La clarté est une tendance au blanc et à l'obscurité une tendance au noir. Le blanc et la forme noire le deuxième grand contraste, qui est statique. Le blanc agit comme un silence profond et absolu complètement des possibilités. Le noir de est un néant sans possibilité, il est un silence éternel sans espoir, il correspond à la mort. C'est pourquoi n'importe quelle autre couleur résonne tellement fortement sur ses voisins. Le mélange du blanc à graphite au gris, qui ne possède aucune force d'active et dont la tonalité affective est près cela du vert. Le gris correspond à l'immobilité sans espoir ; il tend à désespérer quand ce devient obscurité et regagne peu d'espoir quand il éclaire.

Le rouge est une couleur de chaleur, très vivante, avec animation et agité, il possède une immense force, il est un mouvement dans se. Mélangé au noir, il mène au le brun qui est une couleur dure. Mélangé au jaune, il gagne dans la chaleur et donne au orange qui possède un mouvement de irradiation sur les environnements. Mélangé au bleu, il s'éloigne de l'homme pour donner au pourpre, qui est rouge refroidi. Le rouge et la forme verte le troisième grand contraste, l'orange et le pourpre quatrième.

Point et ligne à l'avion

Kandinsky analyse dans ses écritures les éléments géométriques qui composent chaque peinture, à savoir le point de et la ligne de , aussi bien que l'appui physique et la surface du matériau sur laquelle l'artiste dessine ou des peintures et lesquels il appelle le avion de base ou BP. Il ne les analyse pas sur un point de vue objectif et extérieur, mais sur le point de vue de leur effet intérieur sur la subjectivité vivante de l'observateur qui les regarde et les laisse agir sur sa sensibilité.

Le point de est dans la pratique une petite tache de couleur mise par l'artiste sur la toile. Ainsi le point employé par le peintre n'est pas un point géométrique, il n'est pas une abstraction mathématique, il possède une certaine prolongation, une forme et une couleur. Cette forme peut être à angle droit, une triangle, un cercle, comme une étoile ou même plus complexe. Le point est la forme la plus concise, mais selon son placement sur l'avion de base il prendra une tonalité différente. Il peut être seul et d'isolement ou mettre dans la résonance avec d'autres points ou lignes.

La ligne de est le produit d'une force, c'est un point sur lequel une force vivante a été appliquée dans une direction donnée, la force appliquée sur le crayon ou sur le pinceau par la main de l'artiste. Les formes linéaires produites peuvent être de plusieurs types : une ligne droite du qui résulte d'une force unique s'est appliquée dans une direction simple, une ligne angulaire du qui résulte de l'alternance de deux forces avec différentes directions, ou une ligne onduleuse de incurvée par ou de produite par l'effet de deux forces agissant simultanément. Un avion de peut être obtenu par condensation, d'une ligne tournée autour d'une de ses extrémités.

L'effet subjectif a produit par une ligne dépend de son orientation : la ligne horizontale du correspond à la terre sur laquelle l'homme la repose et déplace, à la planéité, possède une tonalité affective foncée et froide semblable avec noir ou bleu, alors que la ligne verticale du correspond à la taille qui n'offre aucun appui, il possède une fin lumineuse et chaude de tonalité de blanc et de jaune. Un diagonal possède par la conséquence plus ou la tonalité moins chaude ou froide selon son inclination selon l'horizontal et à la verticale.

Une force qui se déploie sans obstacle car celui qui produit une ligne droite correspond au lyrisme de , alors que plusieurs forces qui confrontent ou s'ennuient forme un drame de . L'angle de constitué par la ligne angulaire possède aussi bien une sonorité intérieure qui est chaude et près de jaune pour un angle aigu (triangle), froid et semblable au bleu pour un angle obtus (cercle) et semblable au rouge pour un à angle droit (place).

L'avion de base de est en général rectangulaire ou à angle droit, ainsi il se compose de horizontals et de lignes de verticales qui le délimitent et le définit en tant qu'être autonome qui servira d'appui à la peinture le communiquant sa tonalité affective. Cette tonalité est déterminée par l'importance relative des lignes horizontales et verticales, les horizontals donnant une tonalité calme et froide à l'avion de base, alors que les verticales lui donnent une tonalité calme et chaude. L'artiste possède l'intuition de cet effet intérieur du format et des dimensions de toile, qu'il choisit selon la tonalité qu'il veut donner à son travail. Kandinsky considère même l'avion de base en tant qu'être vivant qui le " d'artiste ; fertilizes" ; et dont il sent le " ; breathing" ;.

Chaque pièce l'avion de base possède une coloration affective appropriée qui influence la tonalité des éléments imagés qui seront dessinés là-dessus, et qui contribue à la richesse de composition qui résulte de leur juxtaposition sur la toile. Le au-dessus de de l'avion de base correspond au relâchement et à la légèreté, alors que le au-dessous de évoque la condensation et le poids. Le travail du peintre est d'écouter et de savoir ces effets afin de produire les peintures qui ne sont pas simplement l'effet d'un processus aléatoire, mais le fruit d'un travail authentique et du résultat d'un effort vers la beauté intérieure.

Citations sur Kandinsky

" ; a non seulement produit un travail dont la richesse sensorielle de magnificence et d'invention éclipse ceux de ses contemporains plus remarquables ; il a donné d'ailleurs une théorie explicite de peinture abstraite, exposant ses principes avec la plus haute précision et la clarté la plus élevée. De cette façon le travail peint est ajouté à un ensemble de textes qui l'éclairent et qui font en même temps de Kandinsky un des théoriciens principaux de l'art." ; ( Michel Henry , voyant l'invisible, sur Kandinsky )
" ; Kandinsky a été fasciné par la puissance d'expression des formes linéaires. Le pathétique d'une force entrant dans l'action et dont l'effort victorieux est ennuyé par aucun obstacle, c'est lyrisme. C'est parce que la ligne droite procède à partir de l'action d'une force unique sans l'opposition que son domaine est lyrisme. Quand sur les deux forces opposées être en présence et entrer en conflit, comme cela ceci est le cas pour la courbe ou avec la ligne angulaire, nous sommes dans le drama." ; (Michel Henry, voyant l'invisible, sur Kandinsky )
" ; Les appels de Kandinsky soustraient le contenu que la peinture doit exprimer, c'est-à-dire cette vie invisible que nous sommes. De telle manière que l'équation de Kandinskian, à la à laquelle nous avons fait référence, puisse être écrite en réalité comme suit : Intérieur = interiority = invisible = la vie = pathétique = abstrait. " ; (Michel Henry, voyant l'invisible, sur Kandinsky ).

Mentions

Kandinsky est mentionné dans le " de chanson ; Snob Solutions" d'art ; par le de Montréal .
Le " 2001 classique de jeu du culte ; Rez " est consacré à lui, comme indiqué en crédits du jeu.
Obtient à une mention très détaillée dans le film « de Will Smith six degrés de la séparation » par le John Guare .
Kandinsky est mentionné plusieurs fois dans le " de film ; Double Jeopardy" ;. Information d'utilisations d'Ashley Judd de la vente d'un Kandinsky pour dépister son ex-mari qui a truqué sa propre mort.

Voir également

Théorie du de Goethe de couleurs
Histoire de de la peinture
Avant-garde russe
Chaise de Wassily de
Peinture occidentale espace libre = " de

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