Tarsila font Amaral

Le Tarsila font Amaral , (B. 1er septembre , 1886 dans Capivari , São Paulo, - São Paulo de D. le 17 janvier , 1973 ).

Tarsila font Amaral, connu simplement comme Tarsila, est considéré l'un des principaux artistes modernistes latino-américains, décrit en tant que « peintre brésilien qui les meilleures aspirations brésiliennes réalisées pour l'expression nationaliste dans un modèle moderne. » Elle était un membre du DOS Cinco (groupe de Grupo de de cinq), qui a inclus le Anita Malfatti , le Menotti del Picchia , le Mário de Andrade , et le Oswald de Andrade .

Formation

Tarsila était né dans la ville de Capivari, une partie de l'intérieur de São Paulo, Brésil, à un famille riche qui étaient des cultivateurs et des propriétaires fonciers de café. La position de son famille lui a fourni une vie de privilège. Bien qu'on ne se soit pas attendu à ce que des femmes du privilège cherchent une éducation plus élevée, ses parents ont soutenu ses poursuites éducatives et artistiques. Pendant ses années de l'adolescence, Tarsila et son famille ont voyagé à Barcelone, où elle est allée à l'école et a exhibé la première fois son intérêt pour l'art en copiant des images vues dans les collections de l'école.

Commençant en 1916, Tarsila a étudié la sculpture dans São Paolo avec Zadig et Montavani. Plus tard elle a étudié le schéma et la peinture avec le impressionniste Pedro Alexandrino de peintre. Ceux-ci tous ont été respectés mais les professeurs conservateurs. En 1920, elle s'est déplacée à Paris et a étudié au Académie Julian et avec le Emile Renard . Le monde brésilien d'art était conservateur, et voyage aux étudiants fournis parEurope avec une plus large éducation dans les secteurs de l'art, de la culture, et de la société. Actuellement, elle des influences et l'art sont restés conservateurs.

Modernisme brésilien

Retournant à São Paulo en 1922, Tarsila a été exposé au modernisme après Anita Malfatti de réunion, Oswald de Andrade , Mario de Andrade , et Menotti del Picchia . Avant son arrivée dans São Paolo de l'Europe, le groupe avait organisé le Semana de Arte Moderna (" ; Semaine d'Art" moderne ;) pendant la semaine des 11-18 février 1922. L'événement était pivotal dans le développement du modernisme au Brésil. Les participants étaient intéressés à changer l'établissement artistique conservateur au Brésil en encourageant un mode distinctif d'art. moderne Tarsila ont été invités à joindre le mouvement et ensemble ils sont devenus le DOS Cinco de Grupo de , qui a cherché à favoriser la culture brésilienne, l'utilisation des modèles qui n'étaient pas spécifiquement européens, et l'inclusion des choses qui étaient indigènes au Brésil.

Pendant un bref retour vers Paris en 1923, Tarsila a été exposé au cubisme, au Futurism, et à l'expressionisme tout en étudiant avec le André Lhote , le Fernand Léger , et le Albert Gleizes . Les artistes européens en général avaient développé un grand intérêt pour les cultures africaines et primitives pour l'inspiration. Ceci a mené Tarsila pour utiliser les formes indigènes de son propre pays tout en incorporant les modèles modernes qu'elle avait étudiés. Tandis qu'à Paris actuellement, elle peignait un de ses travaux plus célèbres, Le Negra (1923). Les thèmes de principal de la peinture sont une grande figure femelle negroid avec un sein en avant simple. Tarsila stylized la figure et a aplati l'espace, complétant le fond de formes géométriques.

Excité au sujet de son modèle et sentiment developpés récemment toujours plus nationalistes, elle a écrit à sa famille en avril 1923 :

« Je me sens toujours plus brésilien. Je veux être le peintre de mon pays. Comme je reconnaissant suis pour avoir dépensé tout mon enfance sur la ferme. Les mémoires de ces périodes sont devenues très pour moi. Je veux, dans l'art, être la petite fille de São Bernardo, jouant avec des poupées de paille, comme dans la dernière image que je travaille sur…. Ne pas penser que cette tendance est regardée négativement ici. Ce qu'elles veulent ici est que chacun apporte la contribution de son propre pays. Ceci explique le succès du ballet russe, des graphiques japonais et de la musique noire. Paris avait eu assez de l'art. parisien »

Période du Pau-Brésil

Oswalde de Andrade, qui était devenu son compagnon de déplacement, l'a accompagnée dans l'ensemble de l'Europe. Lors du renvoi au Brésil à la fin de 1923, Tarsila et Andrade ont alors voyagé dans l'ensemble du Brésil pour explorer la variété de culture indigène, et pour trouver l'inspiration pour leur art. Au cours de cette période, Tarsila a fait des schémas des divers endroits qu'ils ont visités qui sont devenus la base pour plusieurs de ses peintures prochaines. Elle a également illustré la poésie qu'Andrade a écrite pendant leurs voyages, y compris son livre pivotal des poésies autorisées Pau Prasil , édité en 1924. Dans le manifeste du même nom, Andrade a souligné que la culture brésilienne était un produit d'importer la culture européenne et les artistes appelés pour créer les travaux qui étaient " uniquement brésilien ; export" ; La culture brésilienne, tout comme le bois de l'arbre du Brésil était devenue une exportation importante au reste du monde. En outre, il a défié des artistes d'employer une approche moderniste dans leur art, un but qu'ils ont eu ont essayé d'obtenir pendant Semana de Arte Moderna.

Pendant ce temps, les couleurs de Tarsila sont devenues plus vibrantes. En fait, elle a écrit qu'elle avait trouvé les « couleurs que j'avais adorées en tant qu'enfant. On m'a enseigné plus tard qu'elles étaient laides et peu sophistiquées. » Sa peinture initiale de cette période était le E. (Estrada de Ferro Central font le Brésil), (1924). La peinture a représenté le nouveau chemin de fer qui a lié le Rio de Janeiro à São Paolo, et a contenu beaucoup d'aspects de la ville industrielle, tels que des ponts en rail, des voitures de rail, des poteaux de téléphone, et des signaux. En outre, cependant, elle a inclus d'autres aspects qui feraient à cette scène moderne distinctement un Brésilien un : les maisons colorées, une église coloniale, et palmiers et toute autre végétation. Elle a combiné le cubisme avec des couleurs vives et des éléments tropicaux pour créer son propre modèle brésilien unique, comportant des paysages et le paysage locaux. En outre, lorsque, elle a eu un intérêt pour l'industrialisation et c'est impact sur la société.

Période d'Antropofagia

En 1926, Tarsila a marié Andrade et ils ont continué à voyager dans l'ensemble de l'Europe et de le Moyen-Orient. À Paris, en 1926, elle a eu sa première exposition soloe chez le Galerie Percier. Les peintures montrées à l'exposition ont inclus le São Paulo (1924), la La Negra (1923) de , le Lagoa Santa (1925), et le Morro de Favela (1924). Elle des travaux ont été félicitées et ont appelé « exotique, » « original, » « naïve, » et « cérébral, » et ils ont présenté leurs observations sur son utilisation de couleurs lumineuses et des images tropicales.

Tandis qu'à Paris, elle a été exposée au surréalisme et après renvoi au Brésil, Tarsila a commencé une nouvelle période de la peinture où elle s'est écartée des paysages et du paysage urbains, et a commencé à incorporer le modèle surréaliste à son art. Ce décalage a également coïncidé avec un plus grand mouvement artistique dans São Paolo et d'autres pièces du Brésil qui se sont concentrées sur célébrer le Brésil comme pays du grand serpent. Le bâtiment sur les idées du mouvement plus tôt du Pau-Brésil, artistes a tâché de s'approprier des modèles et des influences européens afin de développer les modes et les techniques qui étaient uniquement leurs et Brésilien.

La première peinture de Tarsila au cours de cette période était un Abaporu (1928), qui avait été donné comme peinture sans titre à Andrade pour son anniversaire. Le sujet est une grande figure humaine stylisée avec d'énormes pieds se reposant au sol à côté d'un cactus avec un soleil de citron-tranche à l'arrière-plan. Andrade a choisi le titre certain, le Abaporu , qui est une limite indienne pour le « homme mange, » en collaboration avec le poèt Raul Bopp. Ceci a été lié aux idées courantes puis concernant annoncer du modèle et des influences européens. Peu après, Andrade a écrit son manifeste , qui d'anthropophage de a littéralement appelé Brazilians pour dévorer des modèles européens, se débarrassant de tout dirigent des influences, et pour créer leur propres modèle et culture. Au lieu de l'voracité par l'Europe, ils dévoreraient l'Europe eux-mêmes. Andrade a employé le Abaporu pour la couverture du manifeste comme représentation de ses idéaux. L'année suivante que l'influence du manifeste a continué, Tarsila a peint le Antropofagia (1929), qui a comporté le chiffre d'Abaporu de ainsi que la figure negroid du Le Negra de 1923, comme la feuille brésilienne de banane, le cactus, et encore le soleil de citron-tranche.

En 1929, Tarsila a eu sa première exposition soloe au Brésil à l'hôtel de palais à Rio de Janerio, et a été suivi des autres au salon Gloria dans São Paolo. En 1930, elle a été décrite dans les expositions à New York et à Paris. Malheureusement, 1930 ont également vu la fin du mariage de Tarsila et d'Andrade. Ceci a apporté une extrémité à leur collaboration.

Défunte carrière et thèmes sociaux

En 1931, Tarsila a voyagé à l'Union Soviétique. Tandis que là, elle avait les expositions de ses travaux à Moscou au musée de l'art occidental, et elle a voyagé à de divers autres villes et musées. La pauvreté et la situation difficile des personnes russes ont eu un grand effet sur elle. Sur son retour vers le Brésil en 1932, elle est devenue impliquée dans la révolte constitutionnelle de São Paolo contre la dictature courante du Brésil, menée par le Getulio Vargas . Avec d'autres qui ont été vus comme gauchiste, elle a été emprisonnée pendant un mois parce qu'elle des voyages l'a incitée à sembler être une sympathisante communiste.

Le reste de sa carrière qu'elle s'est concentrée sur des thèmes sociaux. Le représentant de cette période est la classe (1931) de Segundo de de peinture, qui a appauvri les hommes, les femmes et les enfants russes comme thèmes. Elle a également commencé à écrire la colonne d'arts et de culture d'un hebdomadaire pour le Diario de São Paulo , qui a continué jusqu'en 1952.

En 1938, Tarsila finalement a arrangé de manière permanente dans São Paolo où elle a dépensé le reste de sa carrière peignant les personnes brésiliennes et les paysages. En 1950, elle a eu une exposition au musée de de l'art moderne, São Paulo où un critique l'a appelée « plus le Brésilien des peintres ici, qui représente le soleil, des oiseaux, et les spiritueux jeunes de notre pays en voie de développement, aussi simples que les éléments de notre terre et nature…. La vie de Tarsila est une marque du caractère brésilien chaud et d'une expression de elle exubérance tropicale.

Legs

Sans compter que les 230 peintures, les centaines de schémas, les illustrations, les copies, les peintures murales, et cinq sculptures, le legs de Tarsila est son effet sur la direction du modernisme déplacé par Tarsila latino-américain d'art. en avant en Amérique latine, et développé un modèle unique au Brésil. Suivant son exemple, d'autres artistes latino-américains ont été influencés pour commencer à utiliser les thèmes brésiliens indigènes, et à développer leur propre modèle.

Dessin-modèles choisis

un pêcheur à la ligne , les années 20, musée d'ermitage, St Petersbourg, Russie
Cuca , 1924, musée de Grenoble, France
Paysage de avec Taureau , 1925, collecteur privé
Huevo , 1928, Gilberto Chateaubriand, Rio de Janeiro d'EL de
Abaporu , 1928, Eduardo Constantini, Buenos Aires
Lac , 1928, collection privée, Rio de Janeiro de
Antropofagia , 1929, Paulina Nemirovsky, base de Nemirovsky, San Pablo
Poente , 1929, collection privée, São Paulo de solénoïde de
Classe , 1933, collection privée, São Paulo de Segundo de
Retrato de Vera Vicente Azevedo , 1937, Museu de Arte Brasileira, São Paulo
Paysage pourpre de avec 3 Chambres et montagnes , 1969-72, James Lisbonne Escritorio de Arte, São Paulo

Expositions

1922 - Artistes Francais de DES de Salon de la Societe à Paris (groupe)

1926 - Galerie Percier, Paris (solo)

1928 - Galerie Percier, Paris (solo)

1929 - Hôtel de palais, Rio de Janeiro (solo)

1929 - Salon Gloria, São Paulo (solo)

1930 - New York (groupe)

1930 - Paris (groupe)

1931 - Musée d'art occidental, Moscou

1933 - I Salon Paulista de Bellas Artes, São Paulo (groupe)

1951 - I Bienal de São Paulo, São Paulo (groupe)

1963 - VII Bienal de São Paulo, São Paulo (groupe)

1963 - XXXII Venise Bienalle, Venise (groupe)

2005 - femme de : Métamorphose de la modernité , Fundacion Joan Miro, Barcelone (groupe)

2005 - Brésil : Nostalgie , le Musée National de l'art moderne, Tokyo, Japon (groupe) de corps

2006 - Salao de 31 : Diferencas dans le processus , Musée National de beaux arts, Rio de Janeiro (groupe)

2006 - schéma moderne de Brazillian de : 1917-1950 , musée d'art moderne, Rio de Janeiro (groupe)

2006 - Ciccillo , contemporain de Musée d'Art de l'université de São Paulo, São Paulo (groupe)

2007 - par siècle d'art de Brazillian : Collection de Gilbert Chateaubriand , musée Oscar Niemeyer, Curitiba (groupe)

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