Peinture monochrome

La peinture monochrome est parfois vue comme art méditatif de . Tout au long du 20ème siècle et dans les peintres du 21ème siècle ont créé la peinture monochromatique. L'exploration d'une couleur, l'examen des valeurs changeant à travers une surface, l'expressivité de la texture et nuance, exprimant une large variété d'émotions, des intentions et des significations. De précision géométrique à l'expressionisme, le monochrome s'est avéré être un idiome durable dans l'art contemporain .

Origines

Une toile n'est jamais vide|Robert Rauschenberg|

Un article en retard des années 90 dans l'art de en Amérique affirme que « la peinture monochrome » a commencé comme plaisanterie. L'article déclare que c'était simplement un passe-temps lunatique de la vie de salon dans le en retard France du 19ème siècle . Un exemple typique, qui peut être familier des livres populaires de puzzle, pourrait être une page blanche ou une toile portant le titre « une vache blanche dans une tempête de neige. » Cependant, ce genre d'activité soutient plus de similitude au Dada du 20ème siècle , ou Néo--Dada , et en particulier les travaux du groupe de Fluxus des années 60, qu'à la peinture monochrome du 20ème siècle depuis Malevich.

La gamme très large de la possibilité (ou de l'impossibilité) dans l'interprétation du monochrome dans la peinture est discutablement pourquoi la peinture monochrome s'engage ainsi à tant d'artistes, de critiques, et d'auteurs. Bien que le monochrome ne soit jamais devenu dominant et peu d'artistes se sont commis exclusivement à elle, elle n'est jamais partie. Elle réapparaît comme s'un modernisme élevé de hantise de spectre, ou comme symbole de elle, apparaissant pendant des périodes du esthétique et des bouleversements sociopolitiques.

Suprematism et constructivisme

Peinture monochrome comme on le comprend habituellement aujourd'hui a commencé dans le Moscou , avec la composition en Suprematist : Blanc sur le blanc du 1918 par le Kazimir Malevich d'artiste de Suprematist . C'était une variation sur ou la suite à son travail du 1913 « place noire sur un champ blanc », un travail très important à son propre chef à l'abstraction géométrique du 20ème siècle.

Dans le 1921 , le Alexandr Rodchenko d'artiste du constructiviste a montré trois peintures ensemble, chaque un monochrome d'une des trois couleurs primaires . Il a eu l'intention ce travail pour représenter la mort de la peinture.

Tandis que Rodchenko prévoyait son monochrome pour être un démontage des acceptations typiques de la peinture, Malevich a vu son travail comme concentration sur elles, un genre de méditation sur l'essence de l'art (« sentiment pur ").

Ces deux approches ont articulé très dès l'abord dans son histoire ce genre de dynamique presque paradoxal du travail : celui-là peut lire un monochrome l'un ou l'autre en tant qu'une surface plate (entité ou « peinture matérielle comme objet ") qui ne représente rien mais elle-même, et donc représentation d'une fin dans l'évolution de l'illusionism dans la peinture (c. Rodchenko) ; ou comme description de l'espace (infini) multidimensionnel, une réalisation de la peinture d'Illusionistic de , représentant un nouvel evolution&mdash ; un nouveau beginning&mdash ; dans l'histoire de la peinture occidentale (Malevich). En plus, beaucoup ont précisé qu'il peut être difficile de déduire les intentions de l'artiste de la peinture elle-même, sans se rapporter au commentaire de l'artiste.

Cette gamme très large de la possibilité (ou de l'impossibilité) dans l'interprétation du monochrome est discutablement pourquoi la peinture monochrome s'engage ainsi à beaucoup d'artistes, de critiques, et d'auteurs. Bien que le monochrome ne soit jamais devenu dominant et peu d'artistes se sont commis exclusivement à elle, elle n'est jamais partie. Elle réapparaît comme s'un modernisme élevé de hantise de spectre, ou comme symbole de elle, apparaissant pendant des périodes des bouleversements sociopolitiques esthétiques et du .

Artistes

New York

Expressionistes abstraits

voient également :

l'expressionisme abstrait
Le Milton Resnick ( le 7 janvier , 1917 Bratslav, Rodolia, Ukraine - 12 mars , 2004 New York, New York, Etats-Unis) a eu une longue carrière en tant que peintre de l'expressioniste d'abrégé sur . Au commencement, pendant les années 40, il a exploré le modèle alors-courant de la peinture d'action de . Sien travail postérieur, des années 50 par les années 70 est souvent caractérisé en tant qu'impressionniste d'abrégé sur - en grande partie parce qu'il a construit ses compositions allover avec multiple, réitéré, et fermer-a évalué des traçages, de la façon du Claude Monet de la série célèbre de Waterlilies de . Pendant deux et demi de décennies finales des peintures de son de peinture Resnick de carrière sont devenus monochromatiques, quoiqu'avec les surfaces abondamment balayées et posées.
l'annonce Reinhardt (Buffalo 1913, New York, Etats-Unis - New York 1967, New York, Etats-Unis) était un notable d'artiste de l'expressioniste d'abrégé sur pour peindre presque les monochromes « purs » au-dessus d'une envergure considérable de temps (rudement de 1952 à sa mort en 1967), en rouge ou bleu, et pour finir et plus (dedans) célèbre, dans le noir. Comme les travaux de Johns mentionnés ci-dessous, les peintures noires de Reinhardt ont contenu des indications faibles de forme géométrique, mais les dilineations réels ne sont pas aisément évidents jusqu'à ce que le téléspectateur passe le temps avec le travail. Ceci tend à encourager un état de la méditation contemplative dans la visionneuse, et à créer l'incertitude au sujet de la perception ; en termes de citation célèbre de Frank Stella, vous pouvez douter que " ; ce qui vous see" ; est réellement ce que vous voyez.
Pousette-Dard de Richard - bien que Pousette-Dard (Saint-Paul 1916, Minnesota, Etats-Unis - Suffern 1992, New York, Etats-Unis) ait créé plusieurs séries distinctes de peintures pendant sa longue carrière en tant que peintre de l'expressioniste d'abrégé sur , sa série monochromatique appelée Presences enjambant la fin des années 1950 par le début des années 90, était parmi le sien le plus puissant.

Domaine de la couleur

Commençant dans les années 50 et les années 60, plusieurs artistes abstraits du domaine de la couleur d'expressioniste/ (notamment : Barnett Newman , Mark Rothko , Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Theodoros Stamos , ponceuse de Ludwig de , Clyfford toujours , Jules Olitski , et d'autres) motifs explorés qui ont semblé impliquer le monochrome, utilisant de larges, plats champs de couleur dans les images de large échelle qui ont prouvé fortement influent à de plus nouveaux modèles, tels que l'abstraction Poteau-Painterly, l'abstraction lyrique, et le minimalisme.

Abstraction lyrique

Peintres lyriques de l'Abstractionist comme le Ronald Davis , le Larry Poons , le Walter Darby Bannard , le Dan Christensen , le Larry Zox , le Ronnie Landfield , le Ralph Humphrey, le David Budd, apprenti de David, le David Diao, le David Novros, le Jake Berthot, et d'autres également explorés et travaillés sur la série de toiles shaped et rectangulaires qui ont approché le monochrome - avec des variations particulièrement pendant les années 60 et les années 70.

Néo--Dada

voient également : Néo--Dada ,

l'art de bruit
Robert Rauschenberg - dans les années 50 tôt , Rauschenberg (B. 1925, Port Arthur, le Texas, Etats-Unis) est devenu notoire pour blanc, puis le noir, et par la suite les toiles monochromes rouges. Des 1951) séries blanche de Paintings (, Rauschenberg a appliqué la peinture pour bâtiments journalière avec des rouleaux de peinture pour réaliser le " doux ; blank" ; surfaces. Des panneaux blancs ont été exhibés seul ou dans des groupements modulaires. Les peintures noires (1951-53) ont incorporé la texture sous la surface peinte par le journal collaged qui indique parfois a grille-comme la structure. Les peintures rouges (1953-54) incorporent toujours plus de matériaux tels que le bois et le tissu sous la surface peinte fortement travaillée, et semblent annoncer le développement de Rauschenberg de l'assemblage dans son " ; Cartel Paintings" ; aussi bien que son intention indiquée d'agir dans le " ; le gap" ; entre le " ; Art" ; et " ; Life." ; le

les toiles blanches est devenu associé au 4 ' 33" de travail ; par le camp de John de de compositeur, qui s'est composé de trois mouvements de silence, et a été inspiré au moins en partie par l'étude de Cage's du bouddhisme de zen. Dans les deux travaux l'attention est appelée sur les éléments de l'écoute/visionnement qui se trouvent en dehors de la commande de l'artiste : par exemple les bruits de l'environnement de concert, ou le jeu des ombres et des particules de poussière s'accumulant sur la toile « blanche » apprête (" ; strips" d'atterrissage ; -- Camp). le

dans un travail relatif, son de Kooning Drawing effacé par de 1953, Rauschenberg a effacé un schéma par le abstrait Willem de Kooning d'artiste d'expressioniste. Peut-être étonnant, De Kooning était bien disposé aux objectifs de Rauschenberg et a implicitement approuvé cette expérience en fournissant à l'artiste plus jeune un de ses propres schémas qui a été très en masse travaillé, prenant 2 mois et beaucoup de gommes à effacer pour Rauschenberg (incomplètement) à l'effacement.
le Jasper Johns (B. 1930, Augusta, Géorgie, Etats-Unis) de

était un ami de Rauschenberg, et tous deux ont été souvent classés par catégorie comme Néo--Dadaist, indiquant leur rejet de l'expressioniste abstrait esthétique qui était dominant dans les années 50 . Johns a peint un certain nombre de travaux tels que le " ; Drapeau blanc, " ; " ; Cible verte, " ; et « tango, » dans ce qui il y a seulement une légère indication d'une image, ressemblant au " ; Place blanche sur un Field" blanc ; de Malevich dans la technique. exposition de ces travaux souvent plus d'évidence de brushwork qu'est typiquement associé à la peinture monochrome. Beaucoup d'autres travaux approchent également le monochrome, comme les travaux « gris » melancholic du début des années soixante, mais avec de vrais objets (« assemblage ") ou texte supplémentaire.

Minimalistes

voient également :

du minimalisme
Ellsworth Kelly (B. 1923, Newburgh, New York, Etats-Unis) dépensée beaucoup de temps dans le Paris et le New York . Il a fait un certain nombre de peintures monochromes sur les toiles shaped et les panneaux rectangulaires de couleur simple. Ses abstractions « ont été soustraites » de la nature. Son intérêt pour la nature se prolonge jusqu'ici qu'il a fait une série des lithographies d'usine dans un modèle impressionnant et sincèrement réaliste.
le Agnès Martin (1912, Macklin, Saskatchewan, Canada - 2004, Taos, Mexique, Etats-Unis) de

dont les travaux des années 50 et des années 60 sont des méditations sereines sur la « perfection, » et par conséquent « beauté, » sont les toiles grises en général blanches, grisâtres ou pâles avec l'évidence faible du crayon traînée dans les lignes ou les grilles à travers la surface peinte.
le Robert Ryman (B. 1930, Nashville, Tennessee, Etats-Unis) de

dans les travaux tels que Ledger (1982) apportent le mot « construit » pour s'occuper, avec l'attention appelée sur des appuis, l'encadrement, et la signature de l'artiste pendant que les éléments des travaux qui sont habituellement blancs, ou grisâtre importants, et dans le format carré. Le brushwork abstrait d'expressioniste est employé en tant que matériel formel dans ces constructions minimalistes. Ryman montre un exploit de variation sur un thème délibérément limité.
le Brice Marden (B. 1938, Bronxville, New York, Etats-Unis) de

dans ses travaux mûrs plus tôt a exploré une stratégie réductrice qui a semblé semblable à celle des travaux contemporains de Jasper Johns et d'Ellsworth Kelly, pourtant plus de formaliste : les peintures telles que le retour 1 se composent subtilement des champs gris peints dans le Encaustic (cirer-milieu) avec une bande étroite le long du fond de la toile où Marden a laissé l'évidence nue du processus (c., des égouttements et des éclaboussures de peinture). Pendant les fin des années 1980 Brice Marden, qui ont partagé vue spirituelle/émotive d'abstraction, a commencé une forme calligraphique plus multicolore et des de peinture abstraite.
le Frank Stella (B. 1936, Malden, Massachusetts, Etats-Unis) de

a fait écho le Igor Stravinsky ' affirmation célèbre de compositeur de s que la « musique est impuissante pour exprimer n'importe quoi mais elle-même » quand il a dit que « ce qu'est vous voyez ce que vous voyez, » une remarque qu'il plus tard a qualifiée en disant ses peintures tôt ont été influencés à un degré par l'écriture du Samuel Beckett (voir ci-dessus). Dans son travail il essayait de réduire au minimum n'importe quelle inférence de « chant religieux » ou même réponse « émotive » de la part de la visionneuse, et c'est peut-être la plus saisissante dans ses peintures noires du filet (mariage de raison et de misère noire - détail - 1959) commençant vers la fin des années 50, où les filets sont articulés par la toile non peinte. Plus tard, Stella a abandonné non seulement le monochrome, mais également par la suite la peinture géométrique.
le John McCracken (B. 1934, Berkeley, Californie, Etats-Unis) de

est caractéristiquement minimaliste du fait son " ; objects" ; ne sont pas en juste proportion classés par catégorie comme " ; painting" ; ou " ; sculpture." ; Célèbre depuis 1965 pour le " ; galettes, colonnes, formes neutres de planches…, " ; ses objets monochromes méticuleusement de finition et polished souvent sont simplement penchés vers le haut contre des murs de galerie, dans ce que quelques critiques décrivent comme " occasionnel ; Coast-lean." occidental ; Bien qu'il tire des techniques caractéristiques de la fabrication de planche de surfing, ses travaux handcrafted personnellement et méticuleusement, à la différence de ceux de John M. Miller et d'autres artistes plus récents, qui sont en général faits à l'usine selon les caractéristiques de l'artiste.
Allan McCollum (B. 1944, Los Angeles, Californie, Etats-Unis) de

déterminé au milieu des années 70 que les forces sociales qui donnent la signification de peintures peuvent être un meilleur undrstood si le " ; painting" ; soi-même a pu être réduit à une forme générique -- une peinture qui pourrait lire comme " ; sign" ; pour une peinture, " ; ce qui pourrait fonctionner d'un " ; Texte d'attente , " de ; ou un genre de " ; appui vertical . " ; Dans les années 70 et le 80s tôt il a peint ce qu'il a appelé les peintures de remplacement, et a finalement commencé les mouler dans le plâtre, l'armature et toutes. Ces centaines d'objets qui ont ressemblé à encadrer, emmêlées, champs de noirceur peinte, travaillés en tant que neutre, " ; signs" générique ; cela pourrait inspirer le téléspectateur penser aux espérances sociales qui construced le " ; idea" ; d'une peinture, " ; plus que la peinture réelle elle-même. En ramenant des peintures à de seuls signes d'eux-mêmes, McCollum a transformé la galerie et l'arrangement de musée en genre de théâtre, accentuant le drame de la présentation, le déploiement, les achats et se vendant, échangeant, photographiant, évaluant, critiquant, choisissant, et écrivant au sujet des travaux ; les objet-peintures au centre de l'action ont été exprès rendues discutables, afin de tourner son attention aux dispositifs supplémentaires et aux pratiques sociales qui, à la fin, accordent la valeur sur le travail. Paradoxalement, au fur et à mesure du temps, ces objets neutres sont devenus valables dans eux-mêmes, comme symboles d'une manière anthropologique de regarder l'art.
Le Anne Truitt ( 1921 - 2004 ) était un artiste américain du siècle de mid-20th ; elle est associée au minimalisme et aux artistes du domaine de la couleur comme le Morris Louis et le Kenneth Noland . A principalement pensé à en tant que sculpteur minimaliste du , et en tant que coloriste qui a peint sa sculpture, dans toute sa carrière Truitt a produit plusieurs séries de peintures monochromatiques.

elle a fait ce qui est considéré son travail plus important au début des années 60 prévoyant à bien des égards le travail des minimalistes comme le Donald Judd et le Ellsworth Kelly . Elle était à la différence des minimalistes est quelques manières significatives. Elle a appelé, par exemple, plusieurs de ses travaux après que les endroits et les événements qui étaient importants pour elle - une pratique proposant un récit au delà de mais de façon ou d'autre contenu par la sculpture. le

la sculpture qui l'a rendue significative au développement du minimalisme étaient agressivement les structures plates et peintes, souvent grandes. La plate-forme recessional sous sa sculpture les a soulevées juste assez outre de la terre qu'elles ont semblé flotter sur une ligne mince d'ombre. La frontière entre la sculpture et la terre, entre la pesanteur et le verticality, a été rendue illusoire. Cette ambivalence formelle est reflétée par son insistance qui se colorent, contenue une vibration psychologique qui une fois épurée, car elle est sur une oeuvre d'art, des isolats l'événement il se rapporte comme chose plutôt qu'un sentiment. L'événement devient une oeuvre d'art, une sensation visuelle fournie par couleur.

L'Europe

Yves Klein - voir également le Klein international bleu
Le Gerhard Richter (B. 1932, Dresde, Allemagne) est un artiste qui est probablement le plus connu pour ses peintures techniquement renversantes de photo-réaliste, qui éclipsent ses travaux abstraits et de monochrome. Ses travaux abstraits et représentatifs semblent couvrir le terrain émotif semblable, un genre de pessimisme ironique qui a rendu son travail très à la mode vers la fin des années 80. Ses peintures grises, telles que 1968 (gris) sans titre sont faites par des gestes « expressifs » de dessin en peinture humide.
Le Olivier Mosset (B. 1944, Berne, Suisse) également a passé le temps considérable à New York et à Paris. À Paris dans les années 60 il était un membre du groupe de BMPT, avec le Daniel Buren , Michel Parmentier, et Niele Toroni. Le groupe a produit des questions au sujet des notions de la profession d'auteur et de l'originalité, impliquant qu'elles ont souvent fait chaque autres' travaille, et que l'objet d'art était plus important que sa profession d'auteur. Plus tard, à New York vers la fin des années 70, Mosset a entrepris une longue série de peintures monochromes, pendant l'apogée du Neo-expressionism . Il est devenu un membre fondateur du groupe radical de peinture de New York, radical se référant tous les deux à une position sociale radicale implicite, comme un renvoi à la « racine » radicale de la peinture. Ce re-assertion d'importance sociale pour l'abstraction, et même le monochrome, n'avaient pas été soulignés à un tel degré depuis Malevich et Rodchenko. des années 80 les Néo--geo artistes du tels que le Peter Halley qui affirment un rôle socialement approprié et critique pour l'abstraction géométrique , citent Mosset comme influence. Voir : 1999 sans titre

D'autres

Le potier Hazelet Drummond (b.1924, Etats-Unis) de Sally de a exhibé ses peintures monochromatiques pendant la fin des années 1950 à New York City à la galerie de Tanager, une des premières dixièmes galeries de coopérative de rue. À partir de 2007 elle héroïquement et continue impressionnant à peindre les peintures monochromatiques (voir : Présence du coeur).
Le Alan Ebnother (B. Alameda, Californie, 1952, Etats-Unis) est un peintre américain qui explore le heratige de la peinture de momochrome, se confinant au vert simple de couleur (voir : 26 décembre).
Le Florence Miller Pierce (B.C, Etats-Unis) était un membre du groupe transcendantal de peinture de TAOS dans les années 30, résidant actuellement à Albuquerque, le Mexique. Ses monochromes carrés, faits avec de la résine translucide versée sur le plexiglass reflété, semblent à la lueur de leur propre Accord.
Le Anne bas est un membre du nouveau nouveau groupe de peintres qui peint les tableaux monochromes. Les nouveaux nouveaux peintres exploitent les qualités latentes des matériaux tels que de nouveaux gels acryliques dans le plus ou moins la même manière que les Abstractionists Poteau-Painterly en années précédentes ont embrassé la nouvelle peinture acrylique de leur temps. Parmi le groupe les buts est de continuer avec et de prolonger la tradition quelque peu démodée de now du modernisme.

Peinture monochrome dans le projecteur

Le Samuel Beckett a sérieusement envisagé de consacrer sa vie à la critique d'art de plutôt qu'à la littérature après visionnement des travaux d'un peintre monochrome.
Un le les abstractions géométriques (cependant techniquement pas monochrome) de très clairsemé' de s de Newman Barnett de a été réduit avec un couteau par une visionneuse exaspérée dans les années 80.
Une de peintures de Barnett Newman a produit de l'outrage et le ridicule répandu (et la discussion) dans le Canada quand le National Gallery a acheté une peinture de Newman pour un grand montant d'argent, également dans les années 80.
L'ART de jeu de Broadway a utilisé une peinture monochrome blanche comme appui vertical pour produire d'un argument au sujet de l'esthétique qui a composé la partie du jeu.

Sources

La galerie de Tate sur le monochrome
La page d'Artnetweb sur la peinture monochrome
Monochromes : De Malevich au présent par Barbara Rose
Dans l'âge du monochrome - art en Amérique - janv., 2005 par Terry Berne - articles de trouvaille
Geoffrey Dorfman rend hommage au resnick de milton

Random links: