La vie toujours

cet article est au sujet de la vie immobile (ou toujours des lifes en tant que pluriel), la forme d'art. Pour d'autres usages de l'expression, voir toujours la vie de (désambiguisation) .

Une vie est toujours un travail de l'art dépeignant les thèmes inanimés du , les objets en général banaux qui peuvent être normaux (nourriture, plantes et substances normales comme des roches) ou synthétiques (des verres de boissons, des cigarettes, des pipes, des hot dogs et ainsi de suite) dans un arrangement artificiel. Populaire dans l'art occidental depuis le XVIIème siècle, les peintures de la vie donner toujours à l'artiste plus de marge de sécurité dans l'arrangement des éléments de conception dans une composition que font les peintures d'autres types de sujets tels que le paysage ou l'art du portrait .

Histoire

Les peintures de la vie ornent toujours souvent les murs des tombeaux antiques de l'Egyptien . On l'a cru que les produits alimentaires et d'autres articles représentés là, dans la vie après la mort, deviennent vrai et disponible à l'usage du décédé. Des peintures semblables, plus simplement décoratives dans l'intention, ont été également trouvées dans les fresques romains du déterrés au Pompeii , au Herculaneum et à la villa Boscoreale . Quelques peintures de mur romaines dépeignent déjà le motif familier postérieur d'un bol en verre de fruit. L'appréciation populaire de la peinture immobile de la vie comme démonstration de la compétence de l'artiste est rapportée dans la légende du grec ancien du Zeuxis et Parrhasius .

Par les Moyens Âges et la Renaissance , encore la vie dans l'art occidental était principalement employée comme adjonction aux sujets religieux chrétiens. C'était particulièrement vrai dans le travail des artistes européens nordiques, dont la fascination avec le réalisme optique fortement détaillé et le symbolisme déguisé les a menés prodiguer une grande attention sur les significations de divers appui verticaux et arrangements dans le message global de leurs peintures. Les peintres tels que les objets employés souvent de janv. van Eyck , de ce type ont considéré les éléments immobiles de la vie, en tant qu'élément d'un programme iconographique du .

Un artiste qui a employé la vie immobile est la Géorgie O Keeffe. Elle était une artiste américaine qui a peint beaucoup de tableaux immobiles de la vie contenant des fleurs et des os animaux. Plusieurs de ses récompenses gagnées par images. Par exemple le lapin mort avec le pot de cuivre a gagné le prix de l'Encore-vie de chasse de William Merritt de ligues.

La vie toujours après 1600

La peinture de la vie prospérait toujours dans le Italie pendant le tôt baroque, pourtant elle est demeurée historiquement moins respectée que le " ; manner" grand ; peinture des sujets historiques, religieux, et mythiques. Les académiciens en avant des 1600s tôt, comme le Andrea Sacchi , se sont sentis que ce genre et la peinture de la vie n'a toujours pas porté le " ; gravitas" ; mérité pour que peindre soit considérée grande. D'une part, les artistes réussis de la vie d'Italien trouvaient toujours le patronage suffisant en leur jour. Un fait additionnel est celui avant le XVIIème siècle, peintres de femmes, peu comme ils étaient, a généralement choisi ou a été limité aux matières de peinture telles que les lifes immobiles.

La vie héritait toujours ses propres dans le nouveau climat artistique des Pays Bas en XVIIème siècle (avec le nommé stilleven : la vie de est toujours un calque tandis que les langues Romance tendent à employer des termes tels que la nature morte de ). Tandis que les artistes trouvaient l'occasion limitée de produire l'iconographie religieuse qui avait longtemps été leurs agrafer-images des sujets religieux ont été interdits dans l'église protestante reformée hollandaise - la tradition nordique continue de du réalisme détaillé et des symboles cachés faits appel aux classes moyennes hollandaises croissantes, qui remplaçaient l'Église et État en tant que principaux patrons d'art aux Pays Bas.

Particulièrement populaires dans cette période étaient les peintures de Vanitas , dans lesquelles des arrangements somptueux du fruit et des fleurs, ou les tables somptueuses de banquet avec de l'argent et le cristal fins, ont été accompagnés des rappels symboliques de l'instabilité de la vie. Un crâne, un sablier ou la montre pocket, une bougie brûlant vers le bas ou un livre avec la rotation de pages, serviraient de message moralisant sur l'éphémérité des plaisirs sensoriels. Souvent certains des fruits succulents et se fleurissent seraient montrés commencer à se corrompre ou se faner. La popularité des peintures de vanitas, et de la vie immobile généralement, bientôt diffusion de Hollande au Flandre et de là au Espagne et au France .

L'aristocratie française du XVIIIème siècle a également employé des artistes pour exécuter toujours des peintures des sujets généreux et exagérés de la vie, cette fois sans message moraliste de vanitas de leurs prédécesseurs hollandais. L'amour Rococo du de l'artifice mené à une élévation d'appréciation pour le Trompe - l ' oeil (Français : " ; duper l'eye" ;) peignant, un type de vie immobile dans lequel des objets sont montrés life-sized, sur un fond plat, afin d'essayer de créer l'illusion de vrais objets tridimensionnels dans l'espace de la visionneuse.

Avec l'élévation des académies européennes, spécialement le française d'Académie de qui a tenu un rôle central dans l'art scolaire , et leur approche formalisée à la formation artistique, la vie commençaient toujours à tomber de la faveur. Les académies ont enseigné la doctrine du " ; Hiérarchie de de " des genres ; (ou " ; Hiérarchie de Matter" soumis ;), qui a soutenu que le mérite artistique du d'une peinture a été basé principalement sur son sujet. Dans le système scolaire, la forme la plus élevée de peinture s'est composée des images d'importance historique, biblique ou mythologique, avec les sujets immobiles de la vie relégués à l'ordre le plus bas de l'identification artistique.

Toujours peinture moderne de la vie

Il n'était pas jusqu'au déclin de la hiérarchie scolaire en Europe, et à l'élévation de l'impressionniste et de peintres du Post-Impressionist , qui ont souligné la technique et la conception au-dessus des thèmes, que la vie immobile de nouveau a été avide pratiquée par des artistes. Le Henri Fantin-Latour est connu presque exclusivement pour ses lifes immobiles. " de s de Vincent van Gogh '; Sunflowers" ; sont toujours certaines des peintures de la vie les plus connues du 19ème siècle, et le Paul Cézanne trouvé dans la vie immobile le véhicule parfait pour ses explorations révolutionnaires dans l'organisation spatiale géométrique. En effet, les expériences de Cézanne peuvent être vues comme menant directement toujours au développement de la vie cubiste du en début du 20ème siècle. Entre 1910 et 1920, les artistes cubistes aiment le Pablo Picasso , Georges Braque , et le Juan Gris a peint beaucoup de compositions immobiles en vie, souvent comprenant les instruments musicaux, aussi bien que créer les premiers travaux cubistes synthétiques du collage , tels que le " de Picasso ; La vie toujours avec la chaise Caning" ; (1912).

Les artistes aux Etats-Unis, en grande partie déchargés par des restrictions d'Academic sur les thèmes, avaient longtemps trouvé un marché prêt pour la peinture immobile de la vie. Le Raphaelle Peale (1774-1825), le fils le plus âgé du révolutionnaire Charles Willson Peale de peintre d'ère, était toujours le premier spécialiste en vie d'Américain, et a établi une tradition de la peinture immobile de la vie dans le Philadelphie qui a continué jusqu'au début du 20ème siècle, quand les artistes tels que le William Harnett et le John Frederick Peto ont gagné la renommée pour leur Trompe - l ' rendus de l'oeil des collections d'objets usés et des chutes du papier, typiquement montrées accrocher sur un mur ou une porte.

Quand les artistes américains du 20ème siècle se sont rendus compte du modernisme européen , ils ont commencé à interpréter les sujets immobiles de la vie avec une combinaison du réalisme américain et Cubiste-ont dérivé l'abstraction. Typiques des travaux de vie d'Américain de cette période sont toujours les peintures du la Géorgie O'Keeffe , le Stuart Davis , et le Marsden Hartley , et les photographies du Edouard Weston . < ! -- L'image avec le statut inconnu de copyright a enlevé : --> Beaucoup d'art de bruit (tel que " de s de Warhol Andy '; Le potage Cans" de Campbell ;) est basé sur la vie immobile, mais son sujet vrai est le plus souvent l'image commodified du produit commercial représenté plutôt que toujours l'objet de la vie d'examen médical lui-même. L'élévation de Photorealism dans les années 70 a réaffirmé la représentation illusionistic, tout en maintenant une partie du message du bruit de la fusion de l'objet, l'image, et le produit commercial. Typiques sont à cet égard les peintures du remous de Don de et du Ralph Goings .

Random links: