Ilya Kabakov

Le Ilya Kabakov , le russe ИльяИосифовичКабаков ( 1933 du 30 septembre ) est un artiste conceptuel américain d'origine juive du russe du , né dans le Dnipropetrovsk , Ukraine . Il a travaillé pendant trente années dans le Moscou , des années 50 jusqu'aux fin des années 1980. Il maintenant vit et travaille au Long Island . Il a été appelé par le ArtNews en tant qu'un du " ; le plus grand artists" dix vivant ; en 2000.

Tout au long de son quarante-année plus la carrière, Kabakov a produit un éventail de peintures, de schémas, d'installations, et de textes théoriques - sans compter les mémoires étendus qui dépistent sa vie de son enfance au début des années 80. Ces dernières années, il a créé les installations qui ont évoqué la culture visuelle de l'Union Soviétique , bien que ce thème n'ait jamais été le centre exclusif de son travail. À la différence de quelques artistes soviétiques souterrains, Kabakov a joint l'union de des artistes soviétiques en 1959, et est allé bien à un plein-membre en 1965. C'était une position prestigieuse en URSS et il a apporté avec lui les avantages matériels substantiels. Généralement Kabakov a illustré tous les ans les livres d'enfants pendant 3-6 mois et a alors dépensé le reste de son temps sur ses propres projets.

En employant des biographies fictives, beaucoup ont inspiré par ses propres expériences, Kabakov a essayé d'expliquer le renouvellement de l'Union Soviétique, qu'il prétend être la première société moderne à disparaître. Dans l'Union Soviétique, Kabakov découvre des éléments communs à chaque société moderne, et de cette manière il examine la crevasse entre le capitalisme et le communisme . Plutôt que dépeignent l'Union Soviétique comme projet socialiste failed défait par des sciences économiques occidentales, Kabakov les décrit en tant qu'un projet utopique parmi beaucoup, capitalisme inclus. En réexaminant des récits historiques et des perspectives, Kabakov fournit un message que chaque projet, si public ou privé, important ou insignifiant, a le potentiel d'échouer en raison de la volonté potentiellement autoritaire pour actionner.

La vie tôt

Ilya Kabakov était né le 30 septembre , le 1933 dans Dnipropetrovsk, Ukraine. Sa mère, Bertha Solodukhina, était juif son père de a parlé seulement le Yiddish et sa mère a lu seulement le hébreu. Le père d'Ilya, Joseph Kabakov, décrit comme abusif, mort dans WWII.Ilya a été évacué au Samarkand avec sa mère. Là il a commencé à aller à l'école de l'académie de Léningrad de l'art qui a été évacué au Samarkand . Ses camarades de classe ont inclus le Mikhail Turovsky de peintre.

Éducation

En 1951, à l'âge de 18, Kabakov a été nié l'admission à l'institut de Surikov de et il est entré dans l'institut polygraphique de Moscou pour étudier les industries graphiques (service de d'illustration de livre). Il a reçu un diplôme en 1957.

Carrière

En 1959, Kabakov est devenu un " ; member" de candidat ; de l'union de l'artiste soviétique (il plus tard est devenu un membre à part entière en 1965). Ce statut l'a fixé un studio, affermit le travail en tant qu'illustrateur et un salaire relativement sain par des normes de Soviet. Il se rappelle qu'il était " ; rich" ; comparé à la plupart des Soviétiques. Environ 1962, il a commencé à partager son studio avec le unoffcial Estonien-né Ulo Sooster d'artiste par qui il serait influencé.

" ; Official" ; contre le " ; Unofficial" ; artistes

Dans l'Union Soviétique, les artistes officieux ne pourraient pas acheter des matériaux d'art, ni pourraient ils exhibent leur art l'en public. Cependant, Kabakov, comme un artiste d'illustrateur et de fonctionnaire de livre, pouvait produire son " ; private" ; dessin-modèle dans son studio officiel. Entre 1953-1955 Kabakov a commencé à faire ses premiers travaux officieux, qu'il a appelés des schémas de `pour myself." ; Le " d'expression ; schémas pour le myself" ; servir de titre aux travaux et à une explication. Aucune de ces derniers des projets tôt ne s'est élevée à plus que des croquis sur le papier. Elle n'a été jamais intitulée, et elles étaient souvent semblables dans le modèle à ses illustrations de livre. Dans toute sa carrière la tension entre l'art de travail et officieux de fonctionnaire hanterait Kabakov.

L'influence de Falk

Certains de ces schémas tôt survécus et de eux seraient inclus dans les dessin-modèles postérieurs, tels que les albums de Kabakov des années 70. Un tournant pour Kabakov était sa connaissance avec le Robert Falk , un moderniste pré-Révolutionnaire d'artiste qui a travaillé dans un modèle appelé le Cézannism-Cubisme de `'. Falk était un artiste réussi et bien connu en dehors de l'Union Soviétique mais depuis les années 30 n'avait pas été permis de travailler professionnellement dans le pays. Falk jamais n'a dedans donné aux autorités et a continué à travailler dans son propre modèle jusqu'à ce qu'il soit mort en 1958. Bien que Falk ait eu un modèle de peinture qui n'a été plus considéré avant-garde dans l'ouest, Kabakov et ses pairs étaient peu familiers avec les travaux par de premiers artistes avant-garde soviétiques tels que le Malevich et le Tatlin puisque leurs travaux n'ont été jamais exhibés ou ont été discutés. La visite au studio et à la réalisation de Falk qu'un artiste pourrait travailler indépendamment, quoiqu'en secret, doit avoir libéré.

Les années 60

Extrémité du " ; Thaw" ;

En 1962 il y avait une exposition aux attaques infâmes de s de Khrushchev le d'artistes de Moscou la' union qui a occasionné' sur l'art. L'incident a fini l'ère de dégel qui avait commencé en 1956. Cette même année Kabakov a produit plusieurs séries de schémas absurdes de `.' Ceux-ci ont été par la suite édités dans un magazine 1969 de Prague. Avant ceci, cependant, Kabakov a eu son premier goût de contester publiquement le régime soviétique. En 1965 un membre du parti communiste italien a exhibé un certain nombre de travaux par des artistes de Soviet dans le L'Aquila , Italie . Le but de l'exposition était de montrer que l'Union Soviétique a eu une culture plus diverse qu'a été connu à l'ouest et même aux personnes soviétiques. Kabakov a prêté une série de schémas intitulés la douche de .

La série de douche

De la série originale de douche de 1965, un homme est position représentée sous une douche mais sans l'eau. Kabakov a interprété le travail comme métaphore simple mais universelle au sujet de l'individu qui attend toujours quelque chose, mais ne reçoit jamais n'importe quoi. Au lieu de cela, les Italiens et les critiques du communisme ont interprété le travail en tant que signification de la culture soviétique et de son manque de récompense matérielle. La publicité mineure Kabakov a reçu l'a empêché d'obtenir le travail en tant qu'illustrateur pendant quatre années, le forçant à travailler sous quelqu'un d'autre le nom. L'utilisation d'un l'alter ego deviendrait un outil commun dans le dessin-modèle officieux de Kabakov.

Le groupe de boulevard de Sretensky

Un groupe d'artistes qui ont vécu sur le boulevard de Sretensky est devenu lâchement associé par leurs idées semblables dans les années 60. Principalement identifié comme Kabakov, Eduard Shteinberg , Erik Bulatov , Viktor Pivovarov et Vladimir Yankilevsky , le groupe a également inclus le Oleg Vassiliev , le Ulo Sooster et d'autres avec la même préoccupation. Les studios de l'artiste ont été également employés comme des lieu de rendez-vous pour montrer et échanger des idées au sujet d'art. La majorité d'artistes visuels qui sont devenus une partie du groupe de boulevard de Stretensky de a travaillé officiellement comme illustrateurs de livre et concepteurs. Il y avait dans le contraste fort à un groupe appelé les artistes de Lianozovo , un groupe lâche autour d'oscar Rabine , qui étaient principalement des abstractionists. Ce groupe en particulier a été souvent harcelé et dans certains cas a emprisonné ou a exilé. Il est évident que Kabakov et ses associés aient été conformistes comme stratégie de survie, une tactique qui a commencée aux académies d'art. Kabakov signale que pendant l'école et dans toute sa carrière tôt il a fait tout prévu de lui et, sur la surface, a accepté la réalité soviétique.

La série russe

C'était au studio sur le boulevard de Stretensky que le travail officieux de Kabakov a pris un nouveau tour. Précédemment, son travail s'est composé des schémas relativement modeste-classés d'approximativement 8 x 11 pouces. Ici, il a commencé à créer des travaux considérablement plus grands. La série russe , 1969 de , se compose de trois peintures. Tous sont de 49 x 77 pouces et sont couverts de brun arénacé. Dans chacun, il y a les détails minutieux et les objets alternativement sur la surface ou cachés sous la couleur arénacée. Les détails interrompent le regard fixe de la visionneuse, qui serait autrement accablé par la couleur de l'émail brun. La série russe de est un prototype pour les travaux postérieurs de Kabakov parce que les peintures sont accompagnées du texte.

Dans chacun des trois travaux de les séries russes les détails sont situées dans les coins ou à partir du centre. L'intégrité « de la couleur arénacée, celle du sol » est laissée intacte, interrompu d'une façon discrète presque réservé ou de manière erronée. Pourtant la dominance du centre maîtrise la visionneuse, renvoyant son regard fixe au milieu et à partir des anomalies en couleurs. Kabakov répéterait cette stratégie de 1983-1988 avec un appelé la deuxième par série trois peintures vertes . De cette série, plutôt que dépeignent les objets, il a placé des textes sur les coins gauches et droits supérieurs de ce qui est autrement un champ de peinture verte d'émail. Kabakov a décrit les couleurs de la peinture dans le la série russe et les peintures vertes du trois comme caractères principaux. La couleur arénacée brune de sol de la première série était le même émail employé dans l'Union Soviétique pendant les années 50 et les années 60 pour peindre tout des toits aux vestibules, mais le plus souvent aux planchers. Kabakov précise que la couleur de l'état est rouge mais la couleur du pays est gris, en raison de son « existence monotone ». Kabakov assigne à ces couleurs une signification métaphysique de la terre et de la nature en tant que commandé et représentées par l'état soviétique. Il propose alors que si vous mélangez ces deux couleurs vous finissiez vers le haut avec la couleur arénacée brune de sol, qui signifie les planchers et la terre qui soutiennent les pieds de la foule de l'Union Soviétique. Le vert de la deuxième série est un émail qui a été employé pour peindre la partie plus inférieure des murs jusqu'à un mètre de haut afin de les protéger contre la saleté et éraille. Pour Kabakov, ces couleurs évoquent des sentiments de désespoir inévitable. Est plus ayant trait à cet argument ce que ces séries de peintures n'adressent pas. L'idéologie politique est absente et seulement les couleurs impersonnelles existent pour dominer les dispositifs mineurs, qui sont les textes et les objets sans visage.

La mouche

Tout au long des années 60, le travail de Kabakov est devenu plus expérimental et irrégulier. Certains de ses motifs plus connus commencent à se développer dans cette décennie. Par exemple, la mouche de la Reine de de 1965 est un plus petit et tout à fait unique travail parce qu'une conception décorative et semi-géométrique couvre une base et une armature de contre-plaqué. Toutefois la mouche, un seul élément séparé du modèle peint, est également le caractère principal, et un qui se reproduisent dans tout le uvre de Kabakov. Le motif de mouche est si important qu'il soit demeuré dans son travail jusqu'à après qu'il se soit déplacé à l'ouest. L'installation 1992 dans le Cologne , la vie de des mouches , se compose de plusieurs halls dans lesquels l'économie, la politique, la culture, et une civilisation entière, spécifiquement l'Union Soviétique, sont associées aux mouches. La civilisation a une atmosphère être ennuyeuse ainsi que les mouches meurent de elle. Dans tout le uvre de Kabakov les mouches représentent deux thèmes apparemment différents : vies humaines et ordures.

Les années 70

Dans les années 70, plusieurs facteurs ont mené Kabakov pour devenir plus conceptuellement orienté. Le premier était l'adoption de l'intelligentsia soviétique de la théorie structuraliste de France, qui a aidé l'intérêt de décalage de l'art à son contexte. Après, peut-être en partie dû à l'influence du structuralism, l'intelligentsia a commencé à remettre en cause l'attitude d'ami-ou-ennemi vers l'idéologie soviétique. Des artistes et les intellectuels dissidents ont commencé à être vus par les structuralistes russes en tant que soutien du golfe dans la société et sarclent entre les sociétés d'industriel de l'est et de l'ouest. Dans les années 70, plutôt que soient l'anti-Soviétique et pro-Occidentaux, beaucoup d'artistes ont pris une position neutre qui leur permettrait de remettre en cause et analyser l'espace perçu entre les idéologies.

Les Conceptualists de Moscou

Pour Kabakov, ces développements menés à ses amis et collègues constituant un groupe qui est devenu notoire en tant que Conceptualists de Moscou de , qui se sont développés hors du groupe de boulevard de Stretensky. Il est problématique pour déterminer exactement qui était un membre du groupe, car la limite est fluide, entourant largement les artistes des Sots et le groupe des actions collectives , qui toutes les deux étaient influentes dans la construction du conceptualist russe art.

Albums et Dix caractères

Avant de créer les installations pour lesquelles Kabakov est connu dans le monde entier, Kabakov a créé les albums fictifs. Il a créé un total de 50. Chaque album est une histoire environ un caractère qui peut souvent surmonter la banalité de l'existence journalière, ou, " ; d'un petit homme, possédé par grand ideas." ; Les dix premiers albums est des séries appelées le les Dix caractères (1972-75). Dans l'histoire des Dix caractères, un homme, essayant d'écrire son autobiographie, se rend compte que rien beaucoup n'est jamais arrivé à lui, et la majeure partie de sa vie s'est élevée aux impressions des personnes, des endroits, et des objets. Ainsi il crée dix caractères différents pour expliquer sa perception du monde.

Chaque histoire est texte avec l'illustration, démontrant que le travail officiel de Kabakov en tant qu'illustrateur de livre est une présence forte dans son " ; unofficial" ; travail aussi bien. Dans un des albums de Dix caractères, appelé le Komarov volant, prise soviétique moyenne de citoyens les ailes des versions trop petites des avions, quelque tiré par des cordes aiment des skieurs de l'eau dans le ciel. Les illustrations dépeignent également, dans a dessin-comme la mode, les citadins tenant des mains et formant de grands cercles tout en flottant dans le ciel. Les schémas sont fortement de fantaisie et pourraient facilement être employés pour un livre d'enfants, sinon dans l'Union Soviétique puis certainement dans l'ouest. L'explication écrite, cependant, suggère une signification plus profonde et peut-être plus cynique.

Kabakov réclame les albums sont un genre quelque part entre plusieurs types d'art comprenant la littérature, des beaux-arts, et cinématographie. « Surtout, » il propose, « les albums de `' sont un type de théâtre domestique de `'… comme le vieux théâtre conduit sur une place en grand jour ». Il compare ses albums au théâtre où la visionneuse est liée par action et obscurité, qui ne permet pas pour l'examen et l'évaluation de l'action. L'intérêt en donnant à la visionneuse la liberté pour agir l'un sur l'autre et pour interpréter le dessin-modèle est central au uvre de Kabakov. Aucun de ses travaux n'est didactique ou tentative pour fournir un rapport politique.

Les années 80

Émigration à l'ouest

À la différence de beaucoup d'artistes soviétiques qui ont émigré à l'ouest vers la fin des années 70 et du début des années 80, Kabakov est resté en Russie jusqu'en 1987. Son premier voyage à l'ouest était au Graz , Autriche quand le Kunstverein lui a donné une résidence artistique. Entre Kabakov 1988 et 1992 n'a réclamé aucune maison permanente pourtant est resté dans l'occidental, travaillant et vivant seulement brièvement dans plusieurs pays. Par rapport à beaucoup d'artistes soviétiques d'émigré, Kabakov était immédiatement réussi et est resté tellement depuis. Entre 1988 et 1989 il a eu des expositions dans le New York , le Berne , le Venise , et le Paris .

Installations

Entre Kabakov 1983 et 2000 a créé 155 installations. Veuillez voir les installations de Kabakov de pour des descriptions de douze à lui le plus connu.

Évaluation

Après avoir éprouvé une oppression beaucoup plus grande qu'est généralement connu dans l'ouest, les tentatives d'Ilya Kabakov de pousser la visionneuse dans reconnaître certains aspects de sa personnalité qui se prêtent à l'autoritarisme, mais également, et en particulier de l'imagination, caractéristiques qui pourraient les libérer d'une oppression précédemment admise. Les installations de Kabakov ont agi en tant que documents et rappels d'un projet et d'une société socialistes failed. Ses dessin-modèles servent d'histoires et de biographies fictives qui démontrent des caractéristiques universelles chez chaque humain. Récemment, dans le monde occidental d'art et un monde de plus en plus occidentalisé, complètement enlevés de l'Union Soviétique il s'est développé vers le haut sachant, Kabakov a attaqué pour adresser approprié, mais toujours l'universel, concepts.

La vie personnelle

En 1989 Kabakov a également commencé à fonctionner par sa propre nièce, Emilia, qui deviendrait plus tard son épouse. Dans 1992 le Kabakovs déplacé à New York City, et plus tard à Mattituck, NY.

Expositions et collecteurs

Ilya Kabakov a eu la première exposition d'un artiste russe vivant au musée d'ermitage d'état en 2004.

Il est dans des collections en avant telles que le Musée d'Art de Zimmerli, le musée de Whitney de l'art américain, le centre de Pompidou (Beauberg), et la collection de Kolodzei de russe et d'oriental - art.

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