Histoire de la peinture

OCright L'histoire de de la peinture de atteint en arrière à temps aux objets façonnés des humains préhistoriques, et enjambe toutes les cultures.

Le voient également des articles : Peinture , peinture occidentale , histoire de de de de l'art , histoire d'art orientale , contour de de l'histoire de peinture.

Préhistoire

Le voient également l'art préhistorique de . Les peintures connues les plus anciennes sont au Grotte Chauvet dans le France , prétendue par quelques historiens être environ 32. Elles sont gravées et peintes using l'ocre rouge et le colorant noir et montrent les chevaux, le rhinocéros, les lions, le buffle, le mammouth ou les humains chassant souvent. Il y a des exemples des peintures de caverne all over monde-dans le France , le Inde , le Espagne , le Portugal , le Chine , le Australie etc. que de diverses conjectures ont été faites quant à la signification ces peintures ont due les personnes qui les ont faits. Les hommes préhistoriques ont pu avoir peint des animaux au " ; catch" ; leur âme ou esprit afin de chasser eux plus facilement ou les peintures peut représenter une vision et un hommage animistes du à la nature environnante , ou elles peuvent être le résultat d'un besoin fondamental de l'expression qui est le inné aux êtres humains, ou elles pourraient avoir été pour la transmission d'information pratique.

Peinture orientale

Peinture asiatique du sud

Peinture indienne

voient également :

indien de la peinture Les peintures indiennes ont historiquement tourné autour des déités et des rois religieux. L'art indien est une limite collective pour plusieurs différentes écoles d'art qui ont existé dans le sous-continent indien . Les peintures ont varié de grands fresques de Ellora aux peintures miniatures complexes de Mughal aux travaux embellis par métal de l'école de Tanjore . Les peintures du Gandhar - le Taxila sont influencés par les travaux persans du dans l'ouest. Le modèle oriental de la peinture a été la plupart du temps développé autour de l'école de Nalanda de l'art. Les travaux sont la plupart du temps inspirés par de diverses scènes de la mythologie indienne .

Histoire

Les peintures indiennes les plus tôt étaient les peintures de roche des temps préhistoriques du , les pétroglyphes comme trouvé dans les endroits comme les abris de roche de de Bhimbetka , et certains d'entre eux sont plus anciens que le 5500 AVANT JÉSUS CHRIST . De tels travaux ont continué et après plusieurs milléniums, au 7ème siècle, ont découpé des piliers de Ajanta , présent de l'état du maharashtra un exemple fin des peintures indiennes, et les couleurs, la plupart du temps les diverses nuances de rouge et d'orange, ont été dérivées des minerais.

Le Ajanta foudroie dans le maharashtra , l'Inde sont roche-a coupé des monuments de caverne de remontant au deuxième BCE de siècle et contenant les peintures et la sculpture considérées des chefs d'oeuvre de l'art religieux bouddhiste et de l'illustré universel art. ; Peinture de Madhubani La peinture de Madhubani de est un modèle de la peinture indienne, pratiqué dans la région de Mithila de l'état de Bihar, l'Inde. Les origines de la peinture de Madhubani sont enveloppées dans l'antiquité, et les déclarer d'une tradition que ce modèle de la peinture a lancés à l'heure du Ramayana , quand les artistes commissionnés Janak du Roi pour faire des peintures à l'heure du mariage de sa fille, le Sita , avec Sri Rama qui est considéré une incarnation du indou Vishnu de seigneur d'un dieu du . ; Peinture de Rajput Peinture , un modèle de Rajput de de la peinture indienne , évolué et épanoui, pendant le XVIIIème siècle, dans les cours royales du Rajputana , Inde . Chaque royaume de Rajput a évolué un modèle distinct, mais avec certain terrain communal features.paintings dépeignent un certain nombre de thèmes, événements des épopées comme le Ramayana et la vie de Mahabharata, de Krishna, de beaux paysages, et humains. Les miniatures étaient le milieu preferred de la peinture de Rajput, mais plusieurs manuscrits contiennent également des peintures de Rajput, et des peintures ont été même faites sur les murs des palais, chambres intérieures des forts, havelies, en particulier, les havelis de Shekhawait.

Les couleurs extraites à partir de certains minerais, de sources d'usine, coquilles de conque, et ont été même dérivées en traitant les pierres précieuses, or et de l'argent ont été employés. La préparation de couleurs désirées était un processus prolongé, prenant parfois des semaines. Les brosses utilisées étaient très bonnes. ; Peinture de Mughal La peinture de Mughal de est un modèle particulier de la peinture indienne , généralement confiné aux illustrations sur le livre et fait en miniatures, et qui a émergé, développé et s'est dessiné au cours de la période du le 16ème - les 19èmes siècles de l'empire de Mughal de de ).

; Peinture de Tanjore La peinture de Tanjore de est une forme importante de l'Indien du sud classique peignant indigène à la ville du Tanjore dans le Tamil Nadu . La forme d'art remonte au 9ème siècle tôt, une période dominée par les gouverneurs de Chola , qui ont encouragé l'art et la littérature . Ces peintures sont connues à leur élégance, couleurs riches, et attention au détail. Les thèmes pour la plupart de ces peintures sont les dieux du et les déesses et les scènes indous de la mythologie indoue . Dans des temps modernes, ces peintures sont devenues un souvenir beaucoup recherché pendant des occasions de fête en Inde du sud.

Le processus de faire une peinture de Tanjore implique beaucoup d'étapes. La première phase comporte la fabrication du croquis préliminaire de l'image sur la base. La base se compose d'un tissu collé au-dessus d'une base en bois. Puis la poudre de craie ou l'oxyde de zinc est mélangée à l'adhésif hydrosoluble et appliquée sur la base. Pour faire le lissoir bas, un doux abrasif est parfois employé. Après que le schéma soit fait, la décoration des bijoux et des habillements dans l'image est faite avec les pierres semi-précieuses. Des lacets ou les fils sont également employés pour décorer les bijoux. Sur ceci, les clinquants d'or sont collés. En conclusion, les colorants sont employés pour ajouter des couleurs aux figures dans les peintures.

; L'école de Madras Pendant la règle britannique en Inde, la couronne a constaté que Madras a eu certains des esprits artistiques les plus doués et les plus intellectuels dans le monde. Car les Anglais avaient également établi un règlement énorme et autour à de Madras, Georgetown a été choisi pour établir un institut qui approvisionnerait aux espérances artistiques des royals à Londres. Ceci est venu pour être connu comme école de Madras de . Aux premiers artistes traditionnels ont été utilisés pour produire des variétés exquises de meubles, métal ouvré, et des curiosités et leur travail ont été envoyés aux palais royaux de la reine.

À la différence de l'école du Bengale où la « copie » est la norme de l'enseignement, des flourishes d'école de Madras sur « créer » de nouveaux modèles, des arguments et des tendances.

; L'école du Bengale L'école du Bengale de de l'art était un modèle d'art influent qui s'est épanoui en Inde pendant le Raj britannique en début du 20ème siècle. Elle a été associée au nationalisme indien , mais a été aussi favorisée et soutenue par beaucoup d'administrateurs culturels britanniques.

L'école du Bengale a surgi en tant qu'une avant-garde et mouvement nationaliste réagissant contre les modèles scolaires de l'art précédemment favorisés en Inde, par les artistes indiens tels que le Ravi Varma et dans les écoles d'art britanniques. Après l'influence répandue des idées spirituelles indiennes dans le occidental, le britannique Ernest Binfield Havel de professeur d'art a essayé de reformer les méthodes d'enseignement à l'école de Calcutta de de l'art par les étudiants d'une manière encourageante pour imiter des miniatures de Mughal . Cette immense polémique causée, menant à une grève par des étudiants et aux plaintes à partir de la presse locale, incluant à partir des nationalistes qui l'ont considérée comme étant un mouvement rétrogressif. Havel a été soutenu par le Abanindranath Tagore , un neveu d'artiste du Rabindranath Tagore de poèt. Tagore a peint un certain nombre de travaux influencés par art de Mughal, un modèle que lui et Havel ont pensé être expressif des qualités spirituelles distinctes de l'Inde, par opposition au " ; materialism" ; de l'ouest. La peinture la plus connue de Tagore, Bharat Mata (mère Inde), a dépeint une jeune femme, dépeinte avec quatre bras de la façon des déités indoues, des objets de possession symboliques des aspirations nationales de l'Inde. Tagore plus tard a essayé de développer des liens avec les artistes japonais en tant qu'élément d'une aspiration pour construire un modèle de la Casserole-Asianist avec de l'art.

L'influence de l'école du Bengale en Inde a diminué avec la diffusion des idées modernistes du dans les années 20. Dans la période de la poteau-indépendance, les artistes indiens ont montré plus d'adaptabilité pendant qu'ils empruntaient librement des modèles européens et les amalgamaient librement avec les motifs indiens à de nouvelles formes d'art. Tandis que les artistes comme le Francis Newton Souza et le Tyeb Mehta étaient plus occidentaux dans leur approche, il y avait d'autres comme le Ganesh Pyne et le Maqbool Fida Hussain qui ont développé des modèles complètement indigènes de travail. Aujourd'hui après le processus de la libéralisation du marché en Inde, les artistes éprouvent plus d'exposition à l'art-scène internationale qui les aide dans l'émergence avec de plus nouvelles formes d'art qui n'ont pas été jusqu'ici vues en Inde. Le Jitish Kallat avait tiré à la renommée vers la fin de 90s avec ses peintures qui étaient modernes et au delà de la portée de la définition générique. Cependant tandis que les artistes en Inde en nouveau siècle essayent de nouveaux modèles, thèmes et métaphores, il n'aurait pas été possible d'obtenir une telle identification rapide sans aide des maisons de commerce qui entrent dans maintenant le domaine culturel comme elles avaient jamais avant.

Peinture asiatique est

Le voient également la peinture chinoise , la peinture japonaise , la peinture coréenne de de .

La Chine, le Japon et la Corée ont une tradition forte dans la peinture qui est également fortement attachée à l'art de la calligraphie et du Printmaking (tellement qu'il est généralement - vu comme peinture). La peinture traditionnelle de l'Extrême Orient est caractérisée par des techniques à base d'eau, moins de réalisme, " ; elegant" ; et sujets stylisés, approche graphique à la description, l'importance de l'espace blanc (ou de l'espace négatif ) et une préférence pour le paysage (au lieu de la figure humaine) comme sujet. Au delà d'encre et de couleur sur des rouleaux de soie ou de papier, l'or sur la laque était également un milieu commun dans le dessin-modèle asiatique est peint. Bien que la soie ait été un milieu quelque peu cher à peindre au moment dans le passé, l'invention du papier pendant la �ère ANNONCE du siècle par le Eao Lun d'eunuque de cour de Han a fourni milieu non seulement bon marché et répandu pour l'écriture, mais un milieu également bon marché et répandu pour la peinture (le rendant plus accessible au public).

Les idéologies du confucianisme , du Daoism , et des rôles importants joués par de bouddhisme de dans les peintres médiévaux est de dynastie de chanson de l'Asiatique art. tels que le Lin Tinggui et son Luohan blanchissant (logé dans la galerie plus libre de de Smithsonien d'art ) du 12ème siècle sont d'excellents exemples des idées bouddhistes fondues dans le dessin-modèle chinois classique. Dans la dernière peinture sur la soie (image et description fournies dans le lien), le bouddhiste chauve Luohan sont dépeints dans un arrangement pratique des vêtements de lavage par un fleuve. Cependant, la peinture elle-même est visuellement renversante, avec le Luohan dépeint dans le détail riche et les couleurs lumineuses et opaques contrairement à un environnement boisé brumeux, brun, et doux. En outre, les dessus d'arbre sont enveloppés en brouillard de tourbillonnement, fournissant le " commun ; space" négatif ; mentionné ci-dessus dans l'Asiatique est art.

Dans le Japonisme , les fin du 19me artistes de siècle aiment les impressionnistes , Van Gogh , Henri De Toulouse-Lautrec et le Whistler admiré des artistes japonais traditionnels d'Ukiyo-e comme le Hokusai et le Hiroshige et leur travail a été influencé par lui.

Peinture chinoise

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la peinture chinoise Les exemples (survivants) les plus tôt de la date peinte chinoise de dessin-modèle à la période d'états de lutte (481 - 221 AVANT JÉSUS CHRIST), avec des peintures sur des peintures murales de soie ou de tombeau sur la roche, la brique, ou la pierre. Elles étaient souvent dans le format stylisé simpliste et dedans plus-ou-moins les modèles géométriques rudimentaires. Elles ont souvent dépeint les créatures mythologiques, les scènes domestiques, les scènes de travail, ou les scènes somptueuses remplies de fonctionnaires à la cour. Le dessin-modèle pendant cette période et la dynastie de Qin suivante (ANNONCE 221 - 207 AVANT JÉSUS CHRIST) et la dynastie de Han (202 AVANT JÉSUS CHRIST - 220) a été fait pas en tant que des moyens seule ou pour une expression personnelle plus élevée. Plutôt le dessin-modèle a été créé pour symboliser et le Geomancy d'honneur, les droits funéraires, les représentations des déités ou des spiritueux mythologiques des ancêtres, les peintures etc. sur la soie des agents judiciaires et les scènes domestiques pourraient être trouvés pendant la dynastie de Han, avec des scènes des hommes chassant à cheval ou participant au défilé militaire. Là peignait également sur les oeuvres d'art tridimensionnelles sur des figurines et des statues, telles que les couleurs original-peintes couvrant les statues de soldat et de cheval de l'armée de terre cuite de . Pendant le climat social et culturel de la dynastie de Jin oriental antique (l'ANNONCE 316 - 420) basée à Nanjing dans les sud, la peinture est devenue l'un des passe-temps officiels du confucien - fonctionnaires bureaucratiques enseignés et aristocrates (avec la musique jouée par la cithare de Guqin , écrivant calligraphie de fantaisie , et écriture et exposer de poésie ). La peinture est devenue une forme commune de libre expression artistique, et pendant les peintres de cette période à la cour ou parmi les circuits sociaux d'élite ont été jugés et rangés par leurs pairs.

L'établissement de la peinture de paysage chinoise classique est accrédité en grande partie au Gu Kaizhi (344 - d'artiste de la dynastie de Jin oriental ANNONCE 406), un des artistes les plus célèbres de l'histoire chinoise. Comme les scènes ovales de rouleau de Kaizhi, les artistes chinois de la dynastie de saveur (618 - ANNONCE 907) comme le Wu Daozi ont peint le dessin-modèle vif et fortement détaillé sur les longs handscrolls horizontaux (qui étaient très populaires pendant la saveur), comme ses personnes célestes du quatre-vingt-sept. Le dessin-modèle peint au cours de la période de saveur a concerné les effets d'un environnement idéalisé de paysage, avec la quantité clairsemée d'objets, personnes, ou activité, aussi bien que monochromatique en nature (exemple : les peintures murales du tombeau de Yide des prix dans le mausolée de Qianling). Il y avait également des figures telles que le tôt Zhan Ziqian de peintre de Saveur-ère, qui a peint les peintures de paysage superbes qui avaient lieu bien en avant de son jour dans la représentation du réalisme. Cependant, l'art de paysage n'a pas atteint une plus grande période de niveau de maturité et de réalisme en général jusqu'aux dynasties du cinq et Dix de royaumes (907 - ANNONCE 960). Pendant ce temps, il y avait les peintres exceptionnels de paysage comme le yuan de Dong de (se référer à cet article pour un exemple de son dessin-modèle), et ceux qui ont peint des descriptions plus vives et plus réalistes des scènes domestiques, comme le Gu Hongzhong et ses Revels de nuit de de Han Xizai .

Pendant la dynastie de chanson chinoise (960 - l'ANNONCE 1279), non seulement l'art de paysage a été amélioré au moment, mais la peinture de portrait est devenue plus normalisée et sophistiquée qu'avant (par exemple, se référer à l'empereur Huizong de de la chanson ), et a atteint sa maturité classique d'âge pendant la dynastie de Ming (1368 - ANNONCE 1644). Pendant le 13ème siècle en retard et la première moitié du XIVème siècle, chinois sous le mongole - la dynastie commandée de yuan de n'ont pas été permises d'écrire des poteaux plus élevés du gouvernement (réservé aux Mongoles ou à d'autres groupes ethniques d'Asie centrale), et l'examen impérial a été cessé pour l'instant. Beaucoup de Chinois Confucien-instruits qui ont maintenant manqué de la profession tournée aux arts de la peinture et du théâtre à la place, comme la période de yuan est devenue l'une des ères les plus vibrantes et les plus abondantes pour le dessin-modèle chinois. Un exemple de tels serait Qian Xuan (1235&ndash ; ANNONCE 1305), qui était un fonctionnaire de la dynastie de chanson, mais hors du patriotisme, refusé pour servir la cour de yuan et consacré à la peinture. Les exemples de l'art superbe de cette période incluent les peintures murales peintes riches et détaillées du palais de Yongle [http://www.php3?m=245&c=55], ou le " ; Longévité Palace" de Dachunyang ; , de l'ANNONCE 1262, un emplacement de patrimoine mondial de l'UNESCO . Dans le palais, les peintures couvrent une aire de plus de 1000 mètres carrés, et tiennent la plupart du temps des thèmes de Daoist. Il était pendant la dynastie de chanson que les peintres recueilleraient également lors des clubs sociaux ou des réunions pour discuter leur art ou d'autres dessin-modèle, l'éloge dont souvent mené aux persuasions pour commercer et vendre les travaux précieux de l'art. Cependant, il y avait également beaucoup de critiques durs de d'autres art aussi bien, montrant la différence dans le modèle et le goût parmi différents peintres. En l'ANNONCE 1088, le Shen Kuo de scientifique de grand penseur et d'homme d'àtat a par le passé écrit du dessin-modèle d'un Li Cheng, qu'il a critiqué comme suit :

… Alors il y avait de Li Chheng, de dessous qui quand il a dépeint les pavillons et les loges parmi des montagnes, les bâtiments storeyed, les pagodas et semblable, toujours utilisé pour peindre le Eaves comme vu. Son idée était que « on devrait regarder vers le haut de dessous, juste comme un homme se tenant sur la terre de niveau et regarder vers le haut les gouttières d'une pagoda peut voir ses combles et ses combles en porte-à-faux de gouttière ». En général la manière appropriée de peindre un paysage est de voir le petit du point de vue du grand (hsiao kuan d'I ta), juste comme une regarde les montagnes artificielles du dans les jardins (en tant qu'un marche environ). Si on s'applique (la méthode de Li) à la peinture de vraies montagnes, regardant vers le haut elles de dessous, on peut seulement voir un profil à la fois, et pas la richesse de leurs pentes et profils nombreux, pour n'indiquer rien de tout que continue dans les vallées et les gorges et dans les ruelles et les cours avec leurs logements et maisons. Si nous nous tenons au à l'est d'une montagne ses pièces occidentales seraient sur la frontière vanishing de la distance éloignée, et vice-versa. Sûrement ceci n'a pas pu s'appeler une peinture réussie ? M. Li n'a pas compris le principe de « voir le petit du point de vue du grand ». Est-ce qu'il certainement merveilleux à diminuer exactement des tailles et des distances, mais on était devrait attacher une telle importance pour les angles et les coins des bâtiments ?

Bien qu'à niveau élevé du stylization, de l'appel mystique, et de l'élégance surréaliste étaient souvent le réalisme fini preferred (comme dans le modèle de shui de Shan de ), commençant par la dynastie de chanson médiévale là étaient beaucoup de peintres chinois puis et après qui a dépeint les scènes de la nature qui étaient avec éclat vraies. De plus défunts artistes de dynastie de Ming prendraient après cette emphase de dynastie de chanson pour le détail complexe et réalisme sur des objets en nature, particulièrement dans les descriptions des animaux (tels que des canards, des cygnes, des moineaux, des tigres, etc.) parmi des pièces rapportées des fleurs et des bosquets lumineux-colorés de la brosse et du bois (un bon exemple serait les oiseaux de de peinture de dynastie de Ming et les fleurs anonymes de prune, logées dans la galerie plus libre du musée de Smithsonien dans le Washington DC). Il y avait beaucoup d'artistes renommés de dynastie de Ming ; Le Qiu Ying est un excellent exemple d'un peintre primordial d'ère de Ming (célèbre même en son propre jour), utilisant dans ses scènes domestiques de dessin-modèle, activant des scènes somptueuses, et des scènes de nature des vallées de fleuve et des montagnes trempées enveloppées en brume et nuages de tourbillonnement. Pendant la dynastie de Ming il y avait également différent et rivalisant des écoles d'art liées à la peinture, telle que l'école de Wu de et l'école de Zhe de .

La peinture chinoise classique a continué dessus dans la dynastie de Qing moderne tôt , avec les peintures fortement réalistes de portrait comme vu vers la fin de la dynastie de Ming du XVIIème siècle tôt. Les portraits de l'empereur de Kangxi de , de l'empereur de Yongzheng de , et de l'empereur de Qianlong de sont d'excellents exemples de la peinture chinoise réaliste de portrait. Pendant la période de règne de Qianlong et le 19ème siècle continu, les modèles baroques du européen de la peinture ont eu l'influence apparente sur les peintures chinoises de portrait, particulièrement avec des effets visuels peints de l'éclairage et de l'ombrage. De même, les peintures asiatiques est et d'autres oeuvres d'art (telles que porcelaine et lacquerware) étaient fortement estimées en Europe puisqu'initial entrer en contact en XVIème siècle.

Le voient également l'histoire de de l'art chinois .

Peinture japonaise

voient également :

japonais de la peinture

La peinture japonaise (絵画) est une de et le plus fortement raffinée des arts japonais, entourant une large variété sur le genre et les modèles. Comme avec l'histoire des arts japonais généralement la peinture japonaise d'histoire est une longue histoire de la synthèse et de la concurrence entre l'esthétique japonaise indigène et l'adaptation des idées importées. Ukiyo-e , " ; images du world" de flottement ; , est un genre des copies japonaises de woodblock de du (ou des gravures sur bois en ) et des peintures produites entre les 17èmes et 20èmes siècles, comportant les motifs des paysages, le théâtre et des quarts de plaisir. C'est le genre artistique principal de l'impression de Woodblock de au Japon . Le Japonais printmaking particulièrement de la période d'Edo a exercé l'énorme influence sur la peinture occidentale dans le France pendant le 19ème siècle.

Peinture occidentale

le voient la peinture occidentale

de d'article L'Egypte, la Grèce et Rome

Le voient également l'art antique de Le Egypte antique , une civilisation avec des traditions très fortes de l'architecture et la sculpture (tous les deux en à l'origine peints dans des couleurs lumineuses) ont également eu beaucoup de peintures murales dans les temples et les bâtiments, et les illustrations peintes sur la peinture de mur égyptienne des manuscrits du papyrus et la peinture décorative est souvent graphique, parfois plus symbolique que réalistes. La peinture égyptienne dépeint des figures dans le contour "BOLD" et la silhouette plate , dans lesquels la symétrie est une caractéristique constante. La peinture égyptienne a le raccordement étroit avec sa langue écrite - appelé les hiéroglyphes égyptiens . Des symboles peints sont trouvés parmi les premières formes de langue écrite. Les Egyptiens également peints sur la toile , restes de dont survivre aujourd'hui. Les peintures égyptiennes antiques ont survécu à en raison du climat extrêmement sec. Les Egyptiens antiques ont créé des peintures pour faire la vie après la mort du décédé un endroit plaisant. Les thèmes ont inclus le voyage par l'afterworld ou leurs déités protectrices présentant le décédé aux dieux des enfers. Quelques exemples de telles peintures sont les peintures du Ra de dieux et de déesses, le Horus , le Anubis , l'écrou , le Osiris et l'ISIS . Quelques peintures de tombeau montrent les activités dans lesquelles les défunts ont été impliqués quand ils étaient vivants et ont été souhaités pour continuer faire pour l'éternité. Dans le nouveau royaume et plus tard, le livre de du mort a été enterré avec la personne ensevelie. On l'a considéré important pour une introduction pour la vie après la mort.

Au nord du Egypte était la civilisation de Minoan sur l'île du Crète . Les peintures de mur ont trouvé dans le palais du Knossos sont semblables à celle des Egyptiens mais beaucoup plus libre dans le modèle. Environ 1100 AVANT JÉSUS CHRIST, les tribus du nord du Grèce Grèce conquise par et l'art grec ont pris une nouvelle direction.

Le Grèce antique a eu de grands peintres, grands sculpteurs (bien que les deux efforts ont été considérés comme le seul travail manuel alors), et grands architectes. Le parthenon est un exemple de leur architecture qui a duré aux jours modernes. La sculpture de marbre grecque est souvent décrite pendant que la forme la plus élevée de peinture classique du art. sur la poterie de de la Grèce antique et de la céramique donne un aperçu particulièrement instructif dans la manière que la société en Grèce antique a fonctionnée. la Noir-figure la peinture de vase et la Rouge-figure la peinture de vase donne beaucoup d'exemples de survie de ce qu'était la peinture grecque. Quelques peintres grecs célèbres sur les panneaux en bois qui sont mentionnés en textes sont Apelles , Zeuxis et Parrhasius , toutefois exemple du grec ancien ne lambrisse pas la peinture survivent, seulement écrit des descriptions par leurs contemporains ou plus défunts Romains. Zeuxis a vécu dans 5-6 AVANT JÉSUS CHRIST et a serait le premier pour employer le Sfumato . Selon le Pline l'aîné , le réalisme de ses peintures était tel que les oiseaux ont essayé de manger les raisins peints. Apelles est décrit en tant que plus grand peintre de l'antiquité pour la technique parfaite dans le schéma, la couleur brillante et la modélisation. L'art romain a été influencé par la Grèce et peut en partie être pris en tant que descendant de la peinture du grec ancien. Cependant, la peinture romaine a des caractéristiques uniques importantes. Les peintures romaines de seule survie sont les peintures de mur, beaucoup des villas dans le Campania , en Italie méridionale. Une telle peinture peut être groupée dans le " de 4 forces ; styles" ; ou les périodes et peuvent contenir les premiers exemples du Trompe-l'œil , de la pseudo-perspective, et du paysage pur. Presque les seuls portraits peints survivant du monde antique sont un grand nombre de cercueil-portraits de forme de buste trouvés dans le cimetière en retard de l'antiquité d'Al-Fayum . Bien que ceux-ci n'aient été ni de la meilleure période ni du plus de haute qualité, elles sont impressionnantes dans elles-mêmes, et donnent une idée de la qualité que le travail antique le plus fin doit avoir eue. Un nombre très petit des miniatures des livres illustrés antiques en retard survivent également, et un nombre un peu plus grand de copies de elles de la période médiévale tôt.

Moyens Âges

L'élévation de christianisme a donné un esprit et un but différents aux modèles de peinture. L'art bizantin , une fois que son modèle était établi par le 6ème siècle, le grand accent mis sur maintenir l'iconographie traditionnelle et le modèle, et a changé relativement peu par les mille années de l'empire bizantin et les traditions continues de l'icône grecque et russe - peinture de d'Othodox . La peinture bizantine a un sentiment particulièrement hiératique et les icônes étaient et sont vues toujours comme réflexion du divin. Il y avait également beaucoup de mur-peintures dans le fresque , mais moins de ces derniers ont survécu que les mosaïques bizantines . En général frontières d'art de Byzance sur l'abstraction , dans sa planéité et descriptions fortement stylisées des figures et du paysage. Toutefois il y a des périodes, particulièrement dans l'art macédonien de soi-disant de autour du 10ème siècle, quand l'art bizantin est devenu plus flexible dans l'approche. Dans la poteau-Antiquité l'Europe catholique le premier modèle artistique distinctif à émerger que la peinture incluse était l'art insulaire des îles britanniques, où les seuls exemples de survie (et tout à fait probablement le seul milieu dans lesquels la peinture a été employée) sont des miniatures en manuscrits lumineux tel que le livre de de Kells . Ce sont les plus célèbres pour leur décoration abstraite, bien que des figures, et parfois des scènes, ont été également dépeints, particulièrement dans le Carolingian des portraits d'évangéliste de et l'art d'Ottonian de survit également la plupart du temps en manuscrits, bien qu'une certaine mur-peinture demeurent, et plus sont documentés. L'art de cette période combine insulaire et le " ; barbarian" ; influences avec une influence bizantine forte et une aspiration pour récupérer le monumentality classique et à porter en équilibre.

Des murs du les églises gothiques romanes de et ont été décorés des fresques aussi bien que la sculpture et plusieurs des quelques peintures murales restantes ont la grande intensité, et combinent l'énergie décorative de l'art insulaire avec un nouveau monumentality dans le traitement des figures. Bien plus de miniatures en manuscrits lumineux survivent de la période, montrant les mêmes caractéristiques, qui continuent dans la période gothique .

La peinture de panneau devient plus commune au cours de la période romane du , sous l'influence lourde des icônes bizantines. Vers le milieu du 13ème siècle, l'art médiéval et la peinture gothique sont devenus plus réalistes, avec les commencements de l'intérêt pour la description de la perspective de volume et de en Italie avec le Cimabue et puis son Giotto de pupille. De Giotto dessus, le traitement de composition par les meilleurs peintres est également devenu beaucoup plus libre et innovateur. Ils sont considérés les deux grands maîtres médiévaux de la peinture dans la culture occidentale. Cimabue, dans la tradition bizantine, a employé une approche plus réaliste et plus dramatique à son art. Sa pupille, Giotto, a pris ces innovations à un de plus haut niveau qui a à leur tour placé les bases pour la tradition occidentale de peinture. Les deux artistes étaient des pionniers dans le mouvement vers le naturalisme.

Des églises ont été construites avec de plus en plus des fenêtres et l'utilisation du verre souillé coloré deviennent une agrafe dans la décoration. Un des exemples les plus célèbres de ceci est trouvé dans la cathédrale du Notre Dame de Paris . Par XIVème siècle les sociétés occidentales étaient plus riches et plus cultivé et des peintres de nouveaux patrons trouvés dans la noblesse et même la bougeoisie . Les manuscrits lumineux ont pris un nouveau caractère et amincissent, les femmes à la mode habillées de cour ont été montrés dans leurs paysages. Ce modèle est bientôt devenu notoire comme le Tempera international de modèle et de lambrissent des peintures et l'importance gagnée par altarpieces.

La Renaissance et manières

La Renaissance est indiquée par beaucoup pour être l'âge d'or de la peinture. Rudement enjambant le 14ème par le mi XVIIème siècle. En Italie les artistes aiment le Paolo Uccello , le ATF Angelico , Masaccio , della Francesca , Andrea Mantegna , Filippo Lippi , Giorgione , Tintoretto , Sandro Botticelli , Leonardo Da Vinci , Michaël Angelo Buonarroti , Raphael , Giovanni Bellini de Piero de de , et le Titian a pris la peinture à un de plus haut niveau par l'utilisation de la perspective , l'étude de l'anatomie humaine et la proportion, et par leur développement d'une amélioration sans précédent dans des techniques de schéma et de peinture.

Les peintres flamands, hollandais et allemands de la Renaissance tels que le Hans Holbein le plus jeune, le Albrecht Dürer , le Lucas Cranach , le Matthias Grünewald , le Hieronymous Bosch , et le Pieter Brueghel représentent une approche différente de leurs collègues italiens, une qui est plus réaliste et moins l'ont idéalisé. L'adoption de la peinture à l'huile dont l'invention était traditionnellement, mais incorrectement, crédité au janv. Van Eyck , (une figure transitoire importante qui jette un pont sur la peinture dans les Moyens Âges avec la peinture de la Renaissance tôt ), possible une nouvelle vraisemblance en dépeignant la réalité. À la différence des Italiens dont le travail a tiré fortement de l'art de la Grèce et de Rome antiques, les habitants du Nord ont maintenu un résidu stylistique des manuscrits lumineux de sculpture et de des Moyens Âges. Ces tendances sont voient également dans l'art de de Tudor Angleterre , qui a été fortement influencé par les réfugiés protestants du des bas pays .

La peinture de la Renaissance reflète la révolution des idées et de la science (astronomie , géographie ) qui se produisent dans cette période, la réforme , et l'invention de la presse typographique . Dürer, considéré un des plus grande des printmakers, déclare que les peintres ne sont pas les seuls artisans mais les penseurs aussi bien. Avec le développement de la peinture du support dans la Renaissance, la peinture a gagné l'indépendance de l'architecture. Les siècles suivants ont dominé par langage figuré religieux, thèmes séculaires lentement retournés à la peinture occidentale. Les artistes ont inclus des visions du monde autour de eux, ou les produits de leurs propres imaginations dans leurs peintures. Ceux qui pourraient avoir les moyens les dépenses pourraient devenir des patrons et des portraits de commission d'eux-mêmes ou de leur famille.

Aux quinzième et seizième siècles, les peintures de panneau de qui pourraient être accrochées sur des murs et être déplacées autour à la volonté, sont devenues de plus en plus populaires pour des églises et les maisons privées, plutôt que des mur-peintures ou des peintures du fresque ont incorporé à sur les structures permanentes, telles que les Altarpieces le la Renaissance qu'élevée a provoqué un art stylisé connu sous le nom de manières . Au lieu des compositions équilibrées et de l'approche raisonnable à la perspective qui a caractérisé l'art à l'aube du seizième siècle, de l'instabilité cherchée par Mannerists, de l'artifice, et du doute. Les visages et les gestes imperturbés du della Francesca de Piero de et des vierges calmes de Raphael sont remplacés par les expressions préoccupées du Pontormo et l'intensité émotive de l'EL Greco .

Le baroque et Rococo

Pendant le commencement de période environ 1600 et la continuation tout au long du XVIIème siècle, peignant est caractérisée comme baroque. Parmi les plus grands peintres du baroques sont Caravaggio , Rembrandt , Rubens , Vélazquez , Poussin , et Vermeer . Caravaggio est un héritier de la peinture de l'humaniste de la Renaissance élevée . Son approche réaliste du à la figure humaine, peinte directement de la vie et nettement du spotlit sur un fond foncé, choquée ses contemporains et ouverte un nouveau chapitre dans l'histoire de la peinture. La peinture baroque dramatise souvent des scènes using des effets de la lumière ; ceci peut être vu dans les travaux par Rembrandt, Vermeer, Le Nain et excursion de La de .

Pendant le XVIIIème siècle, Rococo suivi comme secondaire-genre décadent de baroque, de plus léger, souvent frivole et érotique. Le Français maîtrise le Watteau , Boucher et le Fragonard représentent le modèle, de même que font Giovanni Battista Tiepolo et Thomas Gainsborough . Le Jean-Baptiste-Siméon Chardin a été considéré par certains en tant que meilleur peintre français du XVIIIème siècle - l'Anti-Rococo.

19ème siècle : Neo-classicism, romantisme, impressionisme

le voient également le Neoclassicism principal , le romantisme , l'impressionisme , l'impressionisme , l'école de d'articles de de de poteau de de fleuve de Hudson de

Après que la décadence du Rococo là ait surgi vers la fin du XVIIIème siècle un Neo-classicism ascétique , le meilleur a représenté par des artistes tels que le Jacques Louis David et son Jean Auguste Dominique Ingres d'héritier. Le travail d'Ingres n'en contient déjà une grande partie de la sensualité, mais aucune de la spontanéité, qui était de caractériser le romantisme . Ce mouvement a tourné son attention vers le paysage et la nature aussi bien que la figure humaine et la suprématie de l'ordre normal au-dessus de la volonté de l'humanité. Il y a une philosophie du Pantheist (voir le Spinoza et le Hegel ) dans cette conception qui s'oppose à des idéaux de l'éclaircissement en voyant le destin de l'humanité dans une lumière plus tragique ou plus pessimiste. L'idée que les êtres humains ne sont pas au-dessus des forces de la nature est en contradiction au grec ancien et aux idéaux de la Renaissance où l'humanité était surtout des choses et a possédé son destin. Ceci artistes romantiques menés de pensée pour dépeindre le sublime, les églises ruinées, les naufrages, les massacres et la folie.

Les peintres romantiques ont transformé la peinture de paysage en genre important, considéré jusque-là comme genre mineur ou comme fond décoratif pour la figure compositions. Certains des peintres principaux de cette période sont Eugene Delacroix , Théodore Géricault , J. Turner , Caspar David Friedrich et agent de police de John de . Le le travail en retard de s de Francisco de Goya 'démontre l'intérêt romantique dans l'irrationnel, alors que le travail du Arnold Böcklin évoque le mystère. Dans le Etats-Unis la tradition romantique de la peinture de paysage a été connue comme école de fleuve de Hudson de . Les peintres importants de cette école incluent le Thomas Cole , l'église de Frederick de , le Albert Bierstadt , le Thomas Moran , et le John Frederick Kensett notamment. Le Luminism était un autre mouvement important dans la peinture de paysage américaine liée à l'école de fleuve de Hudson.

Le principal Camille Corot de peintre de l'école de Barbizon de a peint parfois en tant que romantique, parfois en tant que réaliste qui pense à l'avenir à l'impressionisme . Une force importante au tour vers le réalisme à la moitié du siècle était Gustave Courbet . Dans le dernier tiers du siècle les impressionnistes aiment le Édouard Manet , Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro , Alfred Sisley , et le Edgar dégazent et les post-Impressionists légèrement plus jeunes comme le Vincent van Gogh , le Paul Gauguin , et le Georges Seurat , avec l'art de fil de Paul Cezanne jusqu'au bord du modernisme .

20ème siècle moderne et contemporain

Le voient également : Art moderne , modernisme , art contemporain , de de de . < ! -- Le commentaire dehors la galerie - grands problèmes avec l'utilisation juste de masse des images - toute la ces derniers semblent être employés dessous --> L'héritage des peintres aiment le Van Gogh , Cézanne , Gauguin , et le Seurat était essentiel pour le développement de l'art. Au début du Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes du 20ème siècle a révolutionné le monde d'art de Paris avec le " ; wild" ; , multicolore, expressif, paysages et figure peintures que les critiques ont appelé le Fauvism . Le Pablo Picasso a fait à son premier les peintures cubistes de basées sur l'idée de Cézanne que toute la description de nature peut être réduite à trois solides : Cube en , sphère et cône .

Pionniers

L'héritage des peintres aiment le Van Gogh , Cézanne , Gauguin , et le Seurat était essentiel pour le développement de l'art. Au début du Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes du 20ème siècle comprenant le pré-cubiste Georges Braque , le André Derain , le Raoul Dufy et le Maurice de Vlaminck a révolutionné le monde d'art de Paris avec le " ; wild" ; , multicolore, expressif, paysages et figure peintures que les critiques ont appelé le Fauvism - (comme vu dans la galerie ci-dessus). Le Pablo Picasso a fait à son premier les peintures cubistes de basées sur l'idée de Cézanne que toute la description de nature peut être réduite à trois solides : Cube en , sphère et cône . Avec le d'Avignon 1907 de Demoiselles de Les de de peinture, (voir la galerie) Picasso a nettement créé une nouvelle et radicale image dépeignant une scène crue et primitive de bordel avec cinq prostituées, les femmes, réminiscents violemment peints des masques africains de tribal de et de ses propres inventions cubistes du nouveau . Le cubisme analytique (voir la galerie) a été conjointement développé par Pablo Picasso et Georges Braque environ de 1908 à 1912. Le cubisme analytique, la première manifestation claire du cubisme, a été suivi du cubisme synthétique , pratiqué par Braque, Picasso, Fernand Léger , Juan Gris , Albert Gleizes , Marcel Duchamp et innombrable d'autres artistes dans les années 20. Le cubisme synthétique est caractérisé par l'introduction de différentes textures, de surfaces, d'éléments du collage , de collé de Papier de et d'une grande variété de thèmes fusionnés.

Pendant les années entre 1910 et l'extrémité de la Première Guerre Mondiale et après l'apogée du cubisme , plusieurs mouvements ont émergé dans le Paris . Le Giorgio De Chirico s'est déplacé à Paris en juillet 1911, où il a joint son frère Andrea (le poèt et le peintre connus sous le nom de Alberto Savinio ). Par son frère il a rencontré Pierre Laprade un membre du jury au salon d' Automne, où il a exhibé trois de ses travaux idylliques : Énigme de d'Oracle , énigme de d'un après-midi et autoportrait de . Pendant 1913 il a exhibé son travail au DES Indépendants de salon de et le salon d' Automne, son travail a été noté par le Pablo Picasso et le Guillaume Apollinaire et plusieurs autres. Ses peintures irrésistibles et mystérieuses sont considérées instrumentales aux commencements tôt du surréalisme . (voir la galerie)

Dans les deux premières décennies du 20ème siècle et après le cubisme , plusieurs autres mouvements importants ont émergé ; Futurism ( Balla ) de , art abstrait ( Kandinsky ) de , Der Blaue Reiter ), Bauhaus , ( Kandinsky ) et ( Klee ), Orphism , ( Robert Delaunay et František Kupka ), Synchromism ( Morgan Russell ), De Stijl ( Mondrian ), Suprematism ( Malevich ), constructivisme ( Tatlin ) de , Dadaism ( Duchamp , Picabia , arp ) de et surréalisme ( De Chirico , André Breton , Miró , Magritte , Dalí , Ernst ). La peinture moderne a influencé tous les arts visuels, de l'architecture moderniste du et de la conception , au film Avant-garde du , le théâtre et la danse moderne et est devenue un laboratoire expérimental pour l'expression d'une expérience visuelle, de la photographie et de la poésie concrète à l'art de publicité et à la mode . Influence exercée par peinture de Van Gogh la grande sur l'expressionisme du 20ème siècle, comme peut être vu dans le travail du Fauves , meurent Brücke (un groupe mené par allemand Ernst Kirchner de peintre), et l'expressionisme du Edvard mâchent , Egon Schiele , marc Chagall , Amedeo Modigliani , Chaim Soutine et d'autres.

Le Wassily Kandinsky un peintre russe du , le Printmaker et le théoricien , un de d'art des artistes les plus célèbres du 20ème siècle est généralement considéré le premier peintre important de l'art abstrait moderne du . En tant qu'un tôt moderniste, à la recherche de nouveaux modes d'expression visuelle, et expression spirituelle, il a théorisé de même qu'ont fait les Occultists contemporains et les Theosophists , que l'abstraction visuelle pure a eu des vibrations de corollaire avec le bruit et la musique. Ils ont posé en principe que l'abstraction pure pourrait exprimer la spiritualité pure. Ses abstractions plus tôt ont été généralement intitulées comme exemple dans (au-dessus de la galerie) la composition VII en , établissant le rapport au travail des compositeurs de la musique. Kandinsky a inclus plusieurs de ses théories au sujet d'art abstrait dans son de livre Pour ce qui concerne le chant religieux dans le Robert d'art. que Delaunay était un artiste français qui est associé au Orphism , (réminiscent d'un lien entre l'abstraction et le cubisme purs). Sien fonctionne plus tard étaient plus abstrait, réminiscent du Paul Klee . Ses contributions principales pour soustraire la peinture se rapportent à son utilisation "BOLD" de couleur, et à un amour clair d'expérimentation de profondeur et de tonalité. À l'invitation du Wassily Kandinsky , Delaunay et son épouse le Sonia Delaunay d'artiste, a joint le cavalier bleu ( Der Blaue Reiter ), un Munich - le groupe basé d'artistes abstraits , en 1911, et son art ont pris un tour à l'abstrait. D'autres pionniers importants de la peinture abstraite incluent toujours le peintre tchèque du , le František Kupka et le Synchromism , un mouvement d'art fondé en 1912 par le américain Stanton MacDonald-Wright des artistes du et le Morgan Russell qui ressemble étroitement au Orphism .

Entre les guerres

Le art de s de Mondrian Piet le 'a été intimement lié à ses études spirituelles et philosophiques. En 1908 il est devenu intéressé par le mouvement theosophical du lancé par le Helena Petrovna Blavatsky en fin du 19ème siècle. Blavatsky a cru qu'il était possible d'atteindre une connaissance de nature plus profonde que cela fournie par des moyens empiriques, et beaucoup du travail de Mondrian pour le reste de sa vie a été inspiré par sa recherche de cette connaissance spirituelle. D'autres pionniers importants d'abstraction tôt incluent le russe Kasimir Malevich du peintre du , qu'après la révolution russe en 1919, et après pression du régime staliniste du dans 1924 retournés au langage figuré de peinture et les paysans et les ouvriers de dans le domaine, et suisse Paul Klee du peintre du dont la couleur autoritaire expérimente ont fait lui à un pionnier important de la peinture d'abrégé sur au Bauhaus .

Dans le les Etats-Unis au cours de la période entre la Première Guerre Mondiale et les peintres de la deuxième guerre mondiale ont tendu à entrer en Europe pour l'identification. Les artistes aiment le Marsden Hartley , le Patrick Henry Bruce , le Gerald Murphy et le Stuart Davis , réputations créées à l'étranger. Dans le New York City , le Albert Pinkham Ryder et le Ralph Blakelock étaient les figures influentes et importantes dans la peinture américaine avancée entre 1900 et 1920. Pendant le Alfred Stieglitz de photographe des années 20 a montré le la Géorgie O'Keefe , la colombe d'Arthur de , le Alfred Henry Maurer , le Charles Demuth , le John Marin et d'autres artistes comprenant le Henri Matisse de maîtres d'Européen, le Auguste Rodin , le Henri Rousseau , le Paul Cezanne , et le Pablo Picasso , à son de galerie les 291 .

l'expressionisme de et le symbolisme de sont de larges rubriques qui décrit plusieurs mouvements importants et relatifs dans la peinture du 20ème siècle qui a dominé une grande partie de l'art Avant-garde du étant fait occidental, oriental et au Northern Europe. L'expressionisme a été peint en grande partie entre la Première Guerre Mondiale et la deuxième guerre mondiale , la plupart du temps dans le France , le Allemagne , le Norvège , le Russie , le Belgique , et le Autriche . Des artistes d'expressioniste sont liés au surréalisme et au symbolisme et sont chacun uniquement et légèrement excentriquement personnel. Le Fauvism , meurent Brücke , et le Der Blaue Reiter sont trois des groupes les plus connus d'expressioniste et de peintres du Symbolist . Les artistes aussi intéressants et divers que le marc Chagall , Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard de mâchent , Emil Nolde , Chaim Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Beckmann maximum , marc de Franz de , DIX d'Otto de , Käthe Schmidt Kollwitz , Georges Rouault , Amedeo Modigliani et certains des Américains à l'étranger comme le Marsden Hartley , et le Stuart Davis , ont été considérés les peintres influents d'expressioniste. Bien que le Alberto Giacometti soit principalement considéré en tant que sculpteur surréaliste du intense , il a fait les peintures intenses d'expressioniste des figures aussi bien.

Pendant les années 30 et la Grande Dépression , le surréalisme , le défunt cubisme , le Bauhaus , le De Stijl , le Dada , et les peintres de coloriste comme le Henri Matisse et le Pierre Bonnard ont caractérisé la scène européenne d'art. Tandis qu'en Amérique le mouvement social du réalisme qui a contenu le commentaire politique et social dominait le monde d'art. Les artistes aiment le Ben Shahn , Thomas Hart Benton , le bois , George Tooker , le cari , le marais de Grant de de John Steuart de de Reginald de , et d'autres sont devenus en avant. Dans le Amérique latine sans compter que le uruguayen Joaquín Torres García de peintre du et le Rufino Tamayo Mexique , le mouvement de muraliste de avec le Diego Rivera , le David Siqueiros , le José Orozco , le Pedro Nel Gómez et le Santiago Martinez Delgado et les peintures du Symbolist par le Frida Kahlo a commencé une Renaissance des arts pour la région, par une utilisation de couleur et historique, et les messages politiques. Le Symbolist de s de Kahlo Frida le 'travaille se rapportent également fortement au surréalisme et au mouvement du réalisme magique en littérature. Le drame psychologique dans plusieurs des autoportraits de Kahlo soulignent la vitalité et la pertinence de ses peintures avec des artistes au 21ème siècle.

Pendant les années 30 la politique de gauche radicale a caractérisé plusieurs des artistes reliés au surréalisme , y compris le Pablo Picasso . Le le 26 avril , le 1937 , pendant la guerre civile espagnole , la ville Basque du du Gernika était la scène du " ; Bombardement de de " de Gernika ; par la légion de condor de Luftwaffe nazi de l'Allemagne. Les Allemands attaquaient pour soutenir les efforts de Francisco Franco de renverser le gouvernement Basque et le gouvernement républicain espagnol. La ville était désolée, cependant l'ensemble biscaïen et le chêne de Gernika survécus. Pablo Picasso a peint son classé mural Guernica de pour commémorer les horreurs du bombardement.

Sous sa forme finale, le Guernica est un immense noir et blanc, une peinture murale large des mètres de 3.5 mètres (11 pi) de grand et 7.8 (23 pi) peint en huile. La peinture murale présente une scène de la mort, de violence, de brutalité, de douleur, et d'abandon sans dépeindre leurs causes immédiates. Le choix à la peinture dans des contrastes noirs et blancs avec l'intensité de la scène a dépeint et appelle l'urgence d'une photographie de journal. Picasso a peint la peinture classée murale appelée le Guernica de dans la protestation du bombardement. La peinture a été exhibée la première fois dans le Paris en 1937, puis le Scandinavie , puis le Londres en 1938 et finalement en 1939 à la demande de Picasso la peinture a été envoyé au Etats-Unis en prêt prolongé (pour la garde) au MoMA . La peinture est allée en tournée des musées dans l'ensemble des Etats-Unis jusqu'à son retour final au musée de de l'art moderne dans le New York City où elle a été exhibée pendant presque trente années. Enfin en accord avec le souhait de s de Pablo Picasso 'pour donner la peinture au peuple de l'Espagne comme cadeau, elle a été envoyée en Espagne en 1981.

Vers la moitié du siècle

Les années 40 dans le New York City ont annoncé le triomphe de l'expressionisme abstrait , un mouvement moderniste de américain qui a combiné l'expérience acquise du Henri Matisse , du Pablo Picasso , du surréalisme , du Joan Miró , du cubisme , du Fauvism , et du modernisme tôt par l'intermédiaire de grands professeurs en Amérique comme le Hans Hofmann et le John D. Les artistes américains ont tiré bénéfice de la présence du Piet Mondrian , du Fernand Leger , du Ernst maximum et du groupe d'André , de la galerie de Pierre Matisse, et du bretons de galerie de s de Guggenheim Peggy 'l'art de ce siècle , aussi bien que d'autres facteurs.

La peinture américaine Post- de la deuxième guerre mondiale appelée l'expressionisme abstrait incluait toujours des artistes comme le Jackson Pollock , le Willem de Kooning , le Arshile Gorki , le Mark Rothko , le Hans Hofmann , le Clyfford , le Adolph Gottlieb , le Barnett Newman , le Philip Guston , le Robert Motherwell , et le Franz Kline , notamment. L'expressionisme abstrait américain a obtenu son nom en 1946 du Robert Coates de critique d'art. On le voit en tant que combinaison de l'intensité et de l'abnégation émotives des expressionistes allemands avec l'esthétique anti-figuratif des écoles abstraites européennes telles que le Futurism , le Bauhaus et le cubisme synthétique .

Techniquement le surréalisme était un prédécesseur important pour l'expressionisme abstrait avec son emphase sur spontané, le automatique ou la création subconsciente. Le Jackson Pollock peinture d'égoutture de s que de 'sur une toile s'est étendu sur le plancher est une technique qui a ses racines dans le travail du André Masson . Un autre early manifestation important de ce qui est venu pour être expressionisme abstrait est le travail de la marque du nord-ouest américaine Tobey , particulièrement son " de d'artiste ; writing" blanc ; toiles, qui, cependant généralement non grandes dans la balance, prévoient le " ; all over le " ; regarder des peintures de l'égouttement du colin.

En plus, l'expressionisme abstrait a une image d'être rebelle, anarchique, fortement idiosyncratique et, certains se sentent, plutôt nihiliste. Dans la pratique, le terme est appliqué à tout nombre d'artistes travaillant (la plupart du temps) à New York qui a eu des modèles très différents, et même appliqué au travail qui n'est pas particulièrement abstrait ni expressioniste. Le " énergique du colin ; Quot des peintures d'action de ; , avec leur " ; busy" ; la sensation, sont différente techniquement et esthétiquement, au violent et les séries grotesques des femmes Willem de Kooning (qui sont les peintures figuratives ) et aux blocs miroitants serein de couleur dans travail de s de Mark Rothko '(qui n'est pas ce qui habituellement s'appellerait l'expressioniste et le quel Rothko nié était abstrait), pourtant à tous trois sont classifiés en tant qu'expressionistes abstraits.

L'expressionisme abstrait a beaucoup de similitudes stylistiques aux artistes russes du début du 20ème siècle tels que le Wassily Kandinsky . Bien qu'il soit vrai que la spontanéité ou de l'impression de la spontanéité ait caractérisé plusieurs des travaux abstraits d'expressionistes, la plupart de ces peintures ont comporté la planification soigneuse, d'autant plus que leur de grande taille exigé lui. Une exception pourrait être les peintures d'égouttement du colin.

Pourquoi cette acceptation traditionnelle gagnée par modèle dans les années 50 est une question de discussion. Le réalisme social américain avait été le courant principal dans les années 30. Il avait été influencé non seulement par la Grande Dépression mais également par les réalistes sociaux du Mexique tel que le David Alfaro Siqueiros et le Diego Rivera . Le climat politique après que la deuxième guerre mondiale n'ait pas longtemps toléré les protestations sociales de ces peintres. L'expressionisme abstrait a surgi pendant la deuxième guerre mondiale et a commencé à être présenté pendant le début des années 40 aux galeries à New York comme le l'art de cette galerie de siècle. La fin des années 1940 par le milieu des années 50 déclenché l'ère de McCarthy de . Il avait lieu après la deuxième guerre mondiale et un moment du conservatisme politique et de la censure artistique extrême aux Etats-Unis. Certains ont conjecturé que puisque les thèmes étaient souvent totalement abstraits, l'expressionisme abstrait est devenu une stratégie sûre pour que les artistes poursuivent ce modèle. L'art abstrait a pu être vu comme sur-politique. Ou si l'art était politique, le message était en grande partie pour les initiés. Cependant ces théoriciens sont dans la minorité. Comme première école véritablement originale de la peinture en Amérique, l'expressionisme abstrait a démontré la vitalité et la créativité du pays en années d'après-guerre, comme sa capacité (ou besoin) de développer un sens esthétique qui n'a pas été contraint par les normes européennes de la beauté.

Bien que l'expressionisme abstrait ait écarté rapidement dans l'ensemble des Etats-Unis, les centres principaux de ce modèle étaient New York City et Californie, particulièrement dans l'école de New York de , et la région de Baie de San Franciso. Les peintures abstraites d'expressioniste partagent certaines caractéristiques, y compris l'utilisation de grandes toiles, un " ; tout-over" ; approcher, dans lequel la toile entière est traitée avec l'importance égale (par opposition à être central de plus d'intérêt que les bords. La toile comme arène de est devenue un credo de la peinture d'action de , alors que l'intégrité de de l'avion d'image devenait un credo des peintres du domaine de la couleur .

En Europe il y avait la suite du surréalisme , du cubisme , du Dada et des travaux du Matisse . Également en Europe, le Tachisme (l'équivalent européen à l'expressionisme abstrait) s'est emparé de la plus nouvelle génération. La serge Poliakoff , le Nicolas de Staël , le Georges Mathieu , le Vieira da Silva , le Jean Dubuffet , le Yves Klein et le Pierre Soulages notamment sont considérés les figures importantes dans la peinture européenne d'après-guerre.

Par la suite la peinture abstraite en Amérique s'est transformée en des mouvements tels que le Néo--Dada , la peinture de domaine de la couleur de , l'abstraction painterly de poteau de , l'art op , la peinture de Dur-bord de , l'art minimal , la peinture de la toile formée par , l'abstraction lyrique , le Neo-expressionism et la suite de l'expressionisme abstrait . Comme réponse à la tendance vers l'abstraction le langage figuré a émergé par de divers nouveaux mouvements, notamment l'art de bruit .

Art de bruit, néo- Dada et réalisme

< ! -- NOTE AUX RÉDACTEURS : NE PAS AJOUTER VOTRE PROPRE NOM À CETTE LISTE ! --> L'art de bruit en Amérique a été en grande partie au commencement inspiré par les travaux du Jasper Johns , des fleuves de Larry de , et du Robert Rauschenberg . Bien que les peintures du Gerald Murphy , du Stuart Davis et du Charles Demuth pendant les années 20 et les années 30 aient mis la table pour l'art de bruit dans le Amérique . Dans le New York City pendant le Robert Rauschenberg de milieu des années 50 et le Jasper Johns a créé les oeuvres d'art qui ont au début semblé être des suites de la peinture de l'expressioniste d'abrégé sur . En fait leurs travaux et le travail des fleuves de Larry de , étaient des départs radicaux à l'expressionisme abstrait particulièrement dans l'utilisation du langage figuré banal et littéral et de l'inclusion et la combinaison des matériaux mondains dans leur travail. Les innovations de l'utilisation spécifique de Johns de divers images et objets aiment les chaises, les nombres, les cibles, les bidons de bière et le drapeau américain ; Les peintures de fleuves des sujets tirés de la culture populaire telle que le George Washington croisant le Delaware , et ses inclusions des images des annonces aiment le chameau des cigarettes de chameau de , et les constructions étonnantes de Rauschenberg using des inclusions des objets et des photos pris de la culture populaire, des magasins de matériel, des junkyards, des rues de ville, et du Taxidermy ont provoqué un nouveau mouvement radical dans l'art américain . Par la suite par 1963 le mouvement est venu pour être connu dans le monde entier en tant qu'art de bruit .

Le Sauter-Art est exemplifié par des artistes : Le Andy Warhol , Claes Oldenbourg , Wayne Thiebaud , James Rosenquist , Jim dinent , Tom Wesselmann et Roy Lichtenstein notamment. L'art de bruit fusionne la culture populaire et de masse avec des beaux-arts, tout en injectant l'humeur, l'ironie, et le langage figuré et le contenu reconnaissables dans le mélange. En octobre 1962 la galerie de Sidney Janis a monté le les nouveaux réalistes la première exposition de groupe de l'art de bruit de de commandant dans de galerie d'art de la ville haute à New York City. Le Sidney Janis a monté l'exposition dans un cinquante-septième devanture de magasin de rue près de sa galerie à la rue de 15 E. L'exposition envoyée des ondes de choc par le New York instruisent et réverbèrentes dans le monde entier. Plus tôt en automne de 1962 une nouvelle peinture de historiquement important et d'inauguration de de terrain communal objecte l'exposition de de l'art de bruit , curated par le Walter Hopps au Musée d'Art de Pasadena de envoyé des ondes chocs à travers les Etats-Unis occidentaux.

Plus tôt dans le Angleterre dans 1958 le " de limite ; Bruit Art" ; a été employé par le Lawrence Alloway pour décrire les peintures qui ont célébré le consommationisme de l'ère de la deuxième guerre mondiale de poteau. Ce mouvement a rejeté l'expressionisme abstrait et son foyer sur l'intérieur hermeneutic et psychologique, en faveur de l'art qui a dépeint, et a souvent célébré la culture, la publicité, et l'iconographie matérielles du consommateur de l'âge de production en série. Les premiers travaux du David Hockney et les travaux du Richard Hamilton et du Eduardo Paolozzi ont été considérés des exemples séminaux dans le mouvement.

Tandis que dans la scène du centre dans le les artistes de galeries de rue de l'East Village 10ème de de s de New York City 'formulaient une version américaine de l'art de bruit . Le Claes Oldenbourg a eu son devanture de magasin, et la galerie verte sur la rue cinquante-septième a commencé à montrer à Tom Wesselmann et à James Rosenquist . Le postérieur Lion Castelli a montré d'autres artistes américains comprenant la partie des carrières d'Andy Warhol et Roy Lichtenstein et son utilisation de Benday des points, une technique utilisée dans la reproduction commerciale. Il y a un raccordement entre les travaux radicaux de Duchamp, et Man Ray , le Dadaists rebelle - avec un sens de l'humour ; et les artistes de bruit aiment le Alex Katz , le Claes Oldenbourg , le Andy Warhol , le Roy Lichtenstein et les autres.

Tandis que tout au long du 20ème siècle beaucoup de peintres continuaient à pratiquer le paysage et la peinture figurative avec les sujets contemporains et la technique pleine, comme le Milton Avery , le John D. Graham , le bagagiste de Fairfield de , le Edward Hopper , le Balthus , le Francis Bacon , le Nicolas de Staël , le Andrew Wyeth , le Lucian Freud , le Frank Auerbach , le Philip Pearlstein , le parc de David de , le Nathan Oliveira , le David Hockney , le Chuck Close , le Susan Rothenberg , le Eric Fischl , le Vija Celmins et le Richard Diebenkorn .

Nouvelle abstraction des années 50 par les années 80

< ! -- NOTE AUX RÉDACTEURS : NE PAS AJOUTER VOTRE PROPRE NOM À CETTE LISTE ! --> La peinture de domaine de la couleur de était dirigée vers clairement une nouvelle direction dans la peinture américaine, à partir de l'expressionisme abstrait . La peinture de domaine de la couleur est liée à l'abstraction Poteau-painterly , au Suprematism , à l'expressionisme abstrait , à la peinture de Dur-bord de et à l'abstraction lyrique .

La peinture de domaine de la couleur a cherché à débarrasser l'art de la rhétorique superflous. Les artistes aiment toujours le Clyfford , le Mark Rothko , le Hans Hofmann , le Morris Louis , le Jules Olitski , le Kenneth Noland , le Helen Frankenthaler , le Larry Zox , et d'autres des références considérablement réduites employées souvent à la nature, et ils ont peint avec une utilisation fortement articulée et psychologique de couleur. En général ces artistes ont éliminé le langage figuré reconnaissable. Certains par artistes les références citées peinture à l'art passé ou présent, mais en général de domaine de la couleur présente l'abstraction comme fin en soi. En poursuivant cette direction de l'art moderne , les artistes ont voulu présenter chaque peinture en tant qu'une unifiée, image cohésive et monolithique.

Le Frank Stella , le Kenneth Noland , le Ellsworth Kelly , le Barnett Newman , le Ronald Davis , le Neil Williams, la betterave fourragère de Robert de , le Charles Hinman, Richard Tuttle , le David Novros, et aimer d'Al sont des exemples des artistes liés à l'utilisation de la toile formée par pendant le commencement de période au début des années 60. Beaucoup de minimalistes géométriques des artistes abstraits , et peintres du Dur-bord choisis pour employer les bords de l'image pour définir la forme de la peinture plutôt qu'acceptant le format rectangulaire. En fait, l'utilisation de la toile formée par est principalement associée aux peintures des années 60 et des années 70 qui sont fraîchement le abstrait, formaliste, géométrique, objectif, rationalistic, propre-rayées, brashly tranchant, ou au minimaliste dans le caractère. La galerie d'André Emmerich, la galerie de Lion Castelli , la galerie de Richard Feigen, et la galerie d'endroit de parc de étaient les étalages importants pour la peinture de domaine de la couleur de , la peinture de la toile formée par et l'abstraction lyrique dans le New York City pendant les années 60. Il y a un raccordement avec l'abstraction Poteau-painterly , qui a réagi contre le mysticisme, la hyper-subjectivité, et l'emphase des expressionisme abstraits sur rendre l'acte de la peinture lui-même nettement évident - aussi bien que l'acceptation solennelle du rectangle plat comme préalable presque rituel à la peinture sérieuse. Pendant l'art minimal de peinture et de de domaine de la couleur des années 60 souvent ont été étroitement associés les uns avec les autres. Dans la réalité par le début des années 70 les deux mouvements sont devenus décidément divers.

Un autre mouvement relatif de l'abstraction lyrique de fin des années 1960 est une limite qui a été à l'origine inventée par Larry Aldrich (le fondateur du Musée d'Art contemporain , Ridgefield le Connecticut d'Aldrich de ) en 1969 pour décrire quel Aldrich a indiqué qu'il a vu dans les studios de beaucoup d'artistes à ce moment-là. C'est également le nom d'une exposition qui a provenu du musée d'Aldrich et parcouru au musée de Whitney de de l'art américain et à d'autres musées dans l'ensemble des Etats-Unis entre 1969 et 1971.

L'abstraction lyrique avec le mouvement et le Postminimalism de Fluxus (une limite a inventé la première fois par Robert Pincus-Witten dans les pages du Artforum en 1969) a cherché à augmenter les frontières de la peinture et du minimalisme abstraits en se concentrant sur le processus, les nouveaux matériaux et les nouvelles manières de l'expression. Le Postminimalism incorporant souvent les matériaux industriels, matières premières premières, fabrications, objets trouvés, l'installation, répétition périodique, et souvent avec des références au Dada et au surréalisme mieux est exemplifié dans les sculptures du Eva Hesse . L'abstraction lyrique, l'art conceptuel , Postminimalism , l'art de terre , la vidéo , l'art , l'art de d'exécution de d'installation de , avec la suite du Fluxus , de l'expressionisme abstrait , de la peinture du domaine de la couleur , de la peinture de Dur-bord de , de l'art minimal , de l'art op , de l'art de bruit , du Photorealism et réalisme du nouveau ont prolongé les frontières de l'art contemporain au milieu des années 60 par les années 70. L'abstraction lyrique est un type de peinture abstraite indépendante qui a émergé au milieu des années 60 où les peintres abstraits sont revenus à de diverses formes de painterly, d'imagé, à expressionisme avec un foyer de prédominance sur le processus, à configuration et à stratégies compositionnelles réitérées en général.

Similitudes lyriques de parts de l'abstraction avec la peinture du domaine de la couleur et abstraction lyrique de l'expressionisme abstrait comme exemplifié par le 1968 de peinture de Ronnie Landfield pour William Blake, (ci-dessus) particulièrement dans l'utilisation indépendante de la peinture - texture et surface. Le schéma direct, l'utilisation calligraphique de la ligne, les effets de la peinture balayée, éclaboussée, souillée, squeegeed, versée, et éclaboussée ressemblent superficiellement aux effets vus dans l'expressionisme abstrait et la peinture du domaine de la couleur . Cependant les modèles sont nettement différents. L'établissement de lui indépendamment de l'expressionisme abstrait et de la peinture d'action de des années 40 et des années 50 est l'approche à la composition et au drame. Comme vu dans la peinture d'action de il y a une emphase sur des traçages, drame compositionnel élevé, tension compositionnelle dynamique. Tandis que dans l'abstraction lyrique il y a un sens d'aspect aléatoire compositionnel, all over la composition, le drame compositionnel discret et relaxed et une emphase sur le processus, la répétition, et partout une sensibilité.,

Pendant les artistes des années 60 et des années 70 aussi puissants et influents que le Robert Motherwell , le Adolph Gottlieb , le Phillip Guston , le Lee Krasner , le CY Twombly , le Robert Rauschenberg , le Jasper Johns , le Richard Diebenkorn , le Josef Albers , le Elmer Bischoff , le Agnès Martin , l'Al de tenu , le Sam Francis , le Ellsworth Kelly , le Morris Louis , le Helen Frankenthaler , le gène Davis , le Frank Stella , le Kenneth Noland , le Joan Mitchell , le Friedel Dzubas , et les plus jeunes artistes aiment Le Brice Marden , la betterave fourragère de Robert de , le Sam Gilliam , le Sean Scully , le Pat Steir , le Elizabeth Murray , le Larry Poons , le Walter Darby Bannard , le Larry Zox , le Ronnie Landfield , le Ronald Davis , le Dan Christensen , le Joan Snyder, le Ross Bleckner , le couche-point d'archie de , le Susan Crile , et les douzaines de d'autres ont produit les peintures essentielles et influentes.

Pendant les années 60 et les années 70, il y avait une réaction contre la peinture abstraite. Quelques critiques ont regardé le travail des artistes comme l'annonce Reinhardt , et ont déclaré la « mort de la peinture ». Les artistes ont commencé à pratiquer de nouvelles manières de faire l'art. Les nouveaux mouvements ont gagné la proéminence certains dont être : Postminimalism , art de terre , art visuel , art d'installation de , povera d'Arte de , art d'exécution de , art de corps , Fluxus , art de courrier de , le Situationists et art conceptuel notamment.

Néo- expressionisme

< ! -- NOTE AUX RÉDACTEURS : NE PAS AJOUTER VOTRE PROPRE NOM À CETTE LISTE ! --> Vers la fin des années 70 et du début des années 80, il y avait également un retour à la peinture qui s'est produite presque simultanément en l'Italie, l'Allemagne, la France et Grande-Bretagne. Ces mouvements se sont appelés Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , Neo-expressionism et l'école de de Londres respectivement. Ceux-ci peinture ont été caractérisés par de grands formats, marque expressive libre faisant, figuration, mythe et imagination. Tout le travail dans ce genre est venu pour être marqué le Neo-expressionism . La réaction critique a été divisée. Quelques critiques l'ont considérée comme conduite par des motivations de bénéfice par de grandes galeries commerciales. Ce type d'art continue dans la popularité dans le 21ème siècle, même après que l'accident d'art des fin des années 1980.

Le Neo-expressionism était un modèle de la peinture moderne du qui a émergé vers la fin des années 70 et a dominé le marché d'art jusqu'au milieu des années 80. Il s'est développé en Europe comme réaction contre l'art minimalistic conceptuel et du des années 70. les Néo--expressionistes sont revenus à dépeindre les objets reconnaissables, tels que le corps humain (bien que parfois pratiquement d'une façon abstraite ), d'une manière approximative et violemment émotive using des couleurs vives et des harmonies banales de couleur.

La peinture toujours tient une position respectée dans l'art contemporain . L'art est un champ ouvert plus non divisé par l'objectif contre la dichotomie non objective. Les artistes peuvent réaliser le succès critique si leurs images sont représentatives ou abstraites. Ce qui a la devise est contenu, explorant les frontières du milieu, et un refus pour récapituler les travaux du passé comme objectif final.

Peinture contemporaine dans le 21ème siècle

< ! -- NOTE AUX RÉDACTEURS : NE PAS AJOUTER VOTRE PROPRE NOM À CETTE LISTE ! --> Au début de l'art contemporain contemporain de peinture et de du 21ème siècle continue en général en plusieurs modes contigious, caractérisés par les idées du pluralisme , du mondialisme et de la décentralisation internationale du . Les artistes du Chine , et d'autres régions de l'Asie, aussi bien que l'Europe et le Amériques ont produit de nouvelles et intéressantes peintures. Le " ; " de la crise ; dans la peinture et la critique d'art et courante courante d'art aujourd'hui est provoqué par le pluralisme . Il n'y a aucun consensus quant à un modèle représentatif de l'âge. Il y a un que quelque chose va l'attitude de qui règne ; un " ; tout on" allant ; , et par conséquent " ; rien on" allant ; syndrome ; excepté un embouteillage esthétique, sans la direction ferme et claire, de chaque ruelle sur l'autoroute artistique a rempli à la capacité. Des oeuvres d'art en conséquence magnifiques et importantes continuent à être faites quoique dans une large variété de modèles.

la peinture , l'abstraction géométrique , Hyperrealism , Photorealism , l'expressionisme , le minimalisme , l'abstraction lyrique , l'art de bruit , l'art op , l'expressionisme abstrait , la peinture , la peinture monochrome , le Neo-expressionism , le collage , peinture d'Intermedia , peinture de l'assemblage , peinture de l'art d'ordinateur , peinture post-moderne du , Néo--Dada peinture du , de Dur-bord de de de de de de de de domaine de la couleur de de de de peinture de la toile formée par , la peinture murale , chiffre traditionnel peinture de , la peinture de paysage , la peinture environnemental de de portrait de , sont quelque continuation et directions courantes dans la peinture au début du 21ème siècle.

Peinture islamique

On interdit la description des humains, des animaux ou de tous les sujets figuratifs différents dans l'Islam pour empêcher des croyants de l'idolâtrie tellement là n'est aucune tradition religieusement motivée de peinture (ou sculpture) dans la culture musulmane. L'activité imagée a été réduite à l'arabesque , principalement le abstrait de , avec la configuration géométrique du ou floral et usine-comme des modèles. Fortement relié à l'architecture et à la calligraphie , il peut largement voir comme utilisé pour la peinture des tuiles dans les mosquées ou dans les illuminations autour du texte de Coran saint et d'autres livres. En fait l'art abstrait n'est pas une invention d'art moderne mais il est présent dans le préclassique, le barbare et les cultures non-occidentales beaucoup de siècles avant lui et est essentiellement un art appliqué décoratif ou de . Escher de l'illustrateur a été influencé par ce géométrique et le modèle a basé les modèles floraux abstraits réintroduits de Nouveau ( Aubrey Beardsley et le Antonio Gaudi d'art de d'art. d'architecte) dans l'art.

Noter qu'en dépit du tabou de la visualisation figurative, quelques pays musulmans ont cultivé une tradition riche dans la peinture, bien que pas à son propre chef, mais en tant que compagnon au mot écrit. L'art iranien ou persan, largement connu sous le nom de miniature persane, se concentre sur l'illustration des travaux épiques ou romantiques de la littérature. Les illustrateurs persans ont délibérément évité l'utilisation de l'ombrage et de la perspective, cependant au courant de elle dans leur histoire pré-islamique, afin de se conformer à la règle de ne pas créer n'importe quelle illusion réaliste du monde réel. Leur but n'était pas de dépeindre le monde car il est, mais de créer des images d'un monde idéal de beauté intemporelle et d'ordre parfait.

En jours actuels, en peignant par des étudiants d'art ou des artistes professionnels dans l'Arabe et pays musulmans de non-Arabe suivre les mêmes tendances de la culture occidentale art.

Le voient également l'art islamique . Le voient également la miniature persane . Le voient également l'arabesque .

L'Iran

Le gris oriental de Basil d'historien croit le " ; L'Iran a offert un art particulièrement unique au monde qui est excellent dans son kind" ;.

Les cavernes dans la province de Lorestan de l'Iran montrent le langage figuré peint des animaux et des scènes de chasse. Certains de ce type dans la province et le Sialk de Fars sont au moins 5.

On pense la peinture en Iran pour avoir atteint une apogée pendant l'ère de Tamerlane où les maîtres exceptionnels tels que Kamaleddin Behzad ont donné naissance à un nouveau modèle de la peinture.

Les peintures de la période de Qajar, sont une combinaison des influences européennes et les écoles miniatures de Safavid de la peinture comme ceux présentés par Reza Abbasi. Maîtres tels que Kamal-ol-molk, encore poussé en avant l'influence européenne en Iran. Il avait lieu pendant l'ère de Qajar où " ; Painting" de café ; émergé. Les sujets de ce modèle étaient souvent religieux en nature dépeignant des scènes des épopées de Shia et semblable.

L'Australie

Le voient également l'art indigène , art de de de l'Australie

L'Afrique

voient également :

africain de l'art La culture et les tribus traditionnelles africaines ne semblent pas avoir le grand intérêt pour les représentations bidimensionnelles en faveur de la sculpture en et du soulagement . Cependant, la peinture décorative dans la culture africaine est souvent abstraite et géométrique. Une autre manifestation imagée est la peinture de corps de , et le présent de la peinture de visage de par exemple dans le Maasai et la culture de Kĩkũyũ dans leurs rituels de cérémonie. La peinture de caverne cérémonieuse dans certains villages peut s'avérer encore en service. Noter que le Pablo Picasso et d'autres artistes modernes ont été influencés par la sculpture africaine en et les masques dans leurs modèles divers. Les artistes africains contemporains suivent les mouvements d'art occidentaux et leurs peintures ont peu de différence des oeuvres d'art occidentales.

Influence sur l'art occidental

Au début du 20ème siècle , les artistes aiment le Picasso , Matisse , Vincent van Gogh , le Paul Gauguin et le Modigliani se sont rendus compte de, et ont été inspirés près, art. Dans une situation où l'avant-garde établie était straining contre les contraintes imposées en servant le monde des aspects, l'art africain a démontré la puissance des formes suprêmement bien organisées ; produit non seulement en répondant à la faculté de la vue, mais également et souvent principalement, la faculté de l'imagination , émotion et mystique et expérience religieuse . Ces artistes ont vu dans l'art africain une perfection formelle du et la sophistication a unifié avec la puissance expressive phénoménale.

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