Histoire de film

earsinfilm L'histoire de des envergures du film sur cent ans, de la dernière partie du 19ème siècle au commencement du 21ème. Les films cinématographiques se sont développés graduellement à partir d'une nouveauté de carnaval à un des outils les plus importants de la communication et du divertissement , et des médias au 20ème siècle. Les films de cinéma ont eu un impact substantiel sur le les arts , la technologie , et la politique .

La naissance du film

Le voient également : Précurseurs de du film

Deux le seconde film expérimental, la scène de jardin de Roundhay de , filmée par le Louis Le le prince l'octobre 1888 dans le Leeds , Yorkshire , est généralement identifié en tant que survie la plus tôt de cinéma.

Le William Kennedy Laurie Dickson , ingénieur en chef avec les laboratoires d'Edison, est crédité de l'invention d'une forme faisable d'une bande de celluloïde contenant un ordre des images, la base d'une méthode de photographier et de projeter des images mobiles. Des blocs de celluloïde ont été légèrement découpés, puis enlevés en tranches avec les plats de pression heated. Après ceci, ils ont été enduits d'une émulsion photosensible de gélatine. En 1893 à l'Exposition universelle de Chicago , Thomas Edison présenté aux deux inventions pilotes publiques basées sur cette innovation ; le Kinetograph, le premier appareil-photo pratique d'image mobile, et le Kinetoscope . Ce dernier était un coffret en lequel une boucle continue de la pellicule à celluloïde de Dickson (actionnée par un moteur électrique ) a été en arrière allumée par une lampe à incandescence et à travers vue un objectif d'agrandissement . Le spectateur s'est approché d'un morceau d'oeil. Des salons de Kinetoscope ont été fournis avec des extraits de film de cinquante-pied photographiés par Dickson, en " du d'Edison ; Maria" noir ; studio de . Ces ordres ont enregistré des événements mondains (tels qu'éternuement , 1894 de Fred Ott de ) comme des actes de divertissement comme des acrobates, des interprètes du théâtre de variétés et des démonstrations de boxe.

Les salons de Kinetoscope bientôt ont écarté avec succès en Europe. Edison, cependant, n'a jamais essayé de breveter ces instruments de l'autre côté de l'Océan atlantique, puisqu'ils se sont fondés tellement considérablement sur les expériences de et les innovations précédentes de Grande-Bretagne et l'Europe. Ceci a permis le développement des imitations, telles que l'appareil-photo conçu par le Robert W. Paul et ses acres de fabricant d'électricien britannique et d'instrument scientifique de Birt de d'associé.

Paul a eu l'idée de montrer les images mobiles pour des assistances de groupe, plutôt que juste à différentes visionneuses, et a inventé un projecteur de film , donnant son premier public montrant en 1895. Au temps à peu près identique, en France, le Auguste et Louis Lumière a inventé le cinématographe , un portable de , trois-dans-un le dispositif : appareil-photo, imprimeur, et projecteur. Vers la fin de 1895 à Paris, le père Antoine Lumière a commencé des expositions des films projetés devant le public de paiement, commençant la conversion générale du milieu en projection (cuisinier, 1990). Ils sont rapidement devenus les producteurs principaux de l'Europe avec leur les '' actualités '' comme des ouvriers de quittant l'usine de Lumière et les vignettes comiques comme le l'arroseuse ont arrosé (les deux 1895). Même Edison, au commencement renvoyé de la projection, a joint la tendance avec le Vitascope dans les plus moins de six mois. La première présentation publique de film de cinéma en Europe, bien que, appartient au Skladanowsky maximum et d'Emil de Berlin, qui a projeté avec leur " d'appareil ; Bioscop" ; , une construction duplex sans scintillement, 1er novembre par 31, 1895.

Encore plus ancien, mai, 1895, était le Lauste aux Etats-Unis avec un Eidoloscope qu'il a conçu pour le famille de Latham . Le premier criblage public du film est jamais dû au " de Jean Aimé ; Acme" ; Le Roy , un photographe français. Le 5 février 1894, son quarantième anniversaire, il a présenté son " ; Cinematograph" merveilleux ; à un groupe d'environ vingt hommes d'industrie du spectacle à New York City.

Les films du temps ont été vus la plupart du temps par l'intermédiaire des espaces provisoires de devanture de magasin et des exposants de déplacement ou en tant qu'actes dans des programmes de vaudeville. Un film a pu être sous un petit long et présenterait habituellement une scène simple, authentique ou étagé, de la vie quotidienne, d'un événement public, d'une manifestation sportive ou de la comique . Il y avait peu à aucune technique cinématographique : aucune édition et habituellement aucun mouvement d'appareil-photo, et appartement, compositions en stagey. Mais la nouveauté des photographies normalement en mouvement était assez pour qu'une industrie de cinéma répande avant la fin du siècle, dans les pays autour du monde.

L'ère silencieuse

Les inventeurs et les producteurs avaient essayé des commencements mêmes des images mobiles de marier l'image avec le bruit synchrone, mais aucune méthode pratique n'a été conçue jusqu'à la fin des années 1920. Ainsi, pendant les trente premières années de leur histoire, les films étaient plus ou moins silencieux, bien qu'accompagné des musiciens de phase et parfois les effets sains et avec le dialogue et le récit ont présenté dans le Intertitles

Histoire de film de 1895 à 1906

Les dix premières années des films cinématographiques montrent le cinéma se déplaçant d'une nouveauté à une industrie du spectacle à grande échelle établie. Les films eux-mêmes représentent un mouvement des films se composant d'un projectile, complètement fait par une personne avec quelques aides, vers des films plusieurs minutes long se composant de plusieurs projectiles, qui ont été faits par de grandes compagnies dans quelque chose comme des conditions industrielles.

Affaires de film jusqu'à 1906

En 1896 il est apparu clairement que plus d'argent devait être fait en montrant les films de cinéma avec un projecteur à une grande assistance que les exhibant dans des machines du peep-show de Kinetoscope du d'Edison. La compagnie d'Edison a pris un projecteur développé par Armat et Jenkins, le « Phantoscope », qui a été retitré le Vitascope, et elle ont joint de diverses machines de projection faites par d'autres personnes pour montrer les 35 millimètres. films de largeur fait par la compagnie et d'autres d'Edison en France et en Angleterre.

Cependant, la compagnie de cinéma la plus réussie aux Etats-Unis, avec la plus grande production jusqu'en 1900, était la compagnie américaine de Mutoscope . Ceci a été au commencement installé pour exploiter le type films de peep-show using des conceptions faites par W. Dickson après qu'il ait quitté la société d'Edison en 1895. Son équipement a employé 70 millimètres. le film large, et chaque armature ont été imprimés séparément sur les feuilles de papier pour l'insertion dans leur machine de visionnement, appelées le Mutoscope . Les feuilles d'image se sont tenues dehors de la périphérie d'un à cylindre rotatif, et ont renversé dans la vue en succession. Sans compter que le Mutoscope, elles ont également fait un projecteur appelé le Biograph, qui pourrait projeter une copie continue de film positif faite à partir des mêmes négatifs.

Il y avait nombreux d'autres plus petits producteurs aux Etats-Unis, et certains d'entre eux ont établi une présence à long terme en nouveau siècle. Vitagraph américain , un de ces producteurs mineurs, studios construits à Brooklyn, et augmenté ses opérations en 1905. De 1896 il y avait litige continu aux Etats-Unis au-dessus des brevets couvrant les mécanismes de base qui ont rendu des films cinématographiques possibles.

En France, la compagnie de Lumière a envoyé des cameraman dans le monde entier à compter de 1896 aux films de pousse, qui ont été exhibés localement par les cameraman, et alors renvoyé à l'usine de compagnie à Lyon pour faire des copies à vendre à celui qui les a voulues. Il y avait presque milliers de ces films composés à 1901, presque tous des réalités.

D'ici le 1898 Georges Méliès était le plus grand producteur des films de fiction en France, et à partir de ce moment là son rendement était presque entièrement des films comportant les effets de tour, qui étaient très réussis sur tous les marchés. La popularité spéciale de ses plus longs films, qui étaient plusieurs minutes long à compter de 1899 (tandis que la plupart des autres films étaient toujours seulement de petit longs), a mené d'autres fabricants commencer à produire de plus longs films.

Du 1900 Charles Pathé a commencé la production de film sous la marque de Pathé-Frères, par le Ferdinand Zecca louée pour faire réellement les films. D'ici 1905, Pathé était la plus grande compagnie de film dans le monde, une position qu'il a maintenue jusqu'à la Première Guerre Mondiale. Le Léon Gaumont a commencé la production de film en 1900, par sa production dirigée par le type d'Alice de .

À l'Angleterre, le Robert W. Paul , le James Williamson et le G. Smith et les autres peu de producteurs ont été associés par le Cecil Hepworth en 1899, et en quelques années il s'avérait 100 films par année, avec sa compagnie devenant le plus grand sur la scène britannique.

Exposition de film

Au commencement des films ont été la plupart du temps montrés comme nouveauté dans les lieu de rendez-vous spéciaux, mais les méthodes principales d'exposition sont rapidement devenues comme article sur les programmes des théâtres de variété, ou par le showman de déplacement dans les théâtres de tente, qu'elles ont pris autour des foires dans des villes de province. C'est devenu la pratique pour que les compagnies de production vendent des copies tout à fait aux exposants, à tellement par pied, indépendamment du sujet. Les prix typiques étaient au commencement de 15 cents par pied aux Etats-Unis, et d'un shilling un pied en Grande-Bretagne. le Main-a coloré les films de , qui étaient produits des sujets les plus populaires avant 1900, a coûté 2 à 3 fois autant par pied. Il y avait quelques producteurs, tels qu'American Mutoscope et Biograph Company, qui n'a pas vendu leurs films, mais exploité leur seulement avec leurs propres unités d'exposition. Le premier théâtre permanent réussi ne montrant rien mais des films était « le Nickelodeon », qui a été ouvert à Pittsburgh en 1905. À cette date il y avait finalement assez de films plusieurs minutes long disponibles pour remplir programme fonctionnant pour au moins une demi-heure, et qui pourrait être changé par semaine où l'assistance locale est devenue ennuyeuse avec lui. D'autres exposants dans le mouvement rapidement suivi des Etats-Unis, et dans deux ou trois années là étaient des milliers de ces machines à musique en fonction. La situation américaine a mené à une perche mondiale dans la production et l'exposition des films à compter de 1906.

Technique de film

Les premiers appareils-photo de film ont été attachés directement à la tête de leur trépied ou de tout autre appui, avec seulement le genre le plus brut de niveler des dispositifs fournis, de la façon des têtes de trépied d'encore-appareil-photo de la période. Les appareils-photo de film les plus tôt ont été effectivement fixés ainsi pendant le projectile, et par conséquent les premiers mouvements d'appareil-photo étaient le résultat de monter un appareil-photo sur un véhicule mobile. D'abord connu de ces derniers était un projectile de film par un cameraman de Lumière de la plate-forme arrière d'un train quittant Jérusalem en 1896, et d'ici 1898 il y avait un certain nombre de projectile de films des trains en mouvement. Bien qu'énuméré sous le titre général des « panoramas » dans les catalogues de ventes du temps, ces films ont tiré franc de devant un moteur ferroviaire habituellement désigné spécifiquement sous le nom « des tours fantômes ».

En 1897, Robert W. Paul a fait faire la première vraie tête d'appareil-photo tournante pour mettre dessus un trépied, de sorte qu'il ait pu suivre les cortèges de dépassement du jubilé de diamant de de la Reine Victoria dans un projectile ininterrompu. Ce dispositif a eu l'appareil-photo monté sur un axe vertical qui pourrait être tourné par un engrenage à vis sans fin conduit en tournant une poignée détraquée, et Paul l'a mise sur la vente générale l'année prochaine. Projectiles pris using un tel " de ; panning" ; la tête de désigné également sous le nom des panoramas de `' dans les catalogues de film de la première décennie du cinéma.

Le modèle standard pour les studios cinématographiques tôt a été fourni par le studio que Georges Méliès avait construit en mai de 1897. Ceci a eu un toit en verre et trois murs en verre construits après le modèle de grands studios pour la photographie immobile, et il a été équipé des tissus de coton minces qui pourraient être étirés au-dessous du toit pour répandre les rayons directs du soleil des jours ensoleillés. La lumière globale molle sans vraies ombres que cet arrangement a produites, et qui existe également naturellement des jours légèrement obscurcis, était de devenir la base pour l'éclairage de film dans les studios cinématographiques pour la décennie suivante.

Effets filmiques

Unique parmi tous les longs films un minute faits par la compagnie d'Edison, qui a enregistré des parties des actes des interprètes de variété pour leurs machines de visionnement de Kinetoscope, était le l'exécution de Mary, reine des Ecossais . Ceci a montré une personne habillée en tant que reine plaçant sa tête sur le bloc d'exécution devant un petit groupe de spectateurs dans la robe élisabéthaine. Le bourreau réduit sa hache, et la tête tranchée de la reine chute sur la terre. Ce tour a été fonctionné à côté d'arrêter l'appareil-photo et de remplacer l'acteur par un simulacre, puis de remettre en marche l'appareil-photo avant que la hache tombe. Les deux morceaux de film ont été alors équilibrés et ont cimenté ensemble de sorte que l'action ait semblé continue quand le film a été montré.

Ce film parmi ceux a été exporté vers l'Europe avec les premières machines de Kinetoscope en 1895, et a été vu par Georges Méliès, qui mettait sur des expositions magiques dans son théâtre Robert-Houdin à Paris alors. Il a pris le film-making en 1896, et après fabrication des imitations d'autres films à partir d'Edison, de Lumière, et de Robert Paul , il a fait le chez Robert-Houdin (Madame) de dame de l'ONU d'Escamotage d Vanishing'. Ce film montre qu'un femme fait pour disparaître en employant le même arrêtent la technique du mouvement comme film plus tôt d'Edison. Après ceci, Georges Méliès a fait beaucoup de films de projectile simple using ce tour au-dessus des prochaines années.

L'autre ensemble de base de techniques pour la cinématographie de tour comporte la double exposition du film dans l'appareil-photo, qui était premier fait par G. Smith en juillet 1898 en Angleterre. Son les frères corses a été décrit dans le catalogue du Warwick Trading Company , qui a pris la distribution des films de Smith en 1900, ainsi :

« Un des retours de frères jumeaux autoguident du tir dans les montagnes corses, et sont visités par le fantôme de l'autre jumeau. Par la photographie extrêmement soigneuse le fantôme apparaît transparent* de *quite. Après avoir indiqué qu'il a été tué par épée-pousser, et avoir lancé un appel pour la vengeance, il disparaît. Une vision de `' semble alors montrante le duel mortel dans la neige. À la stupéfaction du Corse, le duel et la mort de son frère sont avec éclat dépeints dans la vision, et en conclusion, surmontée par ses sentiments, il tombe au plancher juste comme sa mère entre dans la salle. »

L'effet de fantôme a été simplement fait en drapant l'ensemble en velours noir après l'action principale avait été projectile, et puis re-exposition du négatif avec l'acteur jouant le fantôme s'attaquant par les actions au point approprié. De même, la vision, qui est apparue dans une vignette ou un circulaire mat, a été pareillement superposée au-dessus d'un secteur noir dans le contexte à la scène, plutôt qu'au-dessus d'une partie de l'ensemble avec le détail dans elle, de sorte que rien ne soit apparue par l'image, qui a semblé tout à fait pleine. Smith a employé cette technique encore un an après dans le le père noël .

La superposition d'abord utilisée de Georges Méliès sur un fond foncé dans le maudite de Caverne de La de (la caverne des démons) fait deux ou trois mois plus tard en 1898, et alors élaboré lui plus loin avec des superpositions multiples dans celle a tiré dans le l ennuyeux' Homme de têtes (les chefs) . Il l'a alors faite avec d'autres variations de nombreux films suivants.

D'autres techniques spéciales

L'autre technique d'effet spécial que G. Smith a lancée était mouvement renversé. Il a fait ceci en répétant l'action une deuxième fois, tout en la filmant avec un appareil-photo inversé, et puis joignant la queue du deuxième négatif à celle de la première. Les premiers films faits using ce dispositif étaient Tipsy, Topsy, Turvy et le peintre de signe maladroit . Le le peintre de signe maladroit a montré un peintre de signe marquant avec des lettres un signe, et dans l'impression renversée de la même longueur apposée à la copie standard, la peinture sur le signe disparu sous la brosse du peintre. L'exemple de survie le plus tôt de cette technique est le de Smith la Chambre que Jack a construit , fait avant septembre 1900. Ici, un petit garçon est montré démantelant un château juste construit par une petite fille hors des blocs constitutifs des enfants. Alors un titre apparaît, dire « renversé », et l'action est répétée à l'envers, de sorte que le château re-s'érige sous ses coups.

Cecil Hepworth a pris cette technique plus loin, par l'impression le négatif du avant la marche encadrent vers l'arrière l'armature, ainsi en produisant une copie dans laquelle l'action originale a été exactement renversée. Pour faire ceci il a construit un imprimeur spécial en lequel le fonctionnement négatif par un projecteur a été projeté dans la porte d'un appareil-photo par un objectif spécial donnant une image de même-taille. Cet arrangement est venu pour s'appeler une « tireuse optique », et par la suite un « l'imprimeur optique » . Avec lui Hepworth a fait à les baigneurs en 1900, l'où les baigneurs qui se sont déshabillés et ont sauté dans l'eau semblent jaillir vers l'arrière hors de lui, et fait voler leurs vêtements comme par magie en arrière sur leurs corps.

L'utilisation de différentes vitesses d'appareil-photo est également apparue environ 1900. Pour faire le de Robert Paul sur une automobile d'emballement par le cirque (1899) de Piccadilly, l'appareil-photo a été tourné très lentement, de sorte que quand le film a été projeté aux 16 images par seconde habituelles, le paysage ait semblé passer à la grande vitesse. Cecil Hepworth a employé l'effet opposé dans le le chef indien et la poudre de Seidlitz (1901), dans lesquels un Indien rouge de naïve mange la beaucoup de la médecine pétillante d'estomac, faisant augmenter son estomac énormément. Il saute autour d'une manière dont est fait ballon-comme par tourner la manivelle de l'appareil-photo beaucoup plus rapidement que 16 images par seconde. Ceci donne ce que nous appellerions un effet de « de mouvement lent » de .

Animation

Le développement le plus important dans ce secteur des techniques spéciales ne s'est pas produit jusqu'en 1905, quand le bagagiste d'Edwin a fait le comment Jones a perdu son pain , et le la famille entière et le chien de barrage de barrage. Tous les deux films ont eu les intertitles qui ont été constitués par les lettres entrant dans l'endroit d'une dispersion aléatoire pour former les mots des titres. Ceci a été fait en exposant l'armature du film un à la fois, et en déplaçant les lettres un peu vers leur position finale entre chaque exposition. C'est ce qui est venu pour s'appeler « l'animation simple d'armature » ou la « animation d'objet », et il a besoin d'un appareil-photo légèrement adapté qui expose seulement une armature pour chaque tour de la poignée détraquée, plutôt que les huit armatures habituelles par tour.

En 1906, Albert Edouard Smith et James Stuart Blackton chez Vitagraph ont pris la prochaine mesure, et leurs phases pleines d'humour de des visages drôles , ce qui semblent être les schémas de dessin animé des personnes se déplacent d'une pose à l'autre. Ceci est fait pour la majeure partie de la longueur de ce film en déplaçant les coupes-circuit joints des figures armature par l'armature entre les expositions, juste comme le bagagiste déplaçait ses lettres. Cependant, il y a une section très courte du film où des choses sont faites pour sembler se déplacer en changeant les schémas eux-mêmes de l'armature à l'armature, qui est comment les dessins animés animated standard se sont depuis composés à aujourd'hui.

Construction narrative de film

La manière en avant à faire des films a composé de plus d'un projectile a été mené par des films de la vie de de Jésus le Christ. Le premier de ces derniers a été fabriqué en France en 1897, et il a été suivi en même année d'un film du jeu de passion étagé annuellement dans la ville tchèque de Horitz. Ceci a été filmé par Americans pour l'exposition en dehors du monde de langue allemande, et a été présenté dans les lieu de rendez-vous spéciaux, pas comme film continu, mais avec les scènes séparées entremêlées avec des glissières de lanterne, une conférence, et des nombres choraux de phase, pour augmenter le temps de fonctionnement du spectacle à environ 90 minutes.

Des films des reproductions agies des scènes de la guerre Greco-Turque ont été faits par Georges Méliès en 1897, et bien que vendus séparément, ceux-ci n'étaient aucun doute montré dans l'ordre continu par des exposants. En 1898 quelques films de sorte semblable ont été faits, mais encore aucun n'a eu l'action continue se déplacer d'une tirée dans le prochain. Les films multifrappes qui Georges Méliès fait dans 1899 étaient beaucoup plus long que ceux ont rendu par quiconque d'autre, mais le l' affaire Dreyfus (le cas de Dreyfus) et le Cendrillon (Cendrillon) ne contenaient toujours aucune action se déplaçant d'une tirés à la prochaine. En outre, à partir du Cendrillon en avant, Méliès a fait un dissoudre entre chaque projectile en ses films, qui ont réduit n'importe quel aspect de continuité d'action encore autre. Pour comprendre ce qui continue en ces deux films, l'assistance a dû savoir leurs histoires à l'avance, ou leur soit dite par un présentateur.

Continuité de film

La vraie continuité de film, qui signifie montrer l'action entrant d'un projectile dans des autres s'est jointe à elle, peut être datée à Robert que de W. Paul viennent le long, font ! , fait en 1898. Dans le premier projectile de ce film, un vieux couple en dehors d'une exposition d'art suit d'autres personnes à l'intérieur par la porte. Le deuxième projectile a montré ce qu'elles font à l'intérieur.

Le développement ultérieur de la continuité d'action en films multifrappes a continué en 1899. Dans la dernière partie de cette année, le George Albert Smith , travaillant dans le Brighton, l'Angleterre , a fait à le baiser dans le tunnel . Ceci commencé par un projectile « d'un tour fantôme » au point auquel le train s'attaque dans un tunnel, et continué l'action sur un ensemble représentant l'intérieur d'un chariot ferroviaire, où un homme vole un baiser d'une femme, et coupe alors de nouveau au tour fantôme tiré quand le train sort du tunnel. Un mois plus tard, la compagnie de Bamforth dans Yorkshire fait une version remise en scène de ce film sous le même titre, et dans ce cas-ci eux ont filmé des projectiles d'un train entrant dans et laissant un tunnel de près des voies, qu'elles ont jointes avant et après leur version du baiser à l'intérieur du compartiment de train.

En 1900, la continuité de l'action à travers les projectiles successifs a été définitivement établie par George Albert Smith et James Williamson, qui ont également travaillé à Brighton. En cette année Smith a fait le vu par le télescope , en lequel le projectile principal montre la scène de rue avec un jeune homme attachant le lacet et puis caressant le pied de sa amie, alors qu'un vieil homme observe ceci par un télescope. Il y a alors une coupe au projectile étroit des mains sur le pied de la fille montré à l'intérieur d'un masque circulaire noir, et puis une coupe de nouveau à la suite de la scène originale.

Bien plus remarquable est l'attaque de de James Williamson sur une station de mission de la Chine, faite autour du même temps en 1900. Le premier projectile montre la porte à la station de mission de l'extérieur attaqué et d'ouvert cassé par les rebelles chinois de boxeur, puis il y a une coupe au jardin de la station de mission où le missionnaire et son famille sont assis. Les boxeurs se précipitent et après en échangeant le feu avec le missionnaire, le tuent, et poursuivent sa famille dans la maison. Son épouse apparaît sur le balcon ondulant pour l'aide, qui vient immédiatement avec une partie armée des marins britanniques apparaissant par la porte à la station de mission, cette fois vue de l'intérieur. Ils mettent le feu aux boxeurs, et avancent hors de l'armature dans le prochain projectile, qui est pris de la direction opposée regardant vers la maison. Ceci constitue la première histoire de film « d'angle d'inverse » dedans coupée. La scène continue les marins sauvant les membres restants du famille du missionnaire. Smith autre a développé les idées de diviser une scène tirée dans un endroit en série de projectiles pris de différentes positions d'appareil-photo au-dessus des prochaines années, commençant par le les petits médecins de 1901. En ce film une petite fille administre feignent la médecine à un chaton, et Smith coupe dedans à une grande fin de vers le haut de du chaton comme le fait cela elle, et coupe alors de nouveau au projectile principal. Dans ce cas-ci la fin insérée vers le haut n'est pas montrée comme point de vue tiré dans un masque circulaire. Il a résumé son travail dans le malheur de Mary Jane de de 1903, avec répété coupe dedans à un projectile étroit d'une bonne dupant autour, avec des superpositions et d'autres dispositifs, avant d'abandonner le film-making pour inventer le système de Kinemacolor de la cinématographie de couleur.

James Williamson s'est concentré sur faire des films agissant à partir d'un endroit montré dans un projectile au après montré dans un autre projectile en films comme le voleur d'arrêt de ! et feu de ! , fait en 1901, et beaucoup d'autres.

Continuité de film développée

D'autres réalisateurs de film ont alors pris toutes ces idées, qui forment la base de la construction de film, ou « langue de film », ou grammaire » la « de film, comme nous le savons. Le plus connu de ces réalisateurs de film était le bagagiste d'Edwin S. de , qui a commencé à faire des films pour Edison Company en 1901. Quand il a commencé à faire de plus longs films en 1902, il a mis une dissolution entre chaque projectile, juste comme Georges Méliès faisait déjà, et il a fréquemment fait répéter la même action à travers se dissout. En d'autres termes, le bagagiste d'Edwin n'a pas développé les fondations de la construction de film. La compagnie de Pathé en France a également fait des imitations et des variations des films de Smith et de Williamson à compter de 1902 using des coupes entre les projectiles, qui ont aidé à normaliser les fondations de la construction de film.

En 1903 il y avait une augmentation substantielle du nombre de film plusieurs minutes long, en raison de la grande popularité le lune de La de dans de le Voyage de de Georges de Méliès' (un voyage à la lune) , qui a sorti début 1902, bien que de tels films aient été toujours une partie de production très mineure. La plupart d'entre eux était ce qui est venu pour s'appeler la « chasse filme ». Celles-ci ont été inspirées par le voleur d'arrêt de de James Williamson's ! de 1901, qui a montré un vagabond volant une cuisse de mouton du garçon d'un boucher dans le premier projectile, puis étant chassé par le deuxième projectile par le garçon et les chiens assortis du boucher, et finalement étant attrapé par les chiens dans le troisième projectile.

Plusieurs films anglais faits dans la première moitié de 1903 ont prolongé la méthode de chasse de construction de film. Ceux-ci ont inclus le un mode de La d'à d'enlèvement et le le voleur à la tire : Une chasse par Londres , faite par Alf Collins pour la branche britannique de la compagnie française de Gaumont de , le cambriolage audacieux de jour de , fait par Sheffield Photographic Company, et la bagarre pochante désespérée de , faite par le famille de Haggar , dont les affaires principales montraient des films a fait par d'autres dans leur théâtre de déplacement de tente. Tous ces films, et en effet d'autres de la nature similaire ont été montrées dans aux Etats-Unis, et certains ils ont été certainement vus par Edwin Porter, avant qu'il a fait à le grand vol de train vers la fin de l'année. La continuité de temps dans le le grand vol de train est réellement plus embrouillante que celle dans les films qu'il a été modelé dessus, mais néanmoins c'était un plus grand succès qu'eux dans le monde entier, en raison de sa violence occidentale sauvage du . De 1900, les films de compagnie de Pathé également ont fréquemment copié et ont varié les idées des réalisateurs de film britanniques, sans ne faire aucune innovation importante dans la construction narrative de film, mais par la suite le volume fin de leur production menée à leurs réalisateurs de film donnant encore uns autre précision et poli aux détails de la continuité de film.

Histoire de film de 1906 à 1914

Les affaires de film

D'ici 1907 il y avait environ 4.000 petits cinémas de « machine à musique » aux Etats-Unis. Les films ont été montrés avec l'accompagnement de la musique fourni par un pianiste, bien qu'il pourrait y avoir plus de musiciens. Il y avait également très peu de plus grands cinémas dans certaines des plus grandes villes. Au commencement, la majorité de films dans les programmes étaient des films de Pathé , mais ceci changé assez rapidement car les compagnies américaines ont tourné la manivelle vers le haut de la production. Le programme s'est composé juste de quelques films, et de l'exposition durée environ 30 minutes. La bobine du film, de la longueur maximum, qui a habituellement contenu un film individuel, est devenue l'unité standard de la production et de l'exposition de film dans cette période. Le programme a été changé deux fois ou plus une semaine, mais est monté à cinq changements de programme par semaine après deux ou trois années. Généralement des cinémas ont été installés dans les zones établies de divertissement des villes. Dans d'autres pays du monde occidental la situation d'exposition de film était semblable. Avec le changement à l'exposition de « machine à musique » il y avait également un changement, mené par Pathé de 1907, à partir de vendre des films tout à fait à les louer par des échanges de film.

Le litige au-dessus des brevets entre toutes les compagnies américaines principales de film-making avait continué, et à la fin de 1908 ils ont décidé de mettre leurs brevets et de former en commun une confiance pour les employer pour commander les affaires de film américaines. Les compagnies concernées étaient Pathé , Edison , Biograph , Vitagraph , Lubin , Selig , Essanay , Kalem , et Kleine Optical Company, un importateur principal des films européens. La compagnie de George Eastman , le seul fabricant des actions de film aux Etats-Unis, était également une partie du cartel, qui s'est appelé le Patents Company de cinéma (MPPC), et de Eastman Kodak accepté pour fournir seulement les membres des actions de film. Des redevances pour distribuer et projeter des films ont été extraites à partir de tous les distributeurs et exposants. Les compagnies de production qui faisaient partie de la confiance étaient des quotes-parts de production assignées (deux bobines, c. films, une semaine pour les plus grands, une bobine par semaine pour le plus petit), qui ont été censées être assez pour remplir programmes des exposants autorisés. Vitagraph et Edison ont déjà eu les unités de production multiples, et ainsi n'ont eu aucune difficulté atteindre leur quote-part, mais en 1908 Biograph a perdu leur directeur un travaillant. Elles ont offert le travail de faire leurs films au D. Griffith , un acteur sans importance et le dramaturge, qui a pris le travail, et trouvé il a eu un cadeau pour lui. Il seul a fait tous les films de Biograph à partir de 1908 à 1910. Ceci s'est élevé à 30 minutes de temps d'écran par semaine.

Mais le marché était plus grand que les membres de cinéma de Patents Company pourraient fournir.000 exposants aient signé avec le MPPC, environ 2.000 autres n'ont pas fait. Une minorité des échanges (c. distributeurs) restés en dehors du MPPC, et dans 1909 ces échanges indépendants a immédiatement commencé à placer de nouvelles compagnies de production de film. D'ici 1911 il y avait assez de films indépendants et étrangers disponibles pour programmer toutes les expositions des exposants indépendants, et dans 1912 les indépendants ont eu presque la moitié du marché. Le MPPC avait été effectivement défait dans son plan pour commander tous les Etats-Unis lance sur le marché, et l'action anti-trust du de gouvernement, qui seulement a maintenant commencé contre le MPPC, n'était pas vraiment nécessaire pour le défaire.

Films multibobine

Il était environ 1912 que les acteurs en films américains, qui jusqu'à ce point avaient été anonymes, ont commencé à recevoir le crédit d'écran, et la voie à la création des vedettes de film a été ouverte. L'aspect des films plus longtemps qu'une bobine a également aidé ce processus. De tels films étaient extrêmement rares, et presque entièrement limité pour filmer des versions de la vie du Christ, qui avait atteint trois bobines de longueur en années premières de cinéma. Ils ont été toujours montrés comme événement spécial dans les lieu de rendez-vous spéciaux, et soutenus par commentaire et musique de phase. Une addition unique à ce modèle de présentation était l'histoire de la troupe de Kelly, fabriquée en Australie en 1906. C'était une version de quatre-bobine de la carrière de ce (en Australie) hors-la-loi célèbre, et était incompréhensible sans explication. Des films plus multibobine ont été faits en Europe qu'aux Etats-Unis après 1906, parce que le MPPC a insisté sur travailler sur la base des films d'un-bobine vers le haut jusqu'en 1912. Cependant, avant ceci, les membres d'un certain MPPC sont venus à bout cette restriction en faisant de temps en temps de plus longues histoires dans les pièces séparées, et en les libérant en semaines successives, commençant par le de Vitagraph la vie de Moïse dans cinq parts (et cinq bobines) à la fin 1909. Dans d'autres pays ce film a été montré directement à travers en tant qu'une image, et il a inspiré la création d'autres films multibobine en Europe.

Pathé-Frères a installé une nouvelle filiale de filiale aux Etats-Unis appelés Eclectic en 1913, et en 1914 ceci a commencé la production des dispositifs à l'usine de Pathé dans le New Jersey. La compagnie française d'Eclair faisait déjà des films aux Etats-Unis, et leur production des dispositifs accrus avec le transfert de plus de réalisateurs de film quand l'industrie française a été arrêtée au début de la Première Guerre Mondiale.

Jusqu'à 1913, la plupart de production américaine de film était encore effectuée autour de New York, mais le mouvement à filmer en Californie avait commencé quand Selig, une des compagnies de MPPC, a envoyé une unité de production là en 1909. D'autres compagnies, indépendants et membres du MPPC, alors envoyés unités à travailler là en été pour tirer profit du soleil et du paysage. Ce dernier était important pour la production de Westerns, qui a maintenant formé un genre américain important de film. La première étoile de cowboy était le G. Anderson (« Broncho Billy ") , dirigeant ses propres drames occidentaux pour Essanay, mais en le mélange 1911 de Tom a apporté le genre de costumes et l'action d'arrêt utilisée dans l'ouest sauvage de phase montre aux productions de film de Selig, et est devenue la plus grande étoile de cowboy pour les deux décennies suivantes.

La plupart des compagnies principales ont fait des films dans tous les genres, mais certains ont eu un intérêt spécial pour certains genres de films. Une fois que Selig avait pris la production en Californie, ils ont employé (assez) les animaux sauvages du zoo que colonel Selig avait installé là dans une série d'aventures exotiques, avec les acteurs menacé ou sauvés par les animaux. Essanay s'est spécialisé dans Westerns comportant le « Broncho Billy » Anderson, et envoyé par Kalem Sidney Olcott au loin avec un équipage de film et des troupes d'acteurs à de divers endroits en Amérique et faire à l'étranger des histoires de film dans les endroits réels qu'ils ont été censés s'être produits. Kalem a également frayé un chemin la héroïne féminine d'action de 1912, avec le Ruth Roland jouant des rôles se tenant le premier rôles dans leur Westerns. Les curiosités mineures étaient certains des films du Solax dirigé par Herbert Blaché et son type d'Alice d'épouse. Elles ont laissé la branche américaine de la compagnie de Gaumont en 1912 pour installer leur propre compagnie indépendante. Le dispositif de distinction de certains de leurs films était une tentative délibérée d'employer résolument le théâtral-type jeu de comédie légère qui a été orienté sur l'assistance. Ceci est allé à l'encontre la tendance vers la contrainte filmique déjà évidente dans ce qui se sont appelés les comédies « polies » d'autres compagnies de film.

En France, Pathé a maintenu sa position dominante, toujours suivie de Gaumont, et puis d'autres nouvelles compagnies qui ont semblé approvisionner à la perche de film. Une compagnie de film avec une approche différente était le film d' art. Ceci a été installé au début de 1908 pour faire des films d'une nature artistique sérieuse. Leur programme avoué était de faire des films using seulement les meilleurs dramaturges, artistes et acteurs. Le premier de ces derniers était le l la' apparence d'Assassinat du Duc De (l'assassinat de Duc de Guise) , un sujet historique réglé dans la cour du Henri III . De principaux acteurs utilisés ce par film du Comédie Francaise , et ont fait écrire des points de accompagnement spéciaux par le Saint-Saens de Camille de . L'autre par commandants français mouvement suivi, et cette vague a provoqué la description de langue anglaise des films avec des prétensions artistiques a visé une assistance sophistiquée comme le « art filme » . D'ici 1910, les compagnies de film de Français commençaient à faire des films tant que deux, ou même trois bobines, cependant les la plupart étaient toujours une bobine longtemps. Cette tendance a été suivie en l'Italie, au Danemark, et Suède. Bien que l'industrie britannique ait continué à augmenter après son commencement brillant, les nouvelles compagnies qui ont remplacé les premiers réalisateurs de film innovateurs ont prouvé incapable de préserver leur commande et originalité.

Pays producteurs de nouveau film

À la perche mondiale de film, pourtant à plus de pays s'est maintenant joint la Grande-Bretagne, la France, et les Etats-Unis dans la production sérieuse de film. En Italie, la production a été répartie plusieurs centres, avec Turin étant la première et la plus grande. Là, Ambrosio était la première compagnie dans le domaine en 1905, et est resté le plus grand dans le pays au cours de cette période. Son rival plus substantiel était Cines à Rome, qui a commencé à produire en 1906. La grande force de l'industrie italienne était les épopées historiques, avec de grandes fontes et paysage massif. Dès 1911, la La Caduta di Troia (l'automne de Troy) deux-bobine de de Giovanni Pastrone de fait une grande impression mondiale, et lui a été suivie encore de plus grands lunettes comme le Quo Vadis ? (1912), qui a fonctionné pendant 90 minutes, et Cabiria de Pastrone de 1914, qui a fonctionné pour deux et des demi-heures.

Les compagnies italiennes ont également eu une ligne forte dans la comédie slapstick, avec des acteurs comme le contrat d'André, connu localement en tant que « Cretinetti », et ailleurs en tant que « Foolshead » et « Gribouille », réalisant la renommée mondiale avec ses bâillons presque surréalistes.

Le pays film-producteur le plus important au Northern Europe vers le haut jusqu'à la première guerre mondiale était le Danemark. La compagnie de Nordisk a été installée là en 1906 par vieille Olsen, un showman de champ de foire, et après qu'une brève période imitant les succès des réalisateurs de film français et britanniques, en 1907 il ait produit 67 films, plus dirigée par Viggo Larsen, avec les sujets sensationnels comme le hvide Slavinde (l'esclave blanc) de repaire de , le Isbjørnenjagt (chasse à ours blanc) et le Løvejagten (la chasse à lion) . Par 1910 nouvelles plus petites compagnies danoises a commencé à joindre les affaires, et sans compter que faire plus de films au sujet du commerce slave blanc , ils ont contribué d'autres nouveaux sujets. Le plus important de ces trouvailles était Asta Nielsen dans le Afgrunden (l'abîme) , a dirigé par le Gad urbain pour Kosmorama, ceci a combiné le cirque, le sexe, la jalousie et le meurtre, tous mis plus d'avec la grande conviction, et a poussé les autres réalisateurs de film danois plus loin dans cette direction. Par 1912 les compagnies de film du danois se multipliaient comme des lapins. L'industrie cinématographique suédoise était plus petite et plus lent obtenir a commencé que l'industrie danoise. Ici, l'homme important était Charles Magnusson, un cameraman de film d'actualités pour la chaîne de cinéma de Svenskabiografteatern. Il a commencé la production de film de fiction pour eux en 1909, dirigeant un certain nombre de films lui-même. La production a augmenté en 1912, quand la compagnie a engagé le Victor Sjöström et le Mauritz un plus immobile comme directeurs. Ils ont commencé dehors par imiter les sujets favorisés par l'industrie cinématographique danoise, mais par 1913 ils produisaient leurs propres de façon saisissante le travail original, qui s'est vendu très bien. La Russie a commencé son industrie cinématographique en 1908 par Pathé tirant quelques sujets de fiction là, et puis la création de vraies compagnies russes de film par Aleksandr Drankov et Aleksandr Khanzhonkov . La compagnie de Khanzhonkov rapidement est devenue beaucoup la plus grande compagnie russe de film, et est demeurée ainsi jusqu'en 1918. En Allemagne, le Oskar Messter avait été impliqué dans le film-making de 1896, mais n'a pas fait un nombre significatif des films par an jusqu'à 1910. Quand la perche mondiale de film a commencé, lui, et les quelques autres personnes dans les affaires de film allemandes, continues pour vendre des copies de leurs propres films tout à fait, qui les ont mis dans une position défavorable. Il était seulement quand Paul Davidson, le propriétaire d'une chaîne des cinémas, amenée Asta Nielsen et Gad urbain en Allemagne du Danemark en 1911, et installée une compagnie de production, Projektions-AG « union » (PAGU), pour eux, qu'un changement à la location imprime a commencé. Messter a répondu avec une série de plus longs films tenant le premier rôle Henny Porten, mais bien que ceux-ci aient bien fait dans le monde de langue allemande, elles n'étaient pas particulièrement réussies internationalement, à la différence des films d'Asta Nielsen. Un autre des producteurs cinématographiques allemands croissants juste avant la Première Guerre Mondiale était la branche allemande de la compagnie française d'Eclair, Eclair de Deutsche. Ceci a été exproprié par le gouvernement allemand, et transformé en DECLA quand la guerre a commencé. Mais tout à fait, les producteurs allemands ont seulement eu une partie mineure du marché allemand en 1914. De façon générale, environ de 1910, les films américains ont eu la plus grande part du marché de tous les pays européens excepté la France, et même la France, les films américains avaient juste enfoncé la production locale hors du premier endroit la veille de la Première Guerre Mondiale. Ainsi même si la guerre ne s'était pas produite, les films américains auraient mondial dominant devenu. Bien que la guerre ait rendu des choses plus mauvaises pour les producteurs européens, c'était les qualités techniques des films américains qui les ont rendus partout plus attrayants aux assistances.

Technique de film

La production accrue étant exigé par la perche de machine à musique, l'éclairage artificiel supplémentaire a été employé de plus en plus dans les studios cinématographiques pour compléter la lumière du soleil diffuse, et ainsi augmenter les heures que le film pourrait être tiré pendant le jour. Les sources principales utilisées étaient les lumières d'arc modifiées faites pour le réverbère. Celles-ci ont été accrochées sur des lattes ont suspendu en avant des acteurs du toit, ou ont monté dans les groupes sur des floorstands. L'addition d'un réflecteur en métal autour de la source d'arc a dirigé un champ très large de lumière dans la direction désirée. De grandes lumières de tube de vapeur de mercure (Tonnelier-Hewitts) ont été également employées dans des supports placés de la même manière. Des lumières d'arc avaient été employées pour produire des effets de la lumière spéciaux en films comme la lumière à partir d'une lampe ou d'une lumière du feu avant 1906, mais ceci est maintenant devenue plus commune.

Une utilisation expressive forte d'un effet de feu se produit dans le de du D. Griffith la réforme (1909) de l'ivrogne. Ici, l'ivrogne reformé est heureusement réuni à son famille avant le feu dans le foyer, dans une installation reproduisant cela au début du film en lequel le feu est dehors, et le foyer est froid, et le famille est indigent.

L'éclairage discret (c. l'éclairage de dans lequel la majeure partie de l'armature est foncée) a lentement commencé à être employé pour des scènes sinistres, mais pas en films de D. Le récit à suspense de Vitagraph, que le mystère de la cour (1910) de temple a l'éclairage discret pour une scène de meurtre, et leur conscience (1912) de montre l'éclairage discret fait seulement avec la lumière artificielle pour une scène de la terreur.

Cette sorte d'éclairage apparaissait de temps en temps en films européens d'ici 1911, et dans certains cas a été poussée beaucoup plus loin. L'allumage d'un angle faible a été employé plus fortement dans le épique italien Quo Vadis de film ? en 1912, et alors dans le célèbre Cabiria (1914) pour renforcer d'atmosphère étrange dans une scène.

Les effets de silhouette en scènes d'endroit ont commencé à apparaître en 1909 les Etats-Unis et en Italie ; cependant pendant que les choses se développaient, les réalisateurs de film européens faits plus d'utilisation de ceci que les Américains ont fait.

L'aspect le plus important de ceci était que de tels projectiles ont impliqué d'avoir la lumière du soleil la scène par derrière, et cette approche a été prolongée en employant la lumière du soleil reflétée d'une surface blanche au-dessous de l'appareil-photo pour allumer l'ombre sur les visages d'acteurs de l'avant. C'est l'une technique originale que D. Griffith et son Billy Bitzer de cameraman a pu vraiment avoir inventée. La prochaine étape était de transférer ce genre d'éclairer sur à contre-jour l'éclairage des acteurs sur des ensembles de studio. Jusqu'à ce point l'éclairage artificiel dans des scènes de studio toujours avait été mis dessus de l'avant ou côté-avant, mais en 1912 il a commencé à y avoir quelques cas où la lumière a été mise sur les acteurs des projecteurs d'arc hors du projectile derrière eux et à un côté, pour donner un genre de contre-jour. Ce n'était pas jusqu'en 1915 que l'effet du contre-jour des acteurs par le soleil a été entièrement imité dans l'éclairage de studio, en employant un projecteur puissant d'arc brillant de ci-dessus et derrière établi sur les acteurs. Ceci est lentement devenu un composant standard de l'éclairage de studio des figures en films américains, mais cela a pris beaucoup plus longtemps au propager avec les cameraman européens.

L'animation se développe

La technique de l'animation simple d'armature a été encore développée en 1907 par le bagagiste d'Edwin S. dans le les ours de nounours et par J. Stuart Blackton avec le travail de a fait facile. Le premier de ces derniers les ours de jouet ont été faits pour se déplacer, apparemment tout seuls, et dans le dernier bâtiment de film les outils ont été faits pour effectuer des tâches de construction sans intervention humaine, en employant l'animation d'armature-par-armature. La technique est arrivée en Europe presque immédiatement, et Segundo de Chomon et d'autres chez Pathé l'a pris plus loin, ajoutant l'animation d'argile de , dans laquelle des sculptures ont été déformées d'une chose dans une autre armature de chose par l'armature dans la sculpture moderne (1908) en , et alors Pathé a fait la prochaine étape à l'animation des formes de silhouette. Également en France, l'animation dessinée en pleine maturité d'Emile Cohl dans une série de films commençant par le Fantasmagorie (1908), dans lequel les humains et les objets dessinés comme contour figure est entrée cependant une série d'interactions et de transformations remarquables. Aux Etats-Unis la réponse était du célèbre Winsor McCay , qui de l'artiste de dessin animé de de bande a dessiné des figures animated beaucoup plus réalistes passant par plus lisse, un mouvement plus naturaliste dans une série de films commençant par le Winsor McCay de film, fait pour Vitagraph en 1911. En prochaines années divers autres ont participé à ce développement des dessins animés Animated aux Etats-Unis et ailleurs.

Cross-cutting entre les actions parallèles

Pendant que la perche de film devenait en cours, les réalisateurs de film de Pathé ont continué à raffiner la continuité de l'action du projectile au projectile en leurs films. En films aimer l'emballé de le Cheval du de Pathé (le cheval d'emballement) (1907), là apparu un nouveau dispositif, qui peut s'appeler le cross-cutting entre les actions parallèles . En ce film, un livreur aborde ses affaires à l'intérieur d'une maison de rapport tandis que son cheval vole un grand repas d'un sac d'avoine en dehors d'un magasin d'alimentation. Le film ravale et expédie entre les deux chaînes de l'action quatre fois avant que le livreur sort, et le cheval fonctionne loin avec lui. D'une manière primordiale, au début de l'année prochaine l'unité de production de Pathé vers le bas dans les sud de la France dans Nice le château fait de le Médecin du de (le médecin du château) , dans lequel il y a des coupes dans les deux sens entre les criminels menaçant l'épouse et l'enfant d'un docteur, alors que le docteur lui-même conduit à la maison pour les sauver après avoir été averti par téléphone. Ce film contient également une coupe dedans à un projectile plus étroit du docteur pendant qu'il entend les nouvelles redoutables au téléphone, qui emploie la nouvelle idée d'entrer plus près de l'acteur pour accentuer l'émotion.

Aux Etats-Unis, Vitagraph essayait également cross-cutting pour le suspens en 1907 et 1908 avec le la fille de moulin et le m'obtiennent un Stepladder . Griffith ait commencé à diriger chez Biograph en mai 1908, il avait vu les deux films de Pathé juste mentionné aussi bien s, et un certain nombre de films de Vitagraph. Mais de Griffith l'utilisation d'abord de cross-cutting dans le l'heure mortelle , faite en juillet en 1908, a une histoire beaucoup plus forte de suspens servie par cette construction que ceux dans les exemples plus tôt de Pathé. À partir de ce moment là Griffith certainement a développé le dispositif beaucoup plus loin, graduellement augmentant le nombre d'alternances entre deux, et plus tard trois, ensembles de scènes parallèles, et également leur vitesse. Cette utilisation intensifiée seulement a été lentement prise par d'autres réalisateurs de film américains. Ainsi bien qu'il n'ait pas inventé la technique de cross-cutting, il l'a consciemment développée en méthode puissante de construction de film. Il est également important pour la note que Griffith a décrit cross-cutting aléatoirement comme montagnes russes de `' ou réduction de `' ou retour en arrière' technique de `, et que par le bout de ces limites il n'a pas voulu dire ce que nous comprenons maintenant par un retour en arrière de `'. Le véritable retour en arrière de `' a été également développé dans cette période, mais pas du tout par D. Griffith n'ait inventé aucune nouvelle technique de film, il était le meilleur réalisateur travaillant jusqu'à 1913, et c'était parce qu'il a fait une meilleure utilisation dramatique et artistique du milieu que d'autres directeurs. Un aspect de ceci était la structure qu'il a donné ses films, avec la scène finale reflétant la scène d'ouverture, comme dans l'exemple du la réforme d'un ivrogne déjà mentionnée ci-dessus. Beaucoup d'autres exemples de ceci comme le le docteur de pays (1908) peuvent facilement être trouvés dans son travail. Mais la chose la plus importante Griffith a fait était établissent des gestes normaux significatifs et expressifs dans des périodes intensives de répétition avec ses acteurs, avant que le film ait été projectile, tel que le mari exaspéré et jaloux dans le la voix de l'enfant (1911) marchant autour de son bureau chomping sur un cigare et des nuages de fumée de soufflage hors de elle par les dents serrées. La plus grande utilisation de Griffith de cross-cutting entre les actions parallèles l'a aidé à entrer plus de projectiles dans ses films que d'autres directeurs, mais il a également eu une autre méthode pour faire ceci. C'était de dédoubler une scène qui pourrait avoir été jouée dans la chambre (ou tout autre endroit), dans deux sections ou plus qui se sont déplacés vers l'arrière et expédient entre les pièces voisines ou les espaces. Le résultat de ceci était que les films de D. Griffith ont eu au moins deux fois autant de projectiles dans eux de même qu'a fait ceux d'autres directeurs américains. Au-dessus de cette période, les autres directeurs ont accéléré, mais ainsi a fait Griffith. Au début, la technique de la coupure dedans à un projectile plus étroit d'un acteur dans une scène n'a apporté aucune contribution à l'augmentation du taux de découpage, parce qu'elle encore était très rarement faite, en dépit de l'établissement comme possibilité dans la période précédente. L'exception à ceci était un projectile étroit d'un objet, qui a été parfois employé pour faire clairement exactement ce qu'une personne faisait. Elle avait lieu seulement vers 1913 que les réalisateurs de film ont commencé à couper en projectiles plus étroits avec n'importe quelle régularité.

Cependant, les réalisateurs de film américains ont obtenu plus près du d'acteurs sur le moyen en tirant la scène entière avec l'appareil-photo plus étroitement que précédemment. La compagnie de Vitagraph a mené la manière ici, en employant ce qu'elles ont appelé « la ligne de neuf-pied » à compter de 1910. Ceci a signifié que les acteurs ont joué une scène jusqu'à une ligne marquée sur les neuf pieds au sol de l'objectif de caméra, qui a signifié qu'ils ont été montrés découpés à la taille dans l'image. Certains, mais pas tous, les réalisateurs de film américains ont suivi leur exemple, l'appelle « le premier plan américain », alors que les réalisateurs de film européens restaient avec « le premier plan français » établi par le Pathé environ 1907, qui a seulement coupé les acteurs aux tibias. Ceci a correspondu aux acteurs jouant jusqu'à une ligne a déposé 4 mètres devant l'objectif de caméra.

Projectiles de point de vue

Un développement bien plus important était dans l'utilisation du projectile de point de vue de . Précédemment, ceux-ci avaient été seulement employés pour donner l'idée de ce que quelqu'un dans le film voyait à travers un télescope (ou toute autre ouverture), et ceci a été indiqué en ayant un masque ou une vignette circulaire noir dans l'armature de film. Le véritable projectile (POV) de point de vue, dans lequel un projectile de quelqu'un qui regarde quelque chose est suivi d'une coupe à un projectile pris de leur position sans n'importe quel masque, a pris plus longtemps pour apparaître. En 1910, dans le de Vitagraph de nouveau à la nature nous voyons une possibilité éloignée des personnes regardant vers le bas au-dessus du rail d'un bateau pris de dessous, suivi d'un projectile du bateau de sauvetage qu'ils regardent pris de leur position.

Cependant, les réalisateurs de film de Vitagraph continus pour être incommode avec le dispositif, comme véritable projectile de POV est présentés par un intertitle explicatif, « ce qu'ils ont vu dans la maison à travers la cour » en Jean de Larry Trimble et enfant abandonné , fait à la fin de 1910. Mais quelques mois plus tard, Trimble a fait les délivrances , des autres de Jean de de la série populaire tenant le premier rôle les exploits fictives de son colley de frontière , qui a des projectiles de POV présentés à un point approprié sans explication. Après ceci, les projectiles du l'ONU-vignetted POV ont commencé à apparaître assez fréquemment en films de Vitagraph, et aussi de temps en temps en films d'autres compagnies américaines. Griffith les a seulement employés dans une situation théâtrale, pour montrer ce que regardaient l'assistance dans un théâtre, de même qu'a fait les réalisateurs de film européens.

découpage de Renversé-angle

Un autre développement important était dans l'utilisation des projectiles renversés d'angle ; c'est-à-dire, continuant une scène avec une coupe à un projectile de la mesure prise de la direction opposée. Il y avait des exemples d'isolement de ceci très tôt, et le premier de ces derniers, attaque du de Williamson sur une mission (1900) de la Chine a été déjà mentionné. Mais en 1908, commençant par le l la' apparence d'Assassinat du duc de (l'assassinat de Duc de Guise) de , il a commencé à y avoir d'autres films en lesquels une scène a été montrée d'une autre direction par la coupure au côté opposé. Cet effet a été imité de temps en temps en à l'Europe et aux Etats-Unis au-dessus des prochaines années, et est venu pour s'appeler « une scène renversée ».

La prochaine étape, dans laquelle deux acteurs se faisant face sont montrés dans les projectiles étroits successifs de prendre vis-à-vis des directions vers chacune de elles, est première à voir à la fin de 1911 dans le l'oisif , faite par Arthur Mackley pour Essanay. C'est ce qui s'appelle le découpage » le « de renversé-angle, et il est employé constamment dans le film-making de nos jours. Cependant, cela a pris quelques années au crochet avec d'autres réalisateurs de film américains, mais d'ici 1913, il commençait à se produire avec une plus grande fréquence dans le travail de quelques directeurs. Ceci s'est produit entièrement quand ils filmaient des scènes extérieures, où il n'y avait aucun problème au sujet du tir après le bord de l'ensemble de studio. Un principal exemple de cette utilisation de fin dans le découpage de renversé-angle est son dernier combat (1913), dirigé par Ralph Ince pour Vitagraph, dans quel un tiers des coupes sont entre un projectile et l'angle renversé. Cependant, cette sorte de chose ne s'est jamais produite en films de D. Griffith, ou en films européens.

Construction du retour en arrière

Un autre dispositif important pour la construction des récits de film est l'utilisation des « retours en arrière », dans le sens que la limite est comprise de nos jours. C'est-à-dire, ayant une scène dans le présent suivi d'une scène dans le passé, et par la suite retournant aux scènes dans le présent de l'histoire. En jours les plus tôt de film-making, ceci a été seulement fait comme représentation d'un caractère rêvant du passé, comme dans crime de l'ONU de Histoire film Pathé 1901 le d le' (l'histoire d'un crime) . Le premier film en lequel un caractère se rappelle le passé tandis qu'éveillé était le Napoleon - homme de Vitagraph du destin de 1909. En ce film, Napoleon est dans son palais après la bataille de waterloo se rappelant des scènes notables de sa vie passée. Un titre superposé semble identifiant l'événement qu'il pense environ, et le film puis coupe directement à cette scène, et après de nouveau à Napoleon pensant cela. L'idée lentement répartie les prochaines années, et dans ces derniers habituellement l'action de encadrement montre un caractère relatant l'histoire des événements passés aux gens écoutant eux. Ceci se produit en d de Luigi Maggi le oro de Nozze le' (mariage d'or) de 1911, et entre autres films dans le de la compagnie d'Edison le passant de 1912. Ce film présente ce qui était de devenir une manière standard d'entrer dans un retour en arrière. En tant que personne raconter l'histoire de leur passé commence parler, les voies d'appareil-photo dedans à son visage, puis il y a une dissolution à son plus jeune visage et les voies d'appareil-photo de nouveau à indiquent la scène dans le passé. Il y a beaucoup d'exemples des retours en arrière de mémoire de projectile simple d'ici 1913, alors qu'une mémoire montrée dans une série prolongée de projectiles est beaucoup plus rare. Il y a même un exemple d'un retour en arrière à l'intérieur d'un retour en arrière dans le juste une poupée minable , fait par la compagnie de Thanhouser de en 1913.

La représentation des hallucinations de drogue en films était à sens unique que des effets subjectifs aient été développés. Le contre criminel principal Nick Carter (Zigomar contre Nick Carter) (1912) de Zigomar de de récit à suspense de Victorin Jasset contient un ordre dans un repaire d'opium , et la vision dopée d'un des clients est représenté comme série de superpositions recouverts sur la scène principale, qui s'accumulent par la suite en jeu d'images multiples dans l'une armature. Il y a un développement de cette idée l'année prochaine dans le Tigre (1913) de la compagnie d'Itala. Pendant que l'effet des prises de drogue se tiennent, ceci est représenté en inclinant l'armature en longueur, puis en superposant une série d'effacement d'images disjoint et en se dissolvant dedans et dehors sur un fond modelé.

Le symbolisme et le insèrent les projectiles

Dans cette période le mot « art » a été mentionné de plus en plus en liaison avec des films cinématographiques, et en raison des ambitions artistiques croissantes des réalisateurs de film, des poésies ont commencé à être transposées directement dans des films. Griffith s'est attaqué plus loin que ceci, en créant l'équivalent visuel du refrain poétique ou musical dans le la manière du monde (1910), par la coupure dans les projectiles des cloches d'église à intervalles en bas de la longueur du film. Cependant, c'était un cas exceptionnel, et ce n'est pas jusqu'en 1912 qu'il y avait les premiers signes de l'utilisation expressive spéciale des projectiles d'insertion ; c'est-à-dire, projectiles des objets plutôt que des personnes. Dans Ambrosio italien les compagnies filment le planta de mala de La de (l'usine mauvaise) , dirigé par le Mario Caserini , qui implique un cas de l'empoisonnement, il y a une insertion tirée d'un serpent slithering au-dessus de l'usine mauvaise de `'. Un autre des exemples encore très rares à cette date est dans le de Griffith le massacre , qui a été fait à la fin de 1912. Ceci inclut un projectile d'insertion d'une bougie au chevet d'un homme malade guttering dehors pour indiquer sa mort. Encore un autre est dans la version de compagnie d'Ambrosio des Di Pompéi (les derniers jours de Pompeii) (1913) de giorni d'ultimi de Gli de . Ce film inclut une scène, précédée par le titre « les épines de la jalousie », en lesquelles une femme rejetée surprend l'homme qu'elle aime avec une autre femme, et ceci est suivi d'un effacement à un projectile d'une paire de colombes, qui se dissout alors dans un projectile d'un oiseau de proie.

C'était en 1914 que D. Griffith a commencé à plier l'utilisation de l'insertion vers vraiment nettement les extrémités expressives, mais il n'avait pas fait ceci souvent, et c'est vraiment seulement avec son la conscience vengeante de 1914 qu'une nouvelle phase dans l'utilisation du projectile d'insertion commence. En ce film l'intertitle « la naissance de la pensée mauvaise » précède une série de trois projectiles du protagoniste regardant une araignée, et des fourmis mangeant un insecte, cependant à un point postérieur dans le film, quand il dispose à tuer quelqu'un, ces projectiles sont coupées directement dedans sans explication. Comme les insertions symboliques déjà mentionnées, le la conscience vengeante a également fait à utilisation étendue des un grand nombre la grande fin vers le haut des projectiles de saisir des mains et de taper des pieds afin de souligner ces parties du corps comme indicateurs de tension psychologique. Griffith jamais n'est jusqu'ici allé dans cette direction encore, mais son utilisation du projectile d'insertion a fait sa vraie impression sur d'autres réalisateurs de film américains pendant les années 1915-1919.

Art de film

La vaste augmentation de la production de film après 1906 auteurs inévitablement amenés de spécialiste dans le film-making en tant qu'élément de la subdivision croissante du travail, mais néanmoins les compagnies de film a dû encore acheter des histoires des étrangers pour obtenir assez de matériel pour leurs productions. Ceci a présenté une plus grande variété dans les types d'histoire utilisés en films. L'utilisation des histoires plus complexes a dérivé de littéraire et les travaux d'étape du passé récent ont également contribué aux développements dans la construction de film de manuscrit. La tendance américaine générale était de simplifier les parcelles de terrain empruntées aux romans et aux jeux de sorte qu'elles aient pu être traitées de dedans une bobine et le minimum d'impression du titre et le maximum de la continuité narrative franche, mais il y avait des exceptions à ceci. Dans ces cas l'information il était difficile filmer qu'et manquer dans le vif intérêt dramatique a été mis dans des titres narratifs avant chaque scène, et ceci était également la plupart du temps la coutume en films européens de la sorte plus sérieusement prévue. Des films cinématographiques ont été classifiés dans les genres par l'industrie cinématographique suivant les divisions déjà établies dans d'autres médias, en particulier l'étape. La division principale était dans la comédie et le drame, mais ces catégories ont été encore subdivisées. La comédie pourrait être ou comique (habituellement désignée sous le nom « de la farce burlesque "), ou alternativement « la comédie polie », qui plus tard est venue pour désigné sous le nom « de la comédie domestique » ou « de la comédie sophistiquée ». Griffith a fait un nombre restreint de dernier type du film en ses deux premières années chez Biograph, mais a eu peu d'intérêt ou aptitude pour le genre. De 1910 il a laissé le Frank Powell , et alors Mack Sennett dirigent les comédies de Biograph. Sennett est parti en 1912 pour installer la compagnie trapézoïdale, où il pourrait donner son enthousiasme pour le modèle slapstick de comédie dérivé des comédies plus tôt de Pathé comme règne d'emballé de le Cheval de (le cheval d'emballement) le plein. En Europe le type plus retenu de comédie a été développé en quantité substantielle en France, avec les films du Linder maximum pour Pathé représentant le sommet du genre à compter de 1910. La comédie de Linder a été placée dans un milieu supérieur du classe moyen , et comptée sur des manières intelligentes et inventives de venir à bout les embarras et les obstacles surgissant à sa poursuite unique d'un but. Tout à fait souvent un but d'une nature sexuelle. Griffith a eu une influence importante sur la simplification des histoires de film. Après qu'il ait été chez Biograph pendant une année, Griffith a commencé à faire quelques films qui ont eu beaucoup moins de contenu d'histoire que tous les films précédents d'un-bobine. Dans le le docteur de pays , l'action est pas plus que de diverses personnes, y compris le docteur, se dépêchant vers l'arrière et expédie entre la maison du docteur, où son enfant est malade, et une maison voisine, où un autre enfant est également malade. D'ici 1912 et 1913, il commencent à y avoir beaucoup de films de beaucoup de compagnies américaines qui comptent sur appliquer la décoration originale à l'histoire, plutôt que fournissant toutes les torsions au drame elle-même pour soutenir l'intérêt.

Intertitles

Intertitles contenant des lignes du dialogue a commencé à être employé uniformément à compter de 1908. En cette année, le de Vitagraph une héroïne automatique ; ou, la course pour la tasse de Vitagraph et comment c'était gagné, contient deux ou trois titres de dialogue, et de la même le Jules César entreprise que inclut trois lignes de dialogue du jeu de Shakespeare cité dans les intertitles avant que les acteurs les parlent, finissant avec « ceci était le romain le plus noble de eux tous ». De 1909 un nombre restreint de films d'Américain, et même d'un ou deux Européen ceux, est venu pour inclure quelques titres de dialogue, ou « titres parlés » pendant qu'ils s'appelaient alors. Les réalisateurs de film ont lentement progressé de mettre ces titres de dialogue avant que la scène dans laquelle ils ont été parlés, au découpage elles dans le milieu du projectile au point auquel on a compris qu'ils sont parlés réellement par les caractères. Cette transition a commencé en 1912. Une fois qu'en cours, la tendance a été facilitée par le mouvement vers l'utilisation croissante des coupes dans des scènes en films américains. En 1913 une proportion substantielle des titres de dialogue qui ont été employés en films américains ont été coupées dedans au point quand ils ont été parlés. Les films à peine l'uns des où ceci s'est produit étaient des films de D. Griffith, et en effet plusieurs de ses 1913 films ne contiennent toujours aucun titre de dialogue du tout. Bien que quelques réalisateurs de film européens aient pris la tendance vers employer des titres de dialogue, ils ne les ont pas pris sur le mouvement vers le découpage dans la scène au point auquel ils ont été parlés réellement jusqu'à quelques ans après. L'introduction des titres de dialogue était loin d'être une question insignifiante, parce que ils ont entièrement transformé la nature du récit de film. Quand des titres de dialogue sont venus pour être toujours coupés en scène juste après qu'un caractère commence à parler, et puis sont partis avec une coupe au caractère juste avant qu'ils finissent de parler, alors on a eu quelque chose qui était effectivement l'équivalent d'un film sain actuel.

Histoire de film de 1914 à 1919

Les affaires de film de 1914 à 1919

Les années de la première guerre mondiale étaient une période de transition complexe pour l'industrie cinématographique. C'était la période quand l'exposition des films a changé des programmes courts des films d'un-bobine en de plus longues expositions se composant d'un long-métrage de quatre bobines ou plus long, cependant toujours soutenu par des courts-métrages. Les lieu de rendez-vous d'exposition ont également changé de petits cinémas de machine à musique en de plus grands cinémas pratiquant des prix plus élevés. Ces prix plus élevés ont été en partie justifiés par les nouvelles vedettes de film qui maintenant étaient créées. Aux Etats-Unis, presque toutes les compagnies originales de film qui ont formé Patents Company de cinéma sont sorties des affaires dans cette période en raison de leur résistance au changement à de longs longs-métrages. L'une exception à ceci était la compagnie de Vitagraph, qui se déplaçait déjà plus d'à de longs films d'ici 1914. Le mouvement vers tirer plus de films sur la côte ouest autour de Los Angeles a continué pendant la Première Guerre Mondiale, jusqu'à ce que la partie de production américaine ait été effectuée là. Company Manufacturière Film Universal avait été formé dans 1912 en tant que compagnie de parapluie pour plusieurs des compagnies de production indépendantes, et suite pour se développer pendant la guerre. D'autres compagnies indépendantes ont été groupées sous la bannière mutuelle en 1912, et il y avait également de nouveaux venus importants, en particulier le Jesse Lasky Feature Play Company, et des joueurs célèbres, qui tous les deux ont été formés en 1913 pour tirer profit du fait que les films pourraient reproduire la vraie substance d'un jeu d'étape (plus des embellissements), et ainsi les meilleurs jeux et des acteurs de l'étape légitime pourraient être attirés dans des films. En fait, l'industrie cinématographique a adopté le terme « photoplay » pour des films cinématographiques actuellement. Dans 1914 la compagnie de Lasky et les joueurs célèbres ont été amalgamés dans les Joueurs-Lasky célèbres , avec la distribution de leurs films manipulés par la nouvelle société de Paramount Pictures.

Une autre nouvelle compagnie de production principale a formé pendant les années de guerre était triangle, avec le Mack Sennett , le D. Griffith et le Thomas Ince dirigeant ses unités de production. En dépit des talents impliqués, elle a seulement duré de 1915 à 1917, après quoi ses producteurs séparés ont pris leurs films à Paramount pour la distribution. Également de courte durée, mais toujours très important, était World Film Company, qui a recruté la plupart des directeurs, des cameraman, et des concepteurs français qui avaient précédemment travaillé aux studios de fort Lee, de New Jersey pour Pathé et à l'Eclair.

Le plus grand succès de ces années était naissance de de D. Griffith d'une nation (1915), faite pour la triangle. Griffith a appliqué toutes les idées pour l'échafaudage de film qu'il avait établi en ses films de Biograph à la vue épique d'un habitant du sud blanc fanatique de la guerre civile et de sa conséquence. En dépit des protestations dans les villes nordiques des Etats-Unis organisés par l'association nationale de pour l'avancement des personnes de couleur et d'autres, il a pris beaucoup de millions à la caisse. Piqué par la critique de son film, Griffith a transformé un nouveau film qu'il avait juste fini, le la mère et la loi , en une des rives d'un film encore plus grand avec un thème encore plus grand, l'intolérance (1916) de .

Production européenne de film

En France, la production et l'exposition de film fermées en tant que son personnel sont devenues une partie de la mobilisation militaire général du pays au début de la guerre. Bien que la production de film ait commencé encore en 1915, elle était sur une échelle réduite, et les plus grandes compagnies graduellement retirées de la production, pour se concentrer sur la distribution de film de et l'exposition. Par conséquent les cinémas ont été livrés aux films importés, en particulier Américain ceux. Les nouvelles petites entreprises sont entrées dans les affaires, et les nouveaux jeunes directeurs sont arrivés pour remplacer ceux rédigés ou fonctionnants aux Etats-Unis. Plus le notable de ces derniers était Abel Gance .

Production italienne de film retardée pendant la guerre, avec de longues configurations déjà établies comme forme principale. Cependant, il y avait un mouvement désastreux dans les thèmes à ce qui se sont appelés la « diva filment ». Ces drames romantiques ont eu l'étoile femelle (la « diva ") souffrir de l'amour malheureux, et l'art anguished sans fin saisissant Nouveau pose, tandis qu'entouré par les admirateurs et le luxe masculins. Ils étaient un échec commercial en dehors de l'Italie.

Au Danemark la compagnie de Nordisk a augmenté sa production tellement en 1915 et 1916 qu'elle ne pourrait pas vendre tous ses films, qui ont mené à un déclin très pointu dans la production danoise, et la fin d'importance du Danemark sur la scène de film du monde. La chaîne de distribution et de cinéma de Nordisk en Allemagne a été effectivement expropriée par le gouvernement allemand en 1917. L'industrie suédoise n'a pas eu ce problème, car sa production était plus dans l'équilibre avec le marché, et d'une manière primordiale, la qualité de ses films était maintenant supérieur à ceux du Danemark.

L'industrie cinématographique allemande a été sérieusement affaiblie par la guerre, cependant avec les compagnies principales continuant en tant qu'avant. Le Projektions-AG « union » d'organisation de distribution (PAGU) a agi en tant que production de support de compagnie de parapluie par différents producteurs, et compagnie de Messter a également fait beaucoup de films. Le plus important des nouveaux producteurs cinématographiques était alors un Joe mai , qui a fait une série des récits à suspense et des films d'aventure de au cours des années de guerre, mais le Ernst Lubitsch a également hérité la proéminence avec une série de comédies et de drames très réussis.

En raison du grand marché local pour des films en Russie, l'industrie là n'a pas été nuie par la guerre au début, bien que l'isolement du pays ait mené beaucoup de films russes pour développer les dispositifs singulièrement distinctifs. La compagnie de Khanzhonkov a maintenu sa dominance, mais la compagnie d'Ermoliev, qui avait été formée en 1914, est devenue son concurrent principal, propulsé par le travail de son étoile, Ivan Mosjoukin , et directeur principal, Yakov Protazanov . La révolution de Bolshevik de en octobre 1917 n'a pas éliminé les compagnies privées de film au début, bien que la production ait été réduite par 1918. C'était seulement en 1919 que l'exode du talent du pays a eu lieu, et la production de film de fiction a été réduite pratiquement à rien.

Studios cinématographiques

Le changement important dans des méthodes de production de film aux Etats-Unis au cours de cette période était le changement au tir des studios « foncés ». Les studios verre-couverts existants ont été noircis dehors, et les nombreux neufs étant construits autour de Los Angeles ont été construits avec les murs et les plafonds pleins. Ceci a signifié que le tir pourrait continuer toute la journée et nuit, sans être limitée par la lumière du soleil changeante. La lumière du jour diffuse générale dans les vieux studios a été complètement remplacée par des projecteurs, et les acteurs ont été individuellement allumés avec des projecteurs sur des floorstands. L'utilisation d'un projecteur de haute au fond sur les acteurs au rimlight ils est allée bien à cameraman plus fréquents et et environ 1918 quelques plus américains commencés pour employer des projecteurs pour allumer les acteurs de l'avant. Tout ceci a signifié que les figures des acteurs ont été modelées plus par l'éclairage, et davantage séparé du fond par les niveaux lumineux plus bas maintenant utilisés sur les ensembles. C'était une étape importante vers les méthodes standard d'éclairage de studio de période saine. En même temps il y avait le commencement d'un mouvement vers employer la lumière artificielle pour allumer les acteurs sur l'endroit, et certains des plus grands studios ont acheté le les camions électriques du générateur à cette fin. Tous ces développements ont pris des années pour atteindre l'Europe.

Foyer mou d'irisation et de

Un développement technique très apparent était l'adoption répandue de iriser-dans et dehors commencer et finir des scènes. C'est la révélation d'un film tiré par son aspect à l'intérieur d'un petit masque circulaire de vignette qui devient graduellement plus grand jusqu'à ce qu'il augmente au delà de l'armature, et l'image entière est dans l'espace libre. Griffith, qui l'a employée implacablement, était responsable de la vulgarisation de ce dispositif. De 1918 l'utilisation de l'iris de commencer et des ordres de fin commençait à diminuer aux Etats-Unis, cependant en Europe qu'ils commençaient juste à devenir à la mode. À cette date il est tout à fait facile de trouver que les films américains tels que le Stella Maris dans lequel se fane seulement sont employés. Il y avait d'autres variantes de l'iris simple aussi bien et dans ces derniers l'ouverture de masque ou la fermeture devant l'objectif a eu des formes autres que la circulaire. Un des plus fréquente de ces formes était la fente d'ouverture ; une fente verticale de central apparaît dans l'armature totalement noire, et s'élargit jusqu'à ce que l'armature entière soit claire, indiquant la scène qui est sur le point de commencer. Par la suite s'ouvrir diagonalement fendu apparu aussi bien, et là était alors l'iris en forme de diamant d'ouverture, comme dans le petit Peppina pauvre et le Alsace (1916), plutôt que le cercle habituel. Encore, toutes ces formes variables ont été très rarement employées, et quand elles se sont produites en films américains il étaient habituellement aux étapes d'introduction. Par 1918 les bords des iris circulaires ordinaires devenaient très brouillés quand ils ont été employés en films américains.

L'inclusion de l'image à l'intérieur des vignettes ou des masques statiques des formes autres que la circulaire a également commencé à sembler en films pendant les années 1914-1919, y compris des formes symboliques telles qu'un coupe-circuit cruciforme dans le Stella Maris (Marshall Neilan, 1918) de film de Mary Pickford , et Maurice Elvey en Grande-Bretagne a mis des scènes romantiques à l'intérieur d'un masque en forme de coeur dans le Nelson ; L'histoire du héros naval immortel (1918) de l'Angleterre et du les roches de Valpré (1919). Les variantes les plus élégantes se produisent en quelques films Ernst Lubitsch fait en 1919. Dans le mourir Austernprinzessin (princesse d'huître) que par couche triple de rectangles horizontaux avec les extrémités arrondies joindre les ensembles de pieds de danse à la crête frénétique d'un foxtrot, et dans le mourir Puppe (la poupée) une douzaine les bouches bavardes chacune sont enfermées dans différentes petites vignettes circulaires ont arrangé dans une matrice.

Une nouvelle idée assurée de la photographie immobile était « le foyer mou  ». Ceci a commencé en 1915, par quelques projectiles étant intentionnellement jetés hors focale pour l'effet expressif, comme en Fanchon de Mary Pickford le cricket . L'idée développée lentement au cours des années de guerre, jusqu'à ce que dans le de D. Griffith les fleurs cassées (1918) toutes les fins se lève du Lillian Gish sont fortement répandues en employant des couches de la maille noire fine de coton placée devant l'objectif. La diffusion lourde d'objectif a été également employée sur tous les autres projectiles assumant en avant les parties romantiques et sentimentales de l'histoire de ce film.

Effets subjectifs

C'était au cours de cette période que des effets d'appareil-photo prévus pour donner les sentiments subjectifs des caractères dans un film ont vraiment commencé à être établis. Ceux-ci pourraient maintenant être faits comme projectiles (POV) de point de vue, comme en Sidney ont dessiné le l'histoire du gant (1915), où un projectile tenu dans la main bancal d'une porte et son trou de la serrure représente la POV d'un homme ivre. Dans la pauvre petite fille riche (1917) de un appareil-photo tiré inclinaison en longueur est prévu pour donner la démence, et par 1918 l'idée a eu en Russie, dans le Baryshnya i (Madame et le voyou) khuligan, où l'infatuation du voyou avec Madame est donné par son point de vue de elle coupant en image superposée par multiplication. L'utilisation (en général de la forme tordue) des images anamorphic apparaît d'abord en ces années avec de la La Folie du Docteur Tube (la folie de Dr. Tube) de d'Abel Gance. En ce film l'effet d'une drogue administrée à un groupe de personnes a été suggéré en tirant les scènes reflétées dans un miroir distorting du type de champ de foire. Plus tard nous avons le jusqu'à ce que les nuages roulent par (Victor Fleming, 1919), où l'Anamorphosis est employé pour dépeindre les effets de cauchemar de l'indigestion d'une façon comique. En fait, comme tant d'effets de film qui tordent la représentation de la réalité, l'anamorphosis a été la première fois employé exclusivement dans des contextes comiques.

" ; Cinema" poétique ; et symbolisme

Les effets symboliques assurés de la tradition littéraire et artistique conventionnelle ont continué à faire quelques aspects en films pendant ces années. Griffith la conscience vengeante (1914), le titre « la naissance de la pensée mauvaise » précède une série de trois projectiles du protagoniste regardant une araignée, et des fourmis mangeant un insecte, cependant à un point postérieur dans le film quand il dispose à tuer quelqu'un ces projectiles sont coupées directement dedans sans explication. Probablement en raison de l'influence de Griffith, 1915 était une grande année pour le symbolisme, les allégories, et les paraboles dans le cinéma américain. Films suivant les chiffres femelles invariablement inclus de cet itinéraire dans la lumière, rideaux bien justes, et ne portant en effet parfois rien, faisant des danses « expressives » ou des poses en plastique saisissantes dans les arrangements sylvains. Les titres incluent les hypocrites , la jeunesse , quelqu'un d'autre de de de Lois Weber de du de Vitagraph la pureté de , et ainsi de suite. que le chemin de primevère démarre par une grande peinture illustrant le concept, qui se dissout dans une reproduction de la même scène avec des acteurs posés, et alors ils viennent à la vie. Ceci est alors amplifié par les représentations plus étroitement détaillées d'action de phase des stations sur « le chemin de primevère ». Un exemple allemand intéressant de quelques ans après est l'opium (1919) de de Robert Reinert, qui a quelques innovations notables dans l'utilisation des projectiles d'insertion d'aider à donner la sensation des rêveries de drogue. Ce sont les projectiles de déplacement de paysage pris d'un bateau descendant un fleuve, et elles sont intentionnellement tirées hors focale, ou upside-down underexposed, ou coupe dans le film.

L'art et la littérature de Symbolist du tournant du siècle ont également eu un effet plus général sur un nombre restreint de films faits en Italie et en Russie. L'acceptation en supination de la mort résultant de la passion et des désirs ardents interdits était un dispositif important de cet art, et les états de démence ont demeuré étaient dessus longuement importants aussi bien. Tous les premiers exemples russes étaient ont fait par le Yevgeni Bauer pour Khanzhonkov pendant la première guerre mondiale, et incluent le nochi de Grezy, de vechnoi de Schastye, et le smerti , tout de Posle de de 1915. Ceux-ci vivent dans une certaine mesure jusqu'à la promesse de l'esthétique « décadent » suggérée par leurs titres ; Rêveries de , bonheur de la nuit éternelle , et après la mort . Le nochi de vechnoi de Schastye de inclut une vision visuellement très saisissante d'a méduse-comme le monstre superposé à une scène de neige de nuit, et le smerti* de *Posle a une vision rêveuse légèrement plus subtile d'une fille morte, sélectionnée par l'éclairage supplémentaire d'arc, marchant par un champ de maïs wind-blown dans le crépuscule. En Italie, un autre pays légèrement d'isolement filmically par la guerre, le même genre de réalisation du symbolist décadent du fin-de-siecle esthétique peut être trouvé, la plupart du temps en films liés au phénomène de « diva ». L'exemple le plus complet, qui a également le décor à assortir, est nero de gatto de l'IL de de Charles Kraus (le chat noir) . Ce dernier est un des quelques films de cette sorte pour employer les projectiles atmosphériques d'insertion pour intensifier l'humeur. Le premier film a explicitement prévu par son fabricant pour être un analogue visuel de la poésie, Rose-France (1919) de de Marcel L'Herbier de , continue plus loin le long de ces mêmes chemins.

Projectiles d'insertion de

L'utilisation des projectiles d'insertion, c. étroit se lève des objets autres que des visages, a été établi très tôt, mais indépendamment de la caisse spéciale d'insertions d'une lettre qui était lue par un des caractères, ils ont été rarement employés avant 1914. Elle est vraiment seulement avec son *The vengeant Conscience* de 1914 qu'une nouvelle phase dans l'utilisation du projectile d'insertion commence. Comme les insertions symboliques déjà mentionnées, le la conscience vengeante a également fait à utilisation étendue des un grand nombre la grande fin vers le haut des projectiles de saisir des mains et de taper des pieds afin de souligner ces parties du corps comme indicateurs de tension psychologique. Griffith jamais n'est jusqu'ici allé dans cette direction encore, mais son utilisation de l'insertion a fait sa vraie impression sur d'autres réalisateurs de film américains pendant les années 1914-1919. DeMille était un personnage éminent dans la plus grande utilisation de l'insertion, et d'ici 1918 il avait atteint le point d'inclure environ 9 insertions dans chaque 100 projectiles dans le le choeur de chuchotement . Il a également poussé l'insertion dans des secteurs de sensualité visuelle inaccessibles à D. Griffith, avec des images telles qu'une fin vers le haut d'un oisillon silver-plated de revolver dans une pile des rubans sexy de soie dans un tiroir dans de vieilles épouses de pour nouveau (1918).

L'insertion atmosphérique

Comme beaucoup d'autres dispositifs qui étaient plus en pleine maturité en Europe pendant la décennie suivante, ce qui pourrait s'appeler « l'insertion atmosphérique tirée » fait sa apparition en films américains pendant les années avant 1919. Ce genre de projectile est un dans une scène que ni ne contient les caractères l'uns des dans l'histoire, ni est un point de vue tiré vu par l'un d'entre eux. Un exemple tôt est en de Maurice Tourneur que la fierté du clan (1917), dans lequel il y a des séries de projectiles des vagues battant sur un rivage rocheux qui sont montrées quand le lieu de l'histoire, qui a lieu au sujet des vies dures des gens de pêcheur, est présentée. Des exemples plus simples et plus bruts de la même année se produit dans le du du cerf de William S. de la traînée étroite , dans laquelle un projectile simple de la bouche de la Baie de San Franciso prise contre la lumière (la porte d'or ) est précédé par un titre narratif expliquant sa fonction symbolique dans l'histoire. Ce film contient également un projectile des collines sauvages et des vallées coupées dedans car des commentaires d'un caractère que le pays loin de la ville est si propre et pur. Par 1918 nous pouvons trouver un projectile du ciel étant employé pour refléter l'humeur d'un des caractères sans explication spécifique dans le la femme ( Frank Borzage ) de pistolet, mais il doit souligner que ces exemples sont très rares, et puis n'a pas fait ou, ou dans les plusieurs années à venir, constituer la pratique régulière dans le cinéma américain. L'exemple de Tourneur juste également mentionné a pu se tenir en tant qu'élément du commencement du « ordre de montage ». Nelson de de Maurice Elvey de - le héros naval immortel (1919) de l'Angleterre a un ordre symbolique se dissoudre d'une image de Kaiser Wilhelm Ii à un paon, et puis à un cuirassé. L'insertion atmosphérique a commencé sa carrière notable dans le cinéma européen d'art dans le Rose-France de de Marcel L'Herbier de . Ici parmi les utilisations intentionnellement « poétiques » des vignettes et les filtres et les intertitles littéraires, un projectile du chemin vide une fois marché par les amoureux est employé pour évoquer le passé.

Cinéma de continuité

Les années 1914-1919 en Amérique ont également vu la consolidation des formes de ce qui était de devenir le mode dominant du cinéma commercial : « cinéma de continuité », ou « cinéma classique ». Au cours de cette période il y avait d'autres modèles qui étaient encore importants, et ceux-ci peuvent être considérés comme pour se trouvers le long d'un spectre entre les meilleurs exemples du « cinéma de continuité » à une extrémité, et à l'autre extrémité le « cinéma de discontinuité » de D. Il y a un certain nombre de facteurs impliqués dans les discontinuités visuelles fortes et apparentes entre les projectiles successifs en films de Griffith, et l'utilisation de cross-cutting entre les actions parallèles est seulement la plus évidente de ces derniers. En 1915, les coupes dans la durée d'une scène étaient toujours relativement peu fréquentes en ses films, et quand ils se produisent ils étaient fréquemment de la possibilité éloignée ou de la possibilité éloignée moyenne (qui étaient les projectiles qu'il a plus employés) à une grande fin vers le haut d'un détail d'insertion, qui a seulement occupé une petite partie de l'armature dans le projectile précédent. Ceci présente en soi une discontinuité visuelle assez forte à travers la coupe, mais aussi bien que celui, le projectile cut-in pourrait souvent avoir un masque circulaire de vignette si c'étaient une fin vers le haut d'une personne, renforçant ainsi l'effet. Et parfois l'iris-dehors maintenant-standard de Griffith et iris-dans pourrait également être laissé sur le projectile inséré, quoiqu'il ait eu la continuité d'action avec les projectiles de chaque côté de lui. Comme tout ce là était l'habitude de Griffith d'entrer l'action dans un autre projectile dans un espace contigu, et en arrière encore s'il était à tout possible, qui a produit un changement marqué de fond, qui puis a également apporté sa petite contribution à la discontinuité entre les projectiles. Une des techniques avancées de continuité implique la manière exacte que le mouvement des acteurs d'un projectile dans un endroit à l'autre dans un endroit voisin est manipulé. Au mieux ce genre de transition avait été précédemment traité par avoir les directions du voyage de l'acteur dans les deux projectiles correspondent sur l'écran, mais dans un film tel que le le destin (Jack Adolfi, 1914), un du cambrioleur de banque peut voir les transitions de projectile dans lesquelles une coupe est faite à partir d'un acteur laissant juste l'armature, à un projectile de lui bien à l'intérieur de l'armature dans un endroit contigu, qui ont les positions et les directions si bien choisies qu'à l'oeil occasionnel son mouvement semble tout à fait continu, et les vrais points de suspension de l'espace et de temps entre les projectiles sont cachés. D'autres bons exemples de cette technique pour éliminer plusieurs yards de l'espace de rebut et quelques secondes du temps de rebut peuvent être vus en films de Ralph Ince, en particulier la fille droite (1915), et d'ici 1919 où ils ont été largement répandus en films américains, mais pas dans ceux a fait en Europe. Tout ceci se relie à l'élévation de l'utilisation de la coupure à différents angles dans une scène pendant les années 1914-1919, et en particulier au développement du découpage de renversé-angle.

découpage de Renversé-angle

La coupure à différents angles du dans une scène est maintenant devenue bien établie comme technique pour disséquer une scène dans des projectiles en films américains. Cette approche a eu apparu plusieurs fois en premières années, mais coupe en général à ou d'un projectile plus étroit dans une scène étaient faites toujours plus ou moins en bas de l'axe d'objectif comme établi dans la possibilité éloignée de la scène en question. La forme particulière de coupure à différents angles dans une scène dans laquelle les changements de direction par plus de quatre-vingt-dix degrés s'appelle le découpage de renversé-angle par des réalisateurs de film. Le personnage éminent dans le plein développement du découpage de renversé-angle était Ralph Ince. Les films qu'il a faits chez Vitagraph en 1915 tel que le à la fille droite et le son amoureux fantôme ont un grand nombre de renversé-angle coupe dedans l'intérieur, aussi bien que l'extérieur, des scènes. D'autres directeurs commençaient également juste à prendre ce modèle en 1915, par exemple cerf de William S. de dans le mauvais mâle de de Santa Ynez .

Quant à Griffith, dans la naissance de d'une nation il y a juste huit projectiles de renversé-angle de coupes dans la scène dans le théâtre de Ford, alors qu'ailleurs dans toute la longueur de l'heure two-and-a-half de ce film il y a seulement quatre coupes plus véritables de renversé-angle. Néanmoins, le modèle de Griffith du film-making était encore suivi dans sa pleine idiosyncrasie, avec l'utilisation étendue des espaces side-by-side et d'un « avant » défini pour l'appareil-photo, dans la plupart de comédie slapstick. Les directeurs des films dramatiques qui avaient fonctionné Griffith également ont suivi son modèle assez de près, et lui la norme pour des films faits par sa section d'beaux-arts de la compagnie de triangle.

D'ici 1916 il y a un certain nombre de films en lesquels il y a environ 15 à 20 véritables coupes de renversé-angle par cent transitions de projectile, telles que le le déserteur (Scott Sidney) et le droit allant. Vers la fin de la guerre de tels films ont fait partie appréciable mais mineure de production : par exemple le femme (F. Borzage, 1918) de pistolet et Jubilo (Clarence Badger, 1919). Tout ce cinéma européen à peine intéressé, où ces quelques coupes de renversé-angle utilisées étaient la plupart du temps entre un observateur et ce qu'il voit de son point de vue, tous les deux étant filmé dans un projectile assez éloigné. Cependant, après que la fin de la guerre certains des jeunes directeurs plus intelligents tels que Lubitsch ait commencé à employer uns des coupes de renversé-angle, la plupart du temps en association avec le découpage de point de vue.

Le retour en arrière

L'utilisation des structures de retour en arrière continues pour se développer dans cette période, et la manière habituelle d'écrire et de laisser un retour en arrière était par une dissolution, et ceci était en fait l'utilisation principale à cette heure pour ce dispositif. Le de la compagnie de Vitagraph l'homme qui pourrait avoir été (William Humphrey, 1914), est bien plus complexe, avec une série de rêveries et de retours en arrière qui contrastent le vrai passage du protagoniste par la vie avec ce qui pourrait avoir été, si son fils n'était pas mort. En ce film se dissout sont employés pour écrire et laisser les retours en arrière, et également les souhaiter-rêves, et également pour une Temps-faute à l'intérieur d'une rêverie à un point. Mais se fane sont également employés dans ces buts en cela et d'autres films de la période, et des transitions de retour en arrière sont également faites avec iriser en d'autres films, et même les coupes droites. Pendant la Première Guerre Mondiale l'utilisation des retours en arrière s'est produite en films de tous les pays européens principaux de film-making aussi bien, d'Italie (reale de Tigre de ) au Danemark ( Evangeliemandens Liv ) en Russie ( Grezy et smerti de Posle de ), où elle est arrivée en 1915.

Pendant que les années se déplaçaient sur un déclin soudain dans l'utilisation du long ensemble d'ordres de retour en arrière dedans environ 1917, mais d'une part l'utilisation d'une transition à et d'une brève scène de mémoire de projectile simple est resté tout à fait commun en films américains. Cependant, il pourrait encore y a une construction bien plus complexe de retour en arrière en films américains dans le cas de de du W. Van Dyke's Madame de la pirogue (1918). Ce film a une histoire qui s'est produite longtemps avant ce qui est relaté par un caractère dans la scène de encadrement, et au commencement accompagné de son dialogue de narration dans les intertitles, cependant après un moment ceci s'arrête, et les intertitles puis donnent le dialogue se produisant dans le retour en arrière. À l'intérieur de ce retour en arrière principal là développe cross-cutting à une autre histoire, se produisant en même temps, et d'abord apparemment déconnecté avec elle, bien que le raccordement apparaisse par la suite. Après, à l'intérieur de ce premier retour en arrière, Madame du titre relate une autre histoire, présentée sous la forme de retour en arrière, mais avec des écorchés à l'intérieur de elle de nouveau aux événements se produisant dans le délai de temps dans lequel elle fait sa narration. En fait, tout il est assez facile suivre ce tout en observant le film, en partie parce que ce qui se produit dans toutes ces cordes d'action est relativement simple.

Cross-cutting entre les actions parallèles

Après 1914 cross-cutting entre les actions parallèles est venu pour être employé toutes les fois qu'approprié en films américains, bien que ce n'ait pas été le cas en films européens. Il convient noter que la beaucoup de l'utilisation américaine de cross-cutting n'était pas l'alternance rapide entre les chaînes parallèles de l'action développées par D. Griffith, mais un nombre limité d'alternances pour permettre pour omettre le peu inintéressant de l'action sans la vraie parcelle de terrain fonctionnent. En Europe, certains des directeurs les plus entreprenants ont employé cross-cutting parfois, mais ils n'ont jamais atteint la vitesse des nombreux exemples américains de cette technique.

Cross-cutting a été également employé pour obtenir de nouveaux effets de contraste, tels que l'ordre de cross-cut en de Cecil B. DeMille le choeur de chuchotement , dans lequel un mari censément mort a une liaison avec une prostituée chinoise dans un repaire d'opium, alors que simultanément son épouse unknowing remarried dans l'église. Tout c'était simple comparé au de D. Griffith l'intolérance (1916), dans laquelle quatre histoires parallèles sont intercut dans tout la longueur entière du film, bien que dans ce cas-ci les histoires soient plus semblables que contrastant en leur nature. L'utilisation de cross-cutting dans ces histoires parallèles comme entre elles a produit une complexité qui était au delà de la compréhension de l'assistance moyenne du temps. L'influence de l'intolérance de a produit quelques autres films qui ont combiné un certain nombre d'histoires semblables ayant les thèmes semblables, tels que le femme (1918) de de Maurice Tourneur, mais l'échec de caisse de l'intolérance de s'est assuré que ceux-ci les films postérieurs ont eu des structures plus simples.

Le développement de l'art de film

La tendance générale dans le développement du cinéma, mené à partir des Etats-Unis, était vers utiliser les dispositifs spécifiquement filmiques developpés récemment pour l'expression du contenu narratif des histoires de film, et combiner ceci avec les structures dramatiques standard déjà en service dans le théâtre commercial. Griffith a eu la position la plus élevée parmi les directeurs américains dans l'industrie, fondamentalement en raison de l'excitation dramatique qu'il est entrée dans ses films. Mais il y avait d'autres qui ont été également considérés en tant que figures importantes alors. Le premier de ces derniers était un Cecil B. DeMille , dont les films, tels que le la fraude (1915), ont mis en évidence les dilemmes moraux faisant face à leurs caractères d'une manière plus subtile que Griffith. DeMille était également dedans un contact plus étroit avec la réalité de la vie américaine contemporaine. Le Maurice Tourneur a été également fortement rangé pour les beautés imagées de ses films, ainsi que la subtilité de sa manipulation de l'imagination, alors qu'en même temps il était capable d'obtenir un plus grand naturalisme de ses acteurs aux moments appropriés, comme dans le la folie (1917) d'une fille. Le Sidney a dessiné était le chef dans « la comédie polie » se développante, alors que la comique était raffinée par le Arbuckle gras et le Charles Chaplin , que toutes les deux ont commencés par la compagnie de clef de voûte de de Mack Sennet de . Ils ont réduit le pas frénétique habituel des films de Sennett pour donner à l'assistance une chance d'apprécier la subtilité et la finesse de leur mouvement, et l'habileté de leurs bâillons. D'ici 1917 Chaplin présentait également une parcelle de terrain plus dramatique dans ses films, et mélangeait la comédie au sentiment.

En Russie, le Evgeni Bauer a mis une intensité lente de l'action combinée avec des traits de Symbolist sur le film d'une manière unique.

En Suède, le Victor Sjöström a fait une série des films qui ont combiné les réalités des vies des personnes avec leurs environnements d'une façon saisissante, tandis qu'une comédie sophistiquée développée plus immobile de Mauritz à un nouveau niveau.

En Allemagne, le Ernst Lubitsch a obtenu son inspiration du travail d'étape du Reinhardt maximum , dans la comédie bourgeoise et dans le spectacle, et s'est appliqué ceci à ses films, aboutissant à son meurent Puppe (la poupée), meurent Austernprinzessin (princesse d'huître) et Madame Dubarry de .

Hollywood triomphant

Jusqu'à ce point, les cinémas du France et du Italie avaient été le plus globalement les populaires et puissants. Mais le Etats-Unis gagnait déjà rapidement quand la Première Guerre Mondiale (1914-1918) de a causé une interruption dévastatrice dans les industries cinématographiques européennes. L'industrie américaine, ou " ; Hollywood , " ; pendant qu'il devenait notoire après son nouveau centre géographique dans le la Californie , a gagné la position qu'elle s'est tenue, plus ou moins, depuis : usine de film pour le monde, exportant son produit vers la plupart des pays sur terre et commandant le marché dans bon nombre d'entre elles.

Par les années 20, les États-Unis ont atteint ce qui est toujours son ère du grand-jamais rendement, produisant une moyenne du dispositif de 800 filment annuellement, ou 82% du total global (Eyman, 1997). Les comédies du Charlie Chaplin et le Buster Keaton , le swashbuckling des aventures de Douglas Fairbanks et les romances du Clara cintrent , pour citer juste quelques exemples, visages ont rendu ces interprètes des' bien connus sur chaque continent. La norme visuelle occidentale qui deviendrait continuité classique de éditant a été développée et a exporté - bien que son adoption ait été plus lente dans quelques pays non-occidentaux sans traditions réalistes du fort dans l'art et le drame, tel que le Japon .

Ce développement était contemporain de la croissance du système de studio de et de sa plus grande méthode de publicité, le système d'étoile de , qui a caractérisé le film américain pendant des décennies pour venir et si des modèles pour d'autres industries cinématographiques. Les studios' efficaces, contrôle de haut en bas de toutes les étapes de leur produit ont permis un nouveau et toujours croissant niveau de production somptueuse et de sophistication technique. En même temps, la réglementation du système et le foyer commerciaux sur l'Escapism fascinant ont découragé oser et ambition au delà d'un certain degré, un exemple typique étant la brève mais encore légendaire carrière de direction du iconoclaste Erich von Stroheim vers la fin des années de l'adolescence et du `20s.

Film du monde à la crête des silents

Mais même maintenant, la dominance du divertissement traditionnel de Hollywood n'était pas aussi forte qu'elle serait, et les solutions de rechange étaient largement toujours vues et influentes.

En 1915, après qu'une interdiction ait été finie sur les importations étrangères dans le France le premier prix de Hollywood a inspiré la naissance de l'avant-garde cinématographique . Un groupe de réalisateurs de film a commencé à expérimenter avec des effets optiques et imagés aussi bien que l'édition rhythmique. La tendance est devenue notoire comme cinéma impressionniste français .

Le Allemagne était le concurrent le plus fort de l'Amérique. Sa contribution plus distinctive était les mondes foncés et hallucinatoires de l'expressionisme allemand , qui ont avancé la puissance de la présentation anti-réaliste de mettre les états d'esprit internes à l'écran, comme fortement influencée le genre naissant de l'horreur .

Le cinéma soviétique du nouveau-né était le plus radicalement l'innovateur. Là, le métier de l'édition, particulièrement, a augmenté en avant, allant au delà de son rôle précédent en avançant une histoire. Le Sergei Eisenstein a perfectionné la technique du soi-disant dialectale ou le montage intellectuel , qui a tâché de faire à non linéaire, s'opposant souvent violemment, images expriment des idées et provoquent des réactions émotives et intellectuelles dans la visionneuse.

En attendant, le film silencieux de la première dispositif-longueur a été fait dans le Inde par le Dadasaheb Phalke , considéré le père du cinéma indien . Le film était le rajah Harishchandra (1913) de de la curiosité , et il a jeté les fondements pour une série de films d'époque. Par la décennie suivante le rendement du cinéma indien était une moyenne de 27 films par an.

Les avant-gardes culturelles d'un certain nombre de pays ont travaillé avec des shorts des films expérimentaux la plupart du temps, cette récit linéaire le plus célèbre complètement abandonné et abstraction embrassée, esthétisme pur et le subconscient irrationnel, dans les premiers travaux du surréaliste Luis Buñuel du espagnol . Par certains côtés, en fait, cette décennie a marqué la première fente sérieuse entre le courant principal, " ; popular" ; " de film et de ; art" ; film .

Mais même dans le courant principal, l'amélioration était rapid, apportant le film silencieux à ce qui s'avérerait être son sommet esthétique. Les possibilités de la cinématographie continuée augmenter comme appareils-photo sont devenues des stocks plus mobiles (grâce à de nouveaux perches et chariots ) et de de film plus sensibles et souples. Le de action d'écran est devenu plus d'un métier, sans son exagération théâtrale plus tôt et réaliser une plus grande subtilité et un réalisme psychologique . À mesure que l'éloquence visuelle augmentait, la confiance dans des intertitles a diminué ; le film occasionnel, tel que le de s de Murnau F. ' le dernier rire (Allemagne, 1926) même les a évités tout à fait. Paradoxalement, à environ cette fois, la période de cinéma silencieux a fini.

L'ère saine

L'expérimentation avec la technologie du film sain , pour l'enregistrement et le playback, était pratiquement constante tout au long de l'ère silencieuse, mais il avait été difficile surmonter les problèmes jumeaux de la synchronisation précise et de l'amplification suffisante (Eyman, 1997). En 1926, le Warner Bros. de studio de Hollywood a présenté le " ; Vitaphone " le système, produisant des courts-métrages des actes et des personnes publiques de divertissement de phase et ajoutant le a enregistré des effets sains de et des points orchestraux à certains de ses dispositifs importants. Pendant 1927 en retard, Warners a libéré le le chanteur de jazz, qui était la plupart du temps silencieux mais a contenu le premier dialogue synchronisé (et le chant) dans un long-métrage. C'était un grand succès, de même que des suivis comme le du de Warners les lumières de New York (1928), le premier dispositif de tout-synchroniser-bruit. Les processus tôt du Bruit-sur-disque tels que Vitaphone ont été bientôt remplacés par des méthodes du Bruit-sur-film comme le Movietone de Fox, déboisent le Phonofilm , et le Photophone de RCA de . La tendance a convaincu les industriels en grande partie réticents qui " ; pictures" parlant ; , ou " ; films parlants, " ; était le futur.

Impact d'industrie de bruit

Le changement était remarquablement rapide. Vers la fin de 1929, Hollywood était presque tout-film parlant, avec plusieurs systèmes de son de concurrence (bientôt être normalisé). Le changement total était légèrement plus lent dans le reste du monde, principalement pour des raisons économiques. Les raisons culturelles étaient également un facteur dans les pays comme le Chine et Japon , où les silents ont coexisté avec succès avec le bruit bien dans les années 30, produisant en effet ce qui serait certains des classiques les plus vénérés dans ces pays, comme le Wu Yonggang ' de s la déesse (Chine, 1934) et le de s d'Ozu Yasujiro 'j'étais né, mais… (Japon, 1932). Mais même au Japon, une figure telle que le benshi , le narrateur de phase de qui était une partie de cinéma silencieux japonais, a trouvé que sa carrière temporaire finissait.

Le bruit autre a serré la poignée des studios importants dans de nombreux pays : les vastes dépenses de la transition ont accablé de plus petits concurrents, alors que la nouveauté du bruit leurrait des assistances énormément plus grandes pour ces producteurs qui sont restés. Dans le cas des États-Unis, quelques historiens attribuent au bruit sauver le système de studio de Hollywood face à la Grande Dépression (Parkinson, 1995) de . A ainsi commencé ce qui s'appelle maintenant souvent le " ; L'âge d'or de Hollywood, " ; ce qui se réfère rudement au commencement de période avec l'introduction du bruit jusqu'à la fin des années 1940. Le cinéma américain a atteint sa crête du charme efficacement construit et de l'appel global au cours de cette période. Les acteurs supérieurs de l'ère sont maintenant considérés en tant que stars de cinéma classiques, telles que le Clark Gable , le Katharine Hepburn , le Humphrey Bogart et la plus grande aspiration de caisse des années 30, le temple de Shirley de d'interprète d'enfant.

Impact créateur de bruit

Créativement, cependant, la transition rapide était difficile, et par certains côtés, filmer brièvement retourné aux conditions de ses jours plus tôt. La fin des années 1920 était pleine de la charge statique, films parlants de stagey car les artistes devant et derrière l'appareil-photo ont lutté avec les limitations rigoureuses de l'équipement sain tôt et de leur propre incertitude quant à la façon utiliser le nouveau milieu. Beaucoup présentent des interprètes, directeurs et des auteurs ont été présentés au cinéma pendant que les producteurs cherchaient le personnel expérimenté dans la fabulation dialogue-basée. Beaucoup de réalisateurs de film et d'acteurs silencieux importants ne pouvaient pas s'ajuster et fonder leurs carrières a sévèrement raccourci ou même a fini.

Cette période maladroite était assez de courte durée. 1929 était une année de ligne de partage : Le William Wellman avec les nuits de Chinatown de et le l'homme I aiment , Rouben Mamoulian avec les applaudissements , Alfred Hitchcock de avec le chantage (dispositif de du premier bruit de la Grande-Bretagne), étaient parmi les directeurs pour apporter une plus grande fluidité aux films parlants et une expérience avec l'utilisation expressive du bruit (Eyman, 1997). En cela, eux les deux bénéficiés de, et autres, techniques avances poussées dans les microphones et les appareils-photo, et possibilités pour éditer et poteau-synchroniser le bruit (plutôt qu'enregistrant tout le bruit directement à l'heure du pelliculage).

Les films sains ont souligné et ont bénéficié les différents genres davantage ainsi que les silents ont fait. Le plus évidemment, le film musical était né ; le premier musical de Hollywood de classique-modèle était la mélodie (1929) de Broadway et la forme trouverait son premier créateur de commandant dans le bonnet de fourrure Berkeley (rue , 1933, dames , 1934 de du chorégraphe /director de de quarante-deuxième de de ). En France, le avant-garde René Clair de directeur fait utilisation surréaliste du de chanson et danse dans les comédies aiment le sous les toits de Paris (1930) et le le million (1931). La tendance a prospéré mieux dans le Inde , où l'influence du pays traditionnel chanson-et-dansent le drame fait le musical la forme de base de la plupart des films sains (cuisinier, 1990) ; pratiquement inaperçu par le monde occidental pendant des décennies, ce cinéma populaire indien néanmoins deviennent le monde le plus prolifique. (le voient également le Bollywood . )

Actuellement, films américains de bandit comme le le de petit de César de et de Wellman l'ennemi public (les deux 1931) est devenu populaire. Le dialogue a maintenant pris la priorité au-dessus du " ; slapstick" ; dans des comédies de Hollywood : la plaisanterie rapide et pleine d'esprit du Front Page (1931) ou du il s'est produit pendant une nuit (1934), les doubles entrendres sexuels de l'ouest de Mae ( elle faite le faux , 1933) ou souvent subversivement l'entretien anarchique de non-sens des frères (potage de canard de , 1933) de Marx de . 1939, une année importante pour le cinéma américain, a apporté à des films tels que le le Wizard Of Oz et le allé avec le vent .

Les années 40 : la guerre et les années d'après-guerre

Le désir pour la propagande de temps de guerre a créé une Renaissance dans l'industrie cinématographique en Grande-Bretagne, avec des drames réalistes de guerre comme le parallèle (1941), de Forty-Ninth de de est bien allé le jour ? (1942), la manière en avant (1944) et Noel Coward et David Lean 's ont célébré le naval de de film dans lequel nous servons en 1942, qui a gagné un prix de l'Académie spécial . Ceux-ci ont existé à côté des films plus flamboyants comme le Michael Powell et le Emeric Pressburger ' de s la vie et mort du colonel le dirigeable souple (1943), un conte (1944) de Cantorbéry et une question de la vie et mort (1946), comme le Henry V de du film du 1944 de s d'Olivier Laurence ', a basé sur le shakespearien Henry V l'histoire .

Le début de l'intervention des USA dans le WWII a également apporté une prolifération des films en tant que le patriotisme et propagande . Les films américains de propagande ont inclus pour toujours le voyage désespéré de , la Mme Miniver de , le et un jour et Birmanie objective . Les films américains notables des années de guerre incluent la montre anti - nazie de sur le Rhin (1943), préétabli par le Dashiell Hammett ; ombre de d'un doute (1943), la direction de Hitchcock d'un manuscrit par le Thornton un plus sauvage ; le Biopic de George M. Cohan , griffonnage élégant (1942) de Yankee de , se tenant le premier rôle James Cagney , et le immensément populaire Casablanca de , avec le Humphrey Bogart . Bogart se tiendrait le premier rôle en 36 films entre 1934 et 1942 comprenant le de s de Huston John le 'le faucon maltais (1941), un des premiers films a maintenant considéré un noir classique de film de .

Les restrictions du temps de guerre ont également apporté un intérêt pour des sujets plus fantastiques. Le de mélodramas de Gainsborough du de la cette Grande-Bretagne incluse ( y compris de l'homme dans gris et Madame mauvaise ), et les films comme le ici vient M. Jordanie , le ciel de peut attendre , j'ai marié une sorcière et l'esprit joyeux de . Le Val Lewton a également produit une série de films atmosphériques et influents de l'horreur de petit-budget, certains des exemples plus célèbres étant les personnes de chat de , île de du mort et le Snatcher de corps . La décennie a probablement également vu le soi-disant " ; les images des femmes, " ; comme le maintenant, le Voyager , la moisson aléatoire de et le Mildred Pierce de à la crête de leur popularité.

En 1941, le RKO décrit citoyen libéré Kane fait par le Orson Welles . Ce consided souvent le plus grand film de toute l'heure. Il préparerait le terrain pour le de cinéma moderne, en tant que lui a révolutionné le dire d'histoire de film.

1946 ont vu le de libération par radio de de RKO que c'est une vie merveilleuse dirigée par le Capra de Frank de . Les soldats retournant de la guerre fourniraient l'inspiration pour des films comme le les meilleures années de nos vies , et beaucoup de ceux dans l'industrie cinématographique avaient servi dans une certaine capacité pendant la guerre. Le expériences de s de Samuel un plus plein les 'de WWII influenceraient ses films en grande partie autobiographiques des décennies postérieures telles que le le grand rouge un . Le le studio de l'acteur a été fondé en octobre 1947 par le Elia Kazan , le Robert Lewis , et le Cheryl Crawford , et le numéro 1 de peinture de mouvement de filmé par d'Oskar Fischinger de de même année.

En 1943, le Ossessione a été examiné en Italie, marquant le commencement du neorealism italien . Les films importants de ce type pendant les années 40 ont inclus les voleurs de bicyclette de , le Rome de , la ville ouverte , et le Terra Trema de La de . En le 1952 de Umberto D a été libéré, habituellement considéré le dernier film de ce type.

Vers la fin des années 40, en Grande-Bretagne, les studios d'Ealing de se sont embarqués sur leur série de comédies célébrées, y compris le whiskey de en abondance ! , passeport de à Pimlico , coeurs de et couronnes et l'homme dans le costume blanc , et aimables Carol tubulaire ont dirigé son homme impair dehors de récits à suspense de influent de , l'idole tombé et le troisième homme . Le David Lean devenait également rapidement une force dans le cinéma du monde avec la rencontre de dossier de et ses grandes expectatives de d'adaptations de Dickens et le Oliver Twist de , et le Michael Powell et le Emeric Pressburger éprouveraient le meilleur de leur association créatrice avec des films comme les narcisses de noir de et le le rouge chausse .

Les années 50

Le Comité Un-American Hollywood étudié par d'activités de Chambre de au début des années 50. Le a protesté par le Hollywood Dix devant le comité, les auditions a eu comme conséquence le mettant sur la liste noire de beaucoup d'acteurs, auteurs et directeurs, y compris Chayefsky, Charlie Chaplin , et Dalton Trumbo , et beaucoup de ces derniers sauvés au l'Europe , particulièrement Royaume-Uni.

Le goût de l'époque de l'ère de guerre froide de traduit en type de paranoïa near- s'est manifesté dans les thèmes tel que les armées de envahissement de des étrangers mauvais , (invasion de des Snatchers de corps , de la guerre des mondes ) ; et chroniqueurs ( communiste du cinquièmes de le candidat mandchou ).

Pendant les années d'après-guerre immédiates l'industrie cinématographique a été également menacée par la télévision , et la popularité croissante du milieu a signifié que quelques théâtres de film ruineraient et se fermeraient. La cession du " ; system" de studio ; a stimulé l'individu-commentaire des films comme le boulevard (1950) de coucher du soleil de et le le mauvais et le beau (1952).

En 1950, les avante-gardists de Lettrists ont causé des émeutes au festival de film de Cannes , quand le traité de s d'Isou Isidore le 'sur la boue et l'éternité a été examiné. Après que leur critique de Charlie Chaplin et fente avec le mouvement, le Ultra-Lettrists ait continué à causer des ruptures quand elles ont montré à leur nouveau des techniques hypergraphical de . Le film le plus notoire est le bombes de s de Debord type des 'en faveur de DeSade de 1952.

Affligé par le nombre croissant de théâtres fermés, les studios et les compagnies trouveraient de nouveaux et innovateurs moyens d'amener des assistances arrières. Ces tentatives incluses d'élargir littéralement leur appel avec de nouveaux masques d'écran. Le Cinemascope , qui demeurerait une distinction de 20th Century Fox jusqu'en 1967, a été annoncé avec le du 1953's la robe longue . Le VistaVision , le cinérama , a revendiqué un 50|pi|m|femme de sing=on}}|" ; plus grand est le better" ; approche de aux films de la vente à une assistance de la diminution USA. Ceci a eu comme conséquence la renaissance des films épiques pour tirer profit des nouveaux grands masques d'écran. Certains des exemples les plus réussis des ces le des spectaculars historiques bibliques de et incluent le les Dix commandements (1956), le les Vikings (1958), le Ben-Hur (1959) de , le Spartacus (1960) de et l'EL Cid (1961) de .

Les trucs ont également proliféré pour leurrer dans les assistances. La manie pour le film à trois dimensions durerait pendant seulement deux années, 1952-1954, et Chambre aidée de de vente de la cire et de créature de de la lagune noire . Le château de William de de producteur espionnerait des films comportant le " ; Emergo" ; " ; Percepto" ; , le premier d'une série de trucs qui resteraient les outils populaires de vente pour le château et d'autres tout au long des années 60.

Aux États-Unis, une tendance post-WW2 vers remettre en cause l'établissement et les normes sociales et le premier activisme du mouvement de droits civiques de a été reflété en films de Hollywood tels que la jungle (1955) de tableau noir de , le sur bord de mer (1954), les hommes fâchés (1957) du 12 de de s de Chayefsky ' Marty de de de s et Rose Reginald 'de paddy de .

La beauté de sommeil de du de Disney a été libérée le 29 janvier , le 1959 par le la compagnie de Walt Disney après presque une décennie dans la production.

À travers le globe, les années 50 ont marqué une période très productive pour le cinéma indien , avec plus de 200 films étant faits. Les films indiens ont également gagné une plus grande identification par des films comme le Pather Panchali (1955), du raie de gain en critique acclamé de Satyajit de de directeur du prix de l'Académie . La télévision a commencé à concurrencer sérieusement des films projetés dans les théâtres, mais étonnant elle a favorisé plus de moviegoing plutôt que le raccourcissant.

les années 60

Pendant les années 60 le système de studio dans le Hollywood a diminué, parce que beaucoup de films maintenant étaient faits sur l'endroit dans d'autres pays, ou en utilisant des équipements de studio à l'étranger, comme le Pinewood dans le Angleterre et le Cinecittà dans le Rome . " ; Hollywood" ; les films étaient toujours les assistances en grande partie visées de famille, et c'était souvent les films plus démodés qui ont produit les plus grands succès des studios. Les productions aiment le Mary Poppins (1964) de , le ma Madame juste (1964) et le le bruit de la musique (1965) étaient parmi les plus grands amasseurs d'argent de la décennie. La croissance aux producteurs et aux compagnies indépendants de production, et l'augmentation de la puissance de différents acteurs ont également contribué au déclin de la production traditionnelle de studio de Hollywood.

Il y avait également une conscience croissante de cinéma de langue étrangère au cours de cette période. Pendant la fin des années 1950 et les années 60 les directeurs français de la nouvelle vague tels que le François Truffaut et le Jean-Luc Godard ont produit des films tels que les coups de cents de quatre de Les de et le Jules et Jim de qui ont violé les règles de la structure narrative du du cinéma de Hollywood. Aussi bien, les assistances se rendaient compte des films italiens du comme le Federico Fellini 'le vita de dolce de La de de s et les drames rigides le Ingmar Bergman de s de la Suède de '.

En Grande-Bretagne, le " ; Cinema" libre ; du Lindsay Anderson , du Richardson élégant et de d'autres mener à un groupe de drames réalistes et innovateurs comprenant le samedi soir et dimanche matin , un genre d'aimer et cette vie sportive . D'autres films des Anglais tels que la répulsion de , le chéri de , le Alfie de , l'explosion de et la fille (tout de Georgy de en 1965-1966) aidée à réduire le sexe et la nudité de prohibitions sur l'écran, tandis que le sexe occasionnel et la violence des films de James Bond , commençant par le Dr. dans 1962 ne rendrait pas le mondial populaire de série.

Pendant les années 60, le Ousmane Sembène a produit plusieurs Français et films de la Wolof-langue et est allé bien au « père » du cinéma africain . Dans le Amérique latine la dominance du " ; Hollywood" ; le modèle a été contesté par beaucoup de réalisateurs de film. Le Fernando Solanas et Octavio Gettino a réclamé cinéma politiquement engagé un troisième contrairement à Hollywood et au cinéma européen de l'auteur .

De plus, la paranoïa nucléaire de l'âge, et la menace d'un échange nucléaire apocalyptique (comme les 1963 fermer-appeler avec le URSS pendant la crise cubaine de missile de ) ont incité une réaction au sein de la communauté de film aussi bien. Des films comme le Dr. Strangelove de s de Kubrick Stanley 'et le de sécurité avec le Henry Fonda ont été produits à Hollywood qui a été par le passé connu pour sa propagande manifeste de patriotisme et de temps de guerre.

En film documentaire les années '60 ont vu la floraison de Le cinéma direct , un modèle d'observation de la fabrication de film aussi bien que l'arrivée des films plus manifestement partisans aiment le par année du porc au sujet de la guerre de Vietnam par le Emile de Antonio . Par la fin des années 1960 cependant, les réalisateurs de film de Hollywood commençaient à créer des films plus innovateurs et plus d'inauguration qui ont reflété la révolution sociale assurée une grande partie du monde occidental tel que le mignon et le Clyde (1967), le bon, le mauvais, le laid (1967), le diplômé (1967), le '' 2001 : Une odyssée '' (1968) de l'espace, le bébé (1968) de Rosemary de , le cowboy de minuit (1969) de , le cavalier facile (1969) de et le le groupe sauvage (1969). le mignon et le Clyde est souvent considéré le commencement du soi-disant nouveau Hollywood .

les années 70 : « Nouveau Hollywood » ou cinéma postclassique

le «  nouveau Hollywood  » et « cinéma postclassique » sont des termes employés pour décrire la période suivant le déclin du système de studio de pendant les années 50 et les années 60 et la fin du code de production de . Pendant les années 70, les réalisateurs de film ont de plus en plus dépeint le contenu sexuel explicite et ont montré des scènes de combat d'armes à feu et de bataille ces des images graphiques incluses des décès sanglantes.

« Le cinéma postclassique » est un terme employé pour décrire les méthodes changeantes de fabulation du " ; Nouveau Hollywood" ; producteurs. Les nouvelles méthodes de drame et de caractérisation ont joué sur des espérances d'assistance acquises au cours de la période âge classique/d'or : la chronologie d'histoire peut être brouillée, des arguments peut comporter le " déstabilisant ; endings" de torsion ; , les caractères principaux peuvent se comporter d'une mode moralement ambiguë, et les lignes entre l'antagoniste et le protagoniste peuvent être brouillées. Les commencements de la fabulation postclassique peuvent être vus dans des films du noir de film de des années 40 et des années 50, en films tels que le rebelle de sans cause (1955), et dans le psychopathe du de Hitchcock.

Pendant les années 70, un nouveau groupe de réalisateurs de film américains a émergé, comme le Francis Ford Coppola , le Steven Spielberg , le George Lucas et le Brian de Palma . Ceci a coïncidé avec la popularité croissante de la théorie d'auteur de dans la littérature de film et les médias, qui ont posé en principe que les films d'un réalisateur expriment leur vision personnelle et perspicacités créatrices. Le développement du modèle d'auteur du cinéma a aidé à donner à ces directeurs un contrôle bien plus grand de leurs projets qu'aurait été possible dans des ères plus tôt. Ceci a mené à quelques grands succès critiques et commerciaux, comme le du de Coppola les films du parrain , les mâchoires de du de Spielberg et les rencontres de fin de du troisième aimable et Star Wars s de Lucas de George '. Il également, cependant, a eu comme conséquence quelques échecs, y compris la porte , qui de de s de Michael Cimino de Peter Bogdanovich 'l'amour de de s enfin et 'du ciel épique occidental énormement cher de ont aidé à provoquer la cession de son appui, les artistes unis par .

Le désastre financier de la porte du ciel de marquant l'extrémité du " visionnaire ; auteur" ; directeurs du " ; Nouveau Hollywood" ; , qui a eu la liberté créatrice et financière non restreinte pour développer des films. Le succès phénoménal dans les années 70 des mâchoires de et du Star Wars en particulier, menées à l'élévation du " moderne ; " de la superproduction ;. Les studios de Hollywood se sont de plus en plus concentrés sur produire un plus petit nombre de films très grands de budget avec le marketing massif et les campagnes promotionnelles. Cette tendance avait été déjà annoncée par le succès commercial des films de désastre tel que le l'aventure de Poseidon et le l'enfer trés haut .

Pendant le milieu des années 70, des théâtres plus pornographiques, de manière euphémique appelés le " ; cinemas" adulte ; , ont été établis, et la production légale des films pornographiques inconditionnels du a commencé. Les films de pornographie tels que la gorge profonde de et son Linda Lovelace d'étoile sont devenus quelque chose d'un phénomène de culture populaire et ont eu comme conséquence un flux des films semblables de sexe. Les cinémas de pornographie se sont finalement éteints pendant les années 80, quand la vulgarisation du magnétoscope à la maison et des bandes vidéo de pornographie a permis à des assistances d'observer des films de sexe à la maison. Au début des années 70, les assistances d'anglais se sont rendues compte du cinéma ouest-allemand du nouveau , avec le Werner Herzog , le Rainer Werner Fassbinder et le Wim Wenders parmi ses principaux exposants.

La fin de la décennie a vu la commercialisation au plan international du premier commandant du cinéma australien du , car le déversoir de Peter de 'pique-nique de de films de s à la roche accrochante et au le dernier la vague et le de s de Schepisi Fred 'le chant du forgeron de Jimmie a gagné l'acclamation de la critique. En 1979, le australien George Miller de réalisateur de film a également recueilli une attention internationale pour son violent, le maximum fou film d'action de bas-budget.

les années 80 : suites, superproductions et bande vidéo

Pendant les années 80, les assistances ont commencé des films de plus en plus de observation sur leurs magnétoscopes à la maison dans la partie précédente de cette décennie, l'action judiciaire essayée par de studios de film de pour interdire le propriétaire de logement des magnétoscopes comme violation de copyright , qui a prouvé non réussi. Par la suite, la vente et la location des films sur la vidéo domestique sont devenues un " significatif ; deuxième venue" ; pour l'exposition des films, et une source de revenu additionnelle pour les compagnies de film.

Le Lucas - le cartel de Spielberg dominerait le " ; Hollywood" ; le cinéma pour une grande partie des années 80, et mènent beaucoup à d'imitation. Deux suivis au Star Wars , trois aux mâchoires de , et trois films de l'Indiana Jones ont aidé à faire à des suites des films réussis plus d'une espérance que toujours avant. Lucas a également lancé le THX Ltd , une division du Lucasfilm en 1982, alors que Spielberg appréciait un des plus grands succès de la décennie dans le E. Le cinéma indépendant d'Américain a lutté davantage pendant la décennie, bien que le faire rage Taureau (1980) de de s de Scorsese Martin ', le après les heures (1985), et le que le roi de la comédie (1983) a aidé à l'établir comme un des réalisateurs de film américains le plus en critique acclamés de l'ère. Également pendant le le 1983 Scarface a été libéré, était très profitable et eu comme conséquence encore une plus grande renommée pour son Al Pacino de principal acteur. Le film le plus réussi commercialement vended probablement pendant 1989 : La version de Tim Burton le création de s de Kane Bob de ', Batman , a dépassé des disques de caisse. Le représentation de s de Jack Nicholson la 'du joker dément lui a gagné $60.000 (la plupart d'argent qu'un acteur a jamais gagné à partir d'un film) et il a apporté le Tim Burton et le Michael Keaton grande renommée.

Le cinéma britannique a été donné un élan pendant le début des années 80 par l'arrivée le films de Goldcrest de de compagnie de s de Puttnam David de les '. Le Chariots of Fire films, Gandhi de , les champs de massacre et qu'une salle avec une vue a fait appel à un " ; middlebrow" ; assistance qui de plus en plus était ignorée par les studios principaux de Hollywood. Tandis que les films des années 70 avaient aidé à définir les films cinématographiques modernes de la superproduction , le " de manière ; Hollywood" ; a libéré ses films changerait maintenant. Les films, pour la plupart, présenteraient en première dans un nombre plus large de théâtres, bien que, à ce jour, quelques films présentent en première toujours using l'itinéraire du limité/du système dégagement de spectacle de tournée. Contre quelques espérances, l'élévation du cinéma du multiplex n'a pas permis à moins de films de courant principal d'être montrés, mais a simplement permis aux superproductions principales d'être indiqué un nombre encore plus grand de criblages. Cependant, des films qui avaient été donnés sur dans les cinémas de plus en plus étaient donnés une seconde chance sur la vidéo domestique et le postérieur DVD .

les années 90 : Nouveaux effets spéciaux, films indépendants, et DVDs

Le début des années 90 a vu le développement d'un cinéma indépendant commercialement réussi aux Etats-Unis. Bien que le cinéma ait été de plus en plus dominé par des films de spécial-effets tels que le terminateur 2 de : Le Jour du jugement dernier (1991) et le Titanic (1997) de , les films indépendants aiment le Reservoir Dogs (1992) de de s de Steven Soderbergh 'sexe de de s, mensonges, et la bande vidéo (1989) de et le Tarantino Quentin 'a eu le succès commercial significatif au cinéma et sur la vidéo domestique.

Les studios principaux ont commencé à créer leur propre " de ; independent" ; compagnies de production pour financer et produire le prix de non-courant principal. Un des indépendants les plus réussis des années 90, Miramax Films , a été acheté par Disney l'année avant que le dégagement de l'emballement de Tarantino ait frappé le Pulp Fiction de en 1994. La même année a marqué en ligne le commencement de la distribution de film et de vidéo. Les assistances de famille visées par films Animated ont également regagné leur popularité, avec la beauté de du de Disney et la bête , Aladdin de , et le roi de lion. Pendant les 1995 le dispositif ordinateur-animated du premier de dispositif de longueur, Toy Story de , a été produit par les studios d'animation de Pixar de et libéré par Disney. Après le succès de Toy Story, Disney est revenu à l'animation traditionnelle et a fait trois films plus populaires : le bossu de Notre Dame en 1996, Hercule de en 1997, et Mulan de en 1998. En 1999, Disney a libéré le Tarzan de , qui a utilisé l'utilisation d'une toile profonde appelée par technique de rendu de cgi. Pendant la fin des années 1990, une autre transition cinématographique a commencé, des actions de film physiques à la technologie du cinéma de Digitals de . En attendant le DVDs est devenu la nouvelle norme pour la vidéo du consommateur, remplaçant des bandes de VHS.

2000s

Le film documentaire s'est également levé comme genre commercial pour peut-être la première fois, avec le succès des films tels que le mars de bowling de de s de Moore les pingouins et le de Michael « pour Columbine et le Fahrenheit de 9/11 . Un nouveau genre a été créé avec le Martin de Kunert et voix de de crinières Eric peu coûteux des » de l'Irak , quand 150 appareils-photo de DV ont été distribués à travers l'Irak, transformant les gens du commun en réalisateurs de film de collaboration. Le succès du gladiateur de mènent à un réveil d'intérêt dans le cinéma épique , et au fard à joues de Moulin de ! a remplacé l'intérêt pour le cinéma musical . Les systèmes du théâtre à la maison sont devenus de plus en plus sophistiqués, de même qu'a fait une partie du DVDs d'édition spéciale conçu pour être montré sur eux. le le seigneur de la trilogie d'anneaux a été libéré sur DVD dans la version théâtrale et dans une version prolongée spéciale destinée seulement aux assistances à la maison de cinéma.

Futur : Problèmes de la distribution de Digitals de à surmonter -- une compression plus élevée, technologie meilleur marché. Sécurité contente . Expiration de copyright, imposant copyright.

La longue queue

Une nouveauté principale au 21ème siècle tôt est le développement des systèmes qui le facilitent beaucoup pour que les personnes régulières écrivent, pour tirent, éditer et distribuer leurs propres films sans grand appareil de l'industrie cinématographique. Ce phénomène et ses répercussions sont décrits dans la théorie de de Chris Anderson de , la longue queue .

Le souterrain

voient également :

souterrain du film À côté de la tradition de Hollywood, il y a également eu un " ; " souterrain du film ; la tradition du petit-budget, les travaux souvent autoproduits a créé l'extérieur du système de studio et sans participation des syndicats

Voir également

Cinéma africain
Cinéma de de l'Inde
Cinéma persan
Cinéma de du Royaume-Uni
Cinéma de des Etats-Unis
Cinéma asiatique est
Cinéma européen
Film expérimental
Cinéma impressionniste français
Expressionisme allemand
Film fictif
Histoire de des films de la science-fiction
La liste de de film compose
Liste de des matières image-connexes (liste alphabétique étendue) de mouvement
Liste de d'années en film
Production d'emballement de
Le cinéma des femmes de

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Random links:

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