Film d\'art

Un film d'art de de (également appelé un « cinéma d'art », le « film d'art », ou aux USA, un " ; " indépendant du film ; ou « le film de maison d'art ") est typique un sérieux, non commercial, indépendamment fait le filmer qui est visé une assistance de la place , plutôt qu'une assistance de masse . Les critiques cinématographiques et les disciples des études de film de définissent typiquement un « film d'art » using « … un canon des films et de ces qualités formelles qui les marquent comme différents des films traditionnels de Hollywood. » Les producteurs cinématographiques d'art présentent habituellement leurs films aux théâtres de spécialité (cinémas de répertoire de ou dans le " des USA ; cinemas" d'arthouse ;) et festivals de film . Le " de limite ; film" d'art ; est beaucoup plus employé couramment dans le Etats-Unis qu'en Europe, où le " de limite ; film" d'art ; davantage est associé au " de ; auteur" ; films et " ; " national du cinéma ; (par exemple, cinéma national allemand).

Les films d'art sont de petites assistances visées du marché de place , que les moyens ils peuvent rarement obtenir à l'aide financière qui permettra les budgets importants de production, les acteurs coûteux spéciaux de la célébrité des effets cher, et les campagnes publicitaires énormes, comme sont employés en films traditionnels de la superproduction de large-libérés par .

Les réalisateurs d'art compensent ces contraintes en créant un type différent de film, qui emploie typiquement les acteurs de film moins connus (ou même les acteurs d'amateur) et les ensembles modestes pour faire les films qui se concentrent sur des ordres r3fléchissants de dialogue. Pour la promotion, les films d'art se fondent sur la publicité produite des revues, la discussion de leur film par des chroniqueurs d'arts, les commentateurs, et le Bloggers et le " des critiques cinématographiques ; mot-de-mouth" ; promotion par des membres d'assistance. Puisque les films d'art ont de petites charges de placement initiales, ils doivent seulement faire appel à une petite partie des assistances de visionnement traditionnelles du pour devenir financièrement viables.

Histoire de " ; film" d'art ;

Les ancêtres de l'art filment les films inclus de s du D. Griffith 'l'intolérance (1916) de de film de s et le Eisenstein Sergei '. Des films d'art ont été également influencés par des films par les créateurs avant-garde espagnols tels que le Luis Buñuel et le Salvador Dalí (par exemple, d'Or de L'Age de de 1930) et le Jean Cocteau (par exemple, le sang d'un poèt , aussi de 1930). Dans les années 20, les sociétés de film ont commencé à préconiser la notion que des films pourraient être divisés en " ; … le cinéma de divertissement a orienté sur une assistance de masse et un cinéma sérieux d'art a visé un audience" intellectuel ;. En Angleterre, le Alfred Hitchcock et le Ivor Montagu ont formé une société de film et ont importé des films qu'ils ont pensé étaient " ; accomplissements artistiques, " ; comme le " ; Les films soviétiques du montage dialectal, et les films d'expressioniste de l'Universum filment des studios d'A." ;

Le Cinéma Pur , mouvement Avant-garde de film du français des années 20 et des années 30 a également influencé le développement de l'idée du " ; art film." ; Le mouvement de film de pur de cinéma a inclus les artistes de Dada , tels que le Man Ray ( Emak-Bakia de , retour de à raisonner ), le Rene Clair (Entr'acte de ), et le Marcel Duchamp (cinéma anémique de ). Le Dadaists a employé le film pour retourner des techniques narratives traditionnelles et des conventions bourgeoises, et les notions aristotéliciennes conventionnelles du temps et de l'espace en créant un montage flexible de temps et d'espace. Le cinéma pur a été influencé par un tel " allemand ; absolute" ; réalisateurs de film comme Hans Richter , Walter Ruttmann , et Viking Eggeling .

Dans les années 30 et les années 40, le John Ford a argué du fait que des films de Hollywood pourraient être divisés en " ; … les aspirations artistiques des adaptations littéraires aiment le Sean O'Casey ' de s l'informateur (1935) et le le de s d'O'Neill Eugene 'les long " de la maison de voyage 1940) (; , et le " lucratif ; films" populaire de genre ; comme des récits à suspense de bandit. William Siska argue du fait que des films italiens du neorealist du mid- à la fin des années 1940, telle que la ville ouverte (1945) de , le Paisa (1946) de , et le le voleur de bicyclette peuvent être considérés en tant qu'autre " ; movement" conscient de film d'art ;.

Vers la fin des années 40, la perception du public des USA que les films italiens de neorealist et tout autre prix européen sérieux étaient différents des films traditionnels de Hollywood a été renforcée par le développement du " ; cinemas" d'arthouse ; dans les villes des USA et les villes d'université importantes. Après la deuxième guerre mondiale, " ; … un segment croissant du public filmgoing américain était wearying des films traditionnels de Hollywood, " ; et ils sont allés aux théâtres de création récente de film d'art pour voir le " ; … solutions de rechange aux films jouant dans le palaces" de film de principal-rue ;. Les films montrés dans ces cinémas d'art ont inclus le " ; … Les Anglais, langue étrangère, et films américains indépendants, aussi bien que des documentaires et des renaissances de Hollywood classics." ; Des films île serrée tels que de Rossellini du de la ville ouverte et du Mackendrick la petite, le le voleur de bicyclette et le les chaussures de rouge ont été montrés aux assistances substantielles des USA.

Le " de limite ; film" d'art ; est beaucoup plus employé couramment dans le Etats-Unis qu'en Europe. Aux USA, la limite est souvent définie très largement, pour inclure le " (non-Anglais) de de langue étrangère ; auteur" ; les films de , indépendant de filme des documentaires et des courts-métrages des films expérimentaux de . Dans le " des années 60 ; film" d'art ; est devenu un euphémisme aux USA pour les B-films italiens et français mordants . Par les années 70, le terme a été employé pour décrire les films européens explicites du sexuellement - avec des prétensions artistiques telles que le que je suis (jaune) curieux . Aux USA, le " de limite ; film" d'art ; parfois est employé très de manière imprécise pour se rapporter à la large gamme des films montrés dans les théâtres de répertoire ou le " ; arthouse cinemas." ; Avec cette approche, une large gamme des films, tels qu'un film de Hitchcock des années 60, un film souterrain expérimental des années 70, un film européen d'auteur des années 80, et un " des USA des années 90 ; Independent" ; filmer toute la chute sous la rubrique du " ; art film." ;

Par les années 80 et les années 90, la limite est devenue combinée avec le " ; " indépendant du film ; aux USA, qui partagent plusieurs des mêmes traits stylistiques avec le " ; art film." ; Les compagnies telles que le Miramax Films ont distribué les films d'indépendant de qui ont été considérés commercialement non-viables aux studios principaux. Quand les studios de cinéma importants ont noté l'appel de place des films indépendants, ils ont créé des divisions spéciales consacrées au prix de non-courant principal, tel que la division du projecteur de Fox de du 20th Century Fox , la division des dispositifs de foyer de du universel, et la division des classiques de Sony Pictures de du Sony Pictures Entertainment . Les critiques cinématographiques ont discuté si les films de ces divisions spéciales peuvent vraiment être considérés " ; films" indépendant ; , étant donné qu'ils ont l'aide financière des studios importants.

Déviations des normes traditionnelles de film

Le David Bordwell de disciple de film a décrit la définition scolaire du " ; film" d'art ; dans un article 1979 le autorisé le cinéma d'art comme mode de film pratiquent , qui contraste des films d'art contre les films traditionnels du cinéma classique de Hollywood de . Les films traditionnels de Hollywood-modèle emploient une forme narrative du clair pour organiser le film en série de " ; … événements causal relatifs ayant lieu dans l'espace et le temps, " ; avec chaque scène conduisant vers un but. La parcelle de terrain pour les films traditionnels est conduite par un protagoniste bien défini, étoffée avec les caractères clairs, et renforcée avec le " ; … logique de questions et réponses, routines de résolution des problèmes, (et) parcelle de terrain structures." de date-limite ; Le film est alors attaché ainsi qu'arpenter rapide, bandes sonores musicales pour positionner les émotions appropriées d'assistance, et serré et sans couture éditant . Les films traditionnels tendent à utiliser une petite palette des images familières et génériques, des parcelles de terrain, des expressions verbales, et de " archétypal du ; stock" ; caractères. En revanche, Bordwell déclare ce " ; … le cinéma d'art motive son récit par deux principes : réalisme et expressivity." authorial de ; Les films d'art dévient du courant principal, " ; classical" ; normes de cinéma c'est-à-dire qu'ils traitent typiquement des structures narratives plus épisodiques avec un " ; … se desserrer de la chaîne du " de cause et l'effet ;. Aussi bien, les films d'art traitent souvent un drame intérieur qui a lieu dans la psyche d'un caractère, telle que les issues psychologiques traitant l'identité individuelle, les issues sexuelles ou sociales transgressives, les dilemmes moraux, ou les crises personnelles.

Les films traditionnels répondent également aux dilemmes ou aux crises moraux d'identité, mais ces issues sont habituellement resolved vers la fin du film. En films d'art, les dilemmes sont sondés et étudiés d'une mode songeuse, mais habituellement sans résolution claire à la fin du film. Les protagonistes en films d'art font face souvent au doute, à l'anomie ou à l'aliénation, et le film d'art dépeint souvent leur dialogue interne des pensées, des ordres rêveurs , et des imaginations. En quelques films d'art, le directeur emploie une description des actions absurdes ou apparemment sans signification d'exprimer un point de vue philosophique tel que l'existentialisme .

L'histoire dans un film d'art a souvent un rôle secondaire au développement de caractère et à une exploration des idées par des ordres prolongés du dialogue. Si un film d'art a une histoire, c'est habituellement un ordre de dérive des épisodes vaguement définis ou ambigus. Il peut y avoir des lacunes non expliquées dans le film, les ordres délibérément peu clairs, ou les ordres étrangers qui ne sont pas liés aux scènes précédentes, qui forcent le téléspectateur à faire subjectivement leur propre interprétation du message du film. L'art filme souvent le " ; … ours les marques d'un style" visuel distinctif ; et approche authorial du du directeur. Un film de cinéma d'art refuse souvent de fournir un " ; … a aisément répondu à la conclusion, " ; au lieu de cela mettant à la visionneuse de cinéma la tâche de penser au " ; … va comment l'histoire étant indiquée ? Pourquoi raconter l'histoire de cette façon ? " ;

Le Robert de théoricien de film que Stam argue du fait que le « film d'art » était un genre de film basé sur le statut artistique, de la même manière des genres de ce film peut être basé sur des aspects des films tels que leurs budgets (des films de superproduction ou des B-films ) ou leurs interprètes d'étoile (films de Fred Astaire). " ; Guru" de Screenwriting ; Le Robert McKee argue du fait que le film d'art de d'expression est " ; redundant" ; parce que tout le film est intrinsèquement une forme d'art.

Chronologie des films notables

La liste suivante est un petit, partiel échantillon de films avec le " ; film" d'art ; les qualités, compilées pour donner un sens général de quels directeurs et filme sont considérées comme pour avoires le " ; film" d'art ; caractéristiques. Les films dans cette liste démontrent un ou plusieurs des caractéristiques des films d'art : un film sérieux, non commercial, ou indépendamment fait qui n'est pas visé une assistance de masse. Certains des films sur cette liste sont également considérés " ; auteur" ; les films, indépendant de filme , ou les films expérimentaux dans certains cas, des critiques sont en désaccord plus de, qu'un film soit traditionnel ou pas. Par exemple, alors que quelques critiques appelaient le de s de Gus Van Sant le 'mon propre Idaho privé (1991) un " ; exercice dans l'experimentation" de film ; du " ; quality" artistique élevé ; , Washington Post l'a appelé un ambitieux le film traditionnel de

Quelques films dans cette liste ont la plupart de ces caractéristiques ; d'autres films commercial-sont faits à des films produits par les studios traditionnels qui néanmoins soutiennent les cachets du " d'un directeur ; auteur" ; modèle, ou qui ont un caractère expérimental. Les films dans cette liste sont notables l'un ou l'autre parce qu'ils ont gagné les récompenses importantes ou l'éloge critique des critiques cinématographiques influents ou parce qu'ils ont présenté une technique innovatrice de récit ou de cinéma. Par exemple, le Rashomon de Kurosawa a employé un techique narratif innovateur de montrer les mêmes événements qu'étés témoin par quatre personnes différentes.

1920s-1950s

Dans les années 20 et les années 30, les réalisateurs de film ne se sont pas mis à faire le " ; films" d'art ; , et les critiques cinématographiques n'ont pas employé le " de limite ; art film." ; Cependant, il y avait des films qui ont eu plus sophistiqué des objectifs esthétiques, tels que la passion de Karl Theodor Dreyer ' de film silencieux de s de Joan de l'arc (1928), et le film surréaliste tel que le le l'ONU de de s de Buñuel Luis 'chien l'andalou (1929) et le d'Or (1930) de L'Âge de . Vers la fin des années 40, le BRITANNIQUE Michael Powell de directeur et le Emeric Pressberger ont fait à les chaussures (1948) de rouge, un film au sujet du ballet qui s'est tenu dehors du genre traditionnel filme.

Dans les années 50, certains des films bien connus avec des susceptibilités artistiques incluent la La Strada (1954), de de Federico Fellini de le septième joint (1957) par le Ingmar Bergman et les 400 coups (1959) par le François Truffaut . Aussi bien, les films moins bien connus tels que le une génération , le Kanal de , les cendres et les diamants , Lotna (1954-1959) de de , par le Andrzej Wajda ont montré le modèle de l'école de film de polonais . En Asie, le directeur de s de rayon Satyajit indien le 'la trilogie (1955-1960) d'APU raconte l'histoire de la croissance d'un garçon de pays pauvre à l'âge adulte. Les directeurs japonais ont produit un certain nombre de films qui se sont cassés avec la convention. Le Akira Kurosawa «  Rashomon (1950) de de s, des comptes contradictoires dépeint quatre témoins » d'un viol et d'un meurtre D'autres films japonais de cette ère incluent l'histoire (1953) de Tokyo de par le Yasujiro Ozu et le Ugetsu (1953) de par le Kenji Mizoguchi .

les années 60

Le début des années soixante a vu le dégagement d'un certain nombre de films d'inauguration. Le techniques visuelles du s de Godard Jean-Luc ('les 1960) et éditantes innovatrices utilisées essoufflées telles que des coupes de saut et l'appareil-photo tenu dans la main fonctionnent. Le L'avventura s d'Antonioni Michaël Angelo le 'de la même année est caractérisé par son arpenter lent et structure narrative peu commune. Le ½ séminal (1963) du 8 de de s de Federico Fellini 'était une exploration des difficultés créatrices, matrimoniales et spirituelles tirées en noir et blanc somptueux par Gianni de Venanzo.

Le Au Hasard Balthazar (1966) de de s de Bresson Robert le 'est notable pour son langage figuré religieux, allégories spirituelles, et modèle naturaliste et minimaliste. Le Belle de Jour (1967) de de s de Buñuel Luis le 'a choqué des assistances avec ses imaginations masochistes au sujet des floggings et de servage. À la fin de la décennie, 2001 de de s de Kubrick Stanley ': Assistances wowed de l'odyssée de l'espace 1968) (avec son réalisme scientifique, frayant un chemin l'utilisation des effets spéciaux, et le langage figuré visuel peu commun. Dans le soviétique Arménie , le du de de s de Parajanov Sergei 'la couleur des grenades , qui a été interdite par des autorités de Soviet, a été félicitée par le Mikhail Vartanov de critique comme " ; revolutionary" ; et au début des années 80, le Les Cahiers du Cinéma a placé le film dans sa liste 10 principale. En Iran, le de s de Mehrjui Dariush aimé le 'la vache (1969), au sujet d'un homme qui devient aliéné après la mort de sa vache, a étincelé la nouvelle vague du cinéma iranien .

les années 70

le début des années 70, les assistances choquées par directeurs avec les films violents tels que le Stanley Kubrick ' de s un rouage d'horloge orange (1971) et les films sexually-explicit et controversés tels que tango de bout de de s de Bertolucci Bernardo 'à Paris (1972). Néanmoins, d'autres directeurs ont fait des films plus introspectifs, tels que le Andrei Tarkovsky 's méditatif, le Solaris important de de film de la science-fiction (1972) des autre dispositifs des années 70 où les films d'art étaient la proéminence des caractères bizarres et le langage figuré, qui abonde en tormented, a hanté le caractère de titre dans le allemand Werner Herzog ' Aguirre, la colère de directeur de la nouvelle vague de s de Dieu (1973), et en films de culte de tel que le psychédélique de de s d'Alejandro Jodorowsky 'la montagne sainte (1973) au sujet d'un nain apode et handless et d'un alchimiste cherchant l'île mythique de lotus le chauffeur de taxi de de film (1976) par le Martin Scorsese continue les thèmes que le rouage d'horloge orange de a explorés : une population aliénée vivant dans un violent, société de décomposition. La violence graveleuse et la fureur agitée des contrastes du film de Scorsese avec le David Lynch 's idyllique, surréaliste Eraserhead (1977) de .

les années 80

En 1980, Martin Scorsese de directeur assistances choquées qui étaient devenues utilisées aux aventures d'évasion de superproduction du Steven Spielberg et du George Lucas avec le réalisme graveleux et dur de son faire rage Taureau de de film. Le Robert De Niro a pris la méthode agissant à une extrémité de dépeindre le déclin d'un boxeur d'un jeune combattant prizewinning à un propriétaire de poids excessif de boîte de nuit de has-been. Le directeur japonais que le Akira Kurosawa a également employé une approche de réalisme pour dépeindre la violence brutale et sanglante de la guerre samouraï japonaise des 1500s dans le a couru (1985).

D'autres directeurs dans les années 80 ont choisi un chemin plus intellectuel, explorant les issues philosophiques. Le homme de de s de Wajda Andrzej le 'du fer (1981) est une critique du gouvernement communiste polonais qui a gagné le d'or 1981 de Palme au festival de film de Cannes . Des autres directeur polonais, libéré par de Krzysztof Kieślowski de le décalogue en 1988, des séries méditatives et mélancoliques de film qui explorent les issues morales et les puzzles moraux. Le Pink Floyd de du film de culte de le mur (1982) a exploré des problèmes politiques tels que le fascisme et le totalitarisme using le roche progressive musique de s de Pink Floyd la bande le 'et images métaphoriques pour tourner un argument non linéaire.

Une autre approche employée par des directeurs dans les années 80 était de créer les mondes alternatifs bizarres et surréalistes. Le de s de Scorsese Martin le 'après les heures (1985) est un récit à suspense de comédie qui dépeint les aventures embarrassantes d'un homme dans un monde surréaliste de nuit des rencontres de chance avec les caractères mystérieux. Le le velours bleu (1986) de de s de Lynch David ', est un noir - mystère de récit à suspense de modèle rempli de symbolisme et métaphores de film de sur les mondes polarisés et les caractères tordus qui sont cachés dans les enfers de dessous d'une petite ville. Peter Greenaway 's le le cuisinier, le voleur, son épouse et son amoureux (1989) est une comédie exotique de noir de d'imagination au sujet du cannibalisme et de la violence extrême avec un thème intellectuel : une critique de culture de l'élite dans le Thatcherian Grande-Bretagne.

les années 90

Dans les années 90, quelques directeurs ont créé les mondes alternatifs bizarres et surréalistes, de même qu'ont été faits dans les années 80 avec le velours bleu de et le le cuisinier, le voleur, son épouse et son amoureux . En 1990, le directeur rêves de de s de Kurosawa Akira japonais les 'ont dépeint ses rêveries imaginatives dans une série de vignettes qui s'étendent des paysages pastoraux idylliques de pays aux visions terrifiantes des démons tormented et d'un paysage poteau-nucléaire rouillé de guerre. En 1991, le directeur Barton Fink s de Coen Joel le ', qui a gagné le d'or de Palme de au festival de film de Cannes , a raconté une histoire énigmatique au sujet d'un auteur qui rencontre une gamme des caractères bizarres comprenant un romancier alcoolique et abusif et un assassin en série. Le la route perdue par film de s 1997 de Lynch David 'est un récit à suspense psychologique qui explore des mondes d'imagination, des transformations bizarres du temps-espace, et des pannes mentales using le langage figuré surréaliste.

D'autres directeurs dans les années 90 ont exploré les issues et les thèmes philosophiques tels que l'identité, la chance, la mort, et l'existentialisme. Le de films des années 90 le mon propre Idaho privé et le Chungking Express de ont exploré le thème de l'identité. Le de s de Gus Van Sant le le 'mon propre Idaho privé (1991) est un film indépendant de route/film de copain environ deux jeunes débrouillards de rue qui explore le thème de la recherche de la maison et de l'identité. Ce s'est appelé un " ; marque de marée haute dans le film" d'indépendant des années 90 ; , un " ; rumination" rigide et poétique ; , et un " ; exercice dans l'experimentation" de film ; du " ; quality" artistique élevé ;. Le Chungking Express (1994) de de s de Kar-wai Wong le 'explore les thèmes de l'identité, du débranchage, de la solitude, et de l'isolement dans le " ; jungle" concret métaphorique ; de Hong Kong moderne. Le film utilise une vidéo musicale symbolisme-imprégnée - le modèle visuel influencé de de bruit qui emploie une approche française de la nouvelle vague . Tandis que l'institut de film britannique l'appelait un des meilleurs films asiatiques du cinéma contemporain, on le considère un film pour des cineophiles, parce que c'est " ; en grande partie un experience" cérébral ; ce qui vous appréciez le " ; en raison de ce que vous connaissez film." ;

Plusieurs films des années 90 ont exploré des thèmes existentialiste-orientés liés à vie, à la chance, et à la mort. Le le Short Cuts (1993) de de film de s 1993 d'Altman Robert 'explorent des thèmes de chance, de mort, et d'infidélité en traçant dix parallèles et histoires entrelacées. Le film, qui a gagné le lion d'or et la tasse de Volpi au festival de film de Venise, s'est appelé un " ; complexes, beaucoup mooded, mural" éclectique de façon éblouissante structuré de jazz ; par le critc Michael Wilmington de Chicago Tribune. Le la trilogie des couleurs du trois de de s de Kieslowski Krzysztof '(1993-1994), qui co-written par le Krzysztof Piesiewicz , s'est appelée une exploration de " ; … issues" nullement intimidé spirituel et existentiel ; cela a créé un " ; experience" véritablement transcendant ;.

Le de s de prise de bec Matthew le 'le cycle (1994-2002) de crémaster est un cycle de cinq symboliques, les films allégoriques qui créent un système esthétique self-enclosed qui vise à explorer le processus de la création. Les films sont remplis d'allusions aux organes reproducteurs et au développement sexuel, et ils emploient les modèles narratifs tirés de la biographie, de la mythologie, et de la géologie. Le goût de de film de s de Kiarostami Abbas le 'de la cerise (1997) au sujet d'un homme essayant d'engager une personne pour l'enterrer après qu'il commette le suicide est tiré dans un modèle minimaliste, avec de longues prises. Le film a gagné le d'or de Palme au festival de film de Cannes. Les films des quelques années 90 ont mélangé une atmosphère visuelle éthérée ou surréaliste à l'exploration des issues philosophiques. Le de s de Kieslowski Krzysztof le 'la double vie de Véronique (1991) est un drame au sujet du thème de l'identité et d'une allégorie politique au sujet de fente d'est/occidentale en Europe qui comporte la cinématographie stylisée, une atmosphère éthérée, et les éléments surnaturels non expliqués. " de film de s d'Aronofsky Darren « ; " du pi ; (1998) est un " idyllique ; … le film incroyablement complexe et ambigu a rempli de modèle incroyable et de substance" ; " au sujet de maths de génie paranoïde » ; recherche de peace." ; Le film crée un David Lynch - inspiré, " ; … " mystérieux ; Eraserhead "- comme le world" ; tiré dans le " ; noir et blanc, qui prête une atmosphère idyllique à tout les proceedings" ; , qui explorent des issues telles que le " ; métaphysique et spirituality" ;

2000s

Un certain nombre de films du 2000s avec des qualités de film d'art étaient notable dû à leur utilisation de cinéma innovateur ou des techniques d'édition. le souvenir (2001) de , un récit à suspense psychologique dirigé par le Christopher Nolan est au sujet d'un homme souffrant de la perte de mémoire à court terme. Le film est édité de sorte que la parcelle de terrain soit indiquée vers l'arrière en morceaux de dix-minute, simulant l'état de la perte de mémoire. le soleil éternel de de l'esprit immaculé (2004) est un film roman dirigé par le Michel Gondry au sujet d'un homme qui engage une compagnie pour effacer la mémoire d'un mauvais rapport. Le film a employé une gamme des techniques d'effet spécial et du travail d'appareil-photo pour dépeindre la destruction de ses transitions de l'homme des mémoires et d'une mémoire à l'autre.

Timecode (film) (2000), un film de dirigé par le Mike Figgis , utilisations un écran divisé de montrer quatre 90 prises minute continues qui suivent quatre arguments. l'arche russe (2002) de , un film dirigé par le Alexandre que Sokurov a pris l'utilisation de Figgis de prolongé prend encore autre ; elle est notable pour être le premier long-métrage tiré dans une prise simple et non éditée.

Plusieurs films 2000s-era ont exploré le thème de l'amnésie ou de la mémoire, mais à la différence du souvenir de , ils ont fait ainsi using des techniques narratives plutôt que le cinéma et des méthodes d'édition. le lecteur (2001) de Mulholland de , dirigé par le David Lynch est au sujet d'une fille frais-déplacée à Hollywood qui découvre un amnésique dans sa maison. le Oldboy (2003) de , dirigé par le parc Chan-wook , est au sujet d'un homme emprisonné par un ravisseur mystérieux pendant 15 années qui doivent alors chasser ses vieilles mémoires quand il est abruptement libéré. la sucrerie de menthe poivrée de (2000), dirigée par le Chang-coup de Lee de , commence par le suicide du protagoniste masculin, et puis emploie la chronologie renversée (comme souvenir de ) pour dépeindre les événements des 20 dernières années qui ont mené l'homme vouloir se tuer.

le réveillant la vie (2001), un film animated dirigé par Richard Linklater emploie une technique numérique innovatrice de Rotoscope pour dépeindre un jeune homme coincé dans un rêve. D'autres films incluent le labyrinthe (2006) de la casserole de , une imagination/film de guerre dirigé par le del de Guillermo de Toro au sujet d'une fille qui découvre un labyrinthe magique des créatures bizarres, et de la Science du sommeil (2006), une imagination écrite et dirigée par Michel Gondry.

Certains des films notables des 2000s qui ont été considérés comme avoirs des film-qualités d'art ont différé des films traditionnels du fait ils ont traité des thèmes ou des issues controversés. le de l'éléphant de (2003), un film dirigé par le Gus Van Sant , par exemple, a dépeint un assassinat de masse à un lycée qui a fait écho le massacre du lycée de Columbine de .

Concepts relatifs

Télévision d'art

Un genre ou un modèle de " ; " de la télévision d'art de ; a été identifié, qui partage certains des mêmes traits des films d'art. Les programmes télévisés tels que le de s de David Lynch 'la série et le BBC des crêtes de jumeau de de s 'le détective chanteur ont également le " ; … se desserrer de la causalité, une plus grande emphase sur le réalisme psychologique ou anecdotique, violations de clarté classique de l'espace et de temps, commentaire authorial explicite, et ambiguity." ; D'autres programmes télévisés qui se sont appelés le " ; télévision d'art, " ; comme le le Simpsons , emploient un " ; … bourrasque des références culturelles, intentionnellement caractérisation contradictoire, et individu-reflexivity considérable au sujet des conventions de télévision et le statut du programme comme télévision show." ;

Voir également

Film expérimental
Théorie d'auteur de
Genres de film de * récompense indépendante d'esprit de
Festival de film de Sundance
La Manche indépendante de film de
Films documentaires * la liste de de directeurs s'est associée au film d'art

.

Random links:Banlieue noire de Thompson, comté de Fulton, Pennsylvanie | Banlieue noire de Manheim, comté de Lancaster, Pennsylvanie | Nunge | Partie nationale d'intégration | Película_del_arte