Ballet classique

Le ballet est une technique scolaire spécifique de forme et de de la danse qui est enseignée dans des écoles de ballet selon des méthodes spécifiques. Il y a beaucoup d'écoles de ballet autour du monde qui se spécialisent dans divers modèles du ballet et des différentes techniques offerts. Des travaux de la danse chorégraphié par using cette technique s'appellent les ballets , et incluent habituellement la danse , le pantomime , le de action, et la musique (habituellement orchestral mais de temps en temps vocal) de . Le ballet est le plus connu pour ses dispositifs et techniques uniques, telles que le travail de pointe de , l'assemblée de des jambes , et les prolongements élevés ; son gracieux, flowiccvcng, mouvements précis ; et ses qualités éthérées.

L'origine du ballet

La danse est en avant à travers l'histoire. Les traditions de la danse narrative ont évolué dans le Chine , le Inde , le Indonésie et le Grèce antique . La danse théâtrale était bien établie dans l'arène plus large du théâtre du grec ancien de . Quand l'empire romain a conquis la Grèce, il a assimilé le théâtre grec de danse et de avec leur art et culture. Tandis que la danse continuait à être importante tout au long des Moyens Âges, malgré la suppression occasionnelle par l'église, l'art du ballet n'a pas émergé jusqu'au en retard 1400s en Italie. L'Italie a commencé la tradition de ballet, mais c'était le Français qui lui a permis de fleurir. Aspects de incorporation de ballet italien, proéminence gagnée par ballet français et influencé le genre de danse internationalement. À ce jour, la majorité de vocabulaire de ballet provient du Français.

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L'étymologie du " de mot ; ballet" ; correspond au développement de forme d'art. Le ballet mot vient du français et a été emprunté en anglais autour du XVIIème siècle . Le mot français a alternativement ses origines dans le balletto italien , un diminutif de du du ballo (danse) de . Le ballet de trace finalement de nouveau au latin du le ballere , signifiant pour danser.

Ballet en Italie - « Ballo »

Le ballet a provenu de la cour de la Renaissance comme conséquence d'apparat de cour dans le Italie , des mariages aristocratiques étaient des célébrations somptueuses. Aller au devant des musiciens et les danseurs ont collaboré pour fournir le divertissement raffiné pour eux. Le ballet a été encore formé par ballet de cour français, qui s'est composé des danses sociales exécutées par la noblesse l'en tandem avec la musique, la parole, le vers, la chanson, la reconstitution historique, le décor et le costume. Quand le de Medici , un aristocrate italien de Catherine de avec un intérêt pour les arts, a épousé l'héritier français Henry II de couronne, elle lui a apporté l'enthousiasme pour la danse en France et si aide financière.

Un ballet de la Renaissance ne semblerait rien comme une exécution de Giselle ou de lac swan chez le Bolshoi. Les poussoirs de ballet des tutus et le travail de pointe étaient inconnus. La chorégraphie a été adaptée des étapes de danse de cour. Les interprètes se sont habillés de modes des temps. Pour les femmes qui ont voulu dire les robes formelles qui ont couvert leurs jambes à la cheville. Le ballet tôt était participatoire, avec l'assistance joignant la danse vers l'extrémité.

Le Domenico DA Piacenza était l'un des premiers maîtres de danse. Avec ses étudiants, Antonio Cornazano et Guglielmo Ebreo , il a été formé dans la danse et responsable d'enseigner à des nobles l'art. DA Piacenza a quitté un travail : Saltandi de De arte et ducendi de choreus (sur l'art de la danse et des danses de conduite), qui a été remonté par ses étudiants.

Le ballet, sinon le premier, produits et montrés étaient le Ballet Comique de la Reine ( de s de Balthasar de Beaujoyeulx '1581 ) et étaient un comique (drame de ballet de de ballet). Dans la même année, la publication IL Ballarino , un manuel technique de s de Caroso Fabritio de 'sur la danse de cour, exécution et social, aidé à établir le Italie comme centre du développement technique de ballet.

La France - danse d'auditoire de tribunal

Ballet développé comme forme d'art séparée et exécution-focalisée dans le France pendant le règne du Louis XIV , qui était passionné au sujet de la danse et déterminé à renverser un déclin dans les normes de danse qui ont commencé en XVIIème siècle . Le Roi Louis XIV a établi le Académie Royale de la Danse (qui s'est transformé en la compagnie connue aujourd'hui comme ballet d'opéra de Paris de ) dans le 1661 . Les références les plus tôt aux cinq positions de noyau du ballet semblent dans les écritures du Pierre Beauchamp , un danseur de cour et étaient un chorégraphe.

Le Jean-Baptiste Lully , une portion italienne de compositeur dans la cour française, a joué un rôle significatif en établissant la direction générale dans laquelle le ballet suivrait pour le siècle à venir. Soutenu et admiré par le Roi Louis XIV, Lully mouler souvent le roi dans ses ballets. Le titre du roi de Sun de , par lequel le monarque français est encore mentionné aujourd'hui, a provenu du rôle de Louis XIV dans le Ballet de la Nuit (1653) de Lully. La contribution principale de Lully au ballet était ses compositions diversifiées : son arrangement du mouvement et de la danse lui a permis de composer spécifiquement pour le ballet, avec les rédactions musicales qui ont complété les mouvements physiques. Lully a également continué pour collaborer avec le français Molière du dramaturge . Ensemble, ils ont pris un modèle italien de théâtre, le dell'arte de commedia de , et adapté lui dans leur travail pour une assistance française, créant le Comédie-ballet de . Parmi leurs plus grandes productions était le Le Bourgeois Gentilhomme (1670) de . Plus tard dans la vie, Lully est allé bien au premier directeur d'Académie Royale de Musique après que sa portée ait été augmentée pour inclure la danse. Jean-Baptiste Lully a rassemblé le ballet italien et français, créant un legs qui définirait le futur du ballet.

La première école de ballet était en France, et la terminologie a été cristallisée là. Presque tout dans le ballet est décrit par un mot ou une expression français. (Vous souhaitez même à des danseurs la bonne chance en français. Les acteurs souhaitent une une autre bonne chance avant une exécution en disant, " ; Casser une jambe ! " ; Les danseurs disent, " ; Merde ! " ; ce qui traduit, rudement, au " ; shit" ;) L'inconvénient de ceci est que les ballerines doivent apprendre les noms français pour les étapes et les mouvements ; l'avantage est qu'ils peuvent prendre un cours de ballet n'importe où dans le monde et, n'importe comment inintelligible le reste de l'entretien est, la terminologie seront toujours en français et seront donc compris.

La Russie

Tandis que la France était instrumentale dans le ballet tôt, d'autres pays et cultures ont bientôt adopté la forme d'art. Est spécialement le Russie . La Russie a une tradition identifiée de ballet et le ballet russe a eu la grande importance dans son pays à travers l'histoire Après le 1850 , le ballet a commencé à s'affaiblir à Paris et à se concentrer dans le Danemark et, spécialement, la grâce de la Russie aux maîtres tels que le août Bournonville , le Jules Perrot , le Saint-Léon d'Arthur de , et le Marius Petipa . Vers la fin du 19ème siècle, l'Orientalism était dans la mode. Conscience apportée par colonialisme des cultures asiatiques et africaines, mais tordu avec la désinformation et l'imagination. L'est a été souvent perçu comme endroit lointain où quelque chose était possible, s'il était somptueux, exotique et décadent. Petipa a fait appel au goût populaire avec le la fille (1862) du pharaon, et au postérieur de le talisman (1889), et La Bayadère (1877) de . On se rappelle mieux Petipa pour ses collaborations avec le Tchaikovsky où il a chorégraphié le le casse-noix (1892, bien que ce soit ouvert d'une certaine discussion parmi des historiens), la beauté de sommeil (1890), et la renaissance définitive du lac (1895 swan de , avec Lev Ivanov ). Ces travaux tous ont été tirés du folklore occidental.

Le tutu classique a commencé à apparaître actuellement. Il s'est composé d'une jupe courte soutenue par les couches de crinoline qui ont indiqué le legwork acrobatique. Parfois le tutu classique a indiqué plus que l'assistance inquiétée pour voir et lui sont devenus usuels pour utiliser un collant de danseur comme sous-vêtement.

Le Sergei Diaghilev a apporté le plein-cercle de ballet de nouveau à Paris quand il a ouvert sa compagnie, ballet Russe . Au Vaslav Nijinsky de Russe de ballet est devenu célèbre pour ses sauts. Diaghilev et Igor Stravinsky de compositeur ont combiné leurs talents pour apporter le folklore russe à la vie dans le Firebird et le Petrushka . Le travail le plus controversé du ballet Russe était rite de du ressort . Beaucoup associent le rite du ressort aux beaux ordres time-delayed des fleurs croissantes dans la fantaisie de mais dans les assistances choquées par ballet avec son thème de sacrifice humain.

Après « l'âge d'or » de Petipa, le ballet russe a écrit une période de stagnation. Jusqu'à ce que le Michel que Fokine a revitalisé l'art. Fokine ait commencé sa carrière dans la rue Pétersbourg mais s'est déplacé aux Etats-Unis après la révolution de Bolshevik . Il a estimé que le ballet du temps a offert peu plus que la mignardise et l'affichage sportif. Pour Fokine qui n'était pas assez. En plus de la virtuosité technique il a exigé le drame, l'expression et l'authenticité historique. Le chorégraphe doit rechercher la période et le contexte culturel de l'arrangement et rejeter le tutu traditionnel en faveur de costumer précis de période. Fokine a chorégraphié le Scherezade et le Cléopâtre et a retouché Petrushka et Firebird. Un de ses travaux plus célèbres était que le cygne de mort a exécuté par le Anna Pavlova . Au delà de ses talents en tant que ballerine, Pavlova a eu les cadeaux théâtraux pour accomplir la vision de Fokine du ballet comme drame. La légende l'a que Pavlova identifié tellement avec le rôle de cygne qu'elle a demandé son costume de cygne de son lit de mort.

Compagnies russes, en particulier après que la deuxième guerre mondiale s'est engagée dans les excursions multiples partout dans le monde qui ont revitalisé le ballet dans l'ouest et lui ont fait une forme du divertissement embrassée par le grand public. Le George Balanchine a apporté la technique du dernier cri en Amérique en ouvrant une école dans le Chicago et plus tard dans le New York . Il a adapté le ballet aux nouveaux médias, films et télévision . Un ouvrier prolifique, Balanchine rechoreographed des classiques tels que le lac swan et la beauté de sommeil aussi bien que créer de nouveaux ballets. Il a produit des interprétations originales des drames du William Shakespeare tel que le Romeo et Juliet , la joyeuse veuve et un rêve de nuit de milieu de l'été. En bijoux Balanchine s'est cassé avec la tradition narrative et a dramatisé un thème plutôt qu'une parcelle de terrain. Aujourd'hui, en partie grâce à Balanchine, ballet est l'une des danses les plus well-preserved au monde.

Barbara Karinska était une émigrée russe et une ouvrière couturière habile qui ont collaboré avec Balanchine pour élever l'art de la conception de costume d'un rôle secondaire à une partie intégrale d'une exécution de ballet. Elle a présenté la coupe de polarisation de et un tutu classique simplifié qui ont permis au danseur plus de libre circulation. D'une attention méticuleuse au détail, elle a décoré ses tutus avec le beadwork, la broderie, le crochet et l'applique.

Développement comme forme d'art

< ! --après invérifié--> Le XVIIIème siècle était une période de vaste avancement dans les normes techniques du ballet et la période où le ballet est devenu une forme d'art dramatique sérieuse sur le pair avec l'opéra . Le central à cette avance était le travail séminal du Jean-Georges Noverre , du danse et des ballets ( 1760 ) de La de sur de Lettres de de les, qui s'est concentré sur développer le d'action de ballet de , auquel les mouvements des danseurs sont conçus pour exprimer le caractère et pour aider au récit. Actuellement, les femmes ont joué un rôle secondaire comme danseuses, encombrées pendant qu'elles étaient avec des cercles, des corsets, des perruques et de hauts talons.

Des réformes ont été faites en composition en ballet par des compositeurs tels que le Christoph Gluck . En conclusion, le ballet a été divisé en sérieux formel trois techniques, demi-caractère de et comique de . Le ballet a également commencé à être décrit dans les opéras comme intermèdes appelés les divertissements.

Le 19ème siècle était une période du grand changement social, qui a été reflété dans le ballet par un décalage à partir des susceptibilités aristocratiques qui avaient dominé des périodes plus tôt par le ballet romantique . Les ballerines telles que le Marie Taglioni et le Fanny qu'Elssler a frayé un chemin de nouvelles techniques telles que le Pointework qui a monté en flèche la ballerine dans la proéminence comme chiffre idéal d'étape, les librettists professionnels ont commencé à ouvrer les histoires dans les ballets, et les professeurs comme le Carlo Blasis ont codifié la technique de ballet sous la forme de base qui est encore employée aujourd'hui. Le poussoir de ballet a été inventé pour soutenir le travail de pointe.

Le romantisme était une réaction contre des contraintes formelles et également d'industrialisation avec l'introduction de machinary complexe et des usines. Le goût de l'époque a mené des chorégraphes composer les ballets romantiques qui étaient lumière, bien aérée et les fae qui agiraient en tant que contraste à la science reductionist qui a eu, dans les mots du Poe, " ; conduit le hamadryad par le woods" ;. Ces " ; unreal" ; les ballets ont dépeint des femmes en tant qu'êtres sublimes fragiles, les créatures sensibles qui pourraient être soulevées sans effort. Les ballerines ont commencé à utiliser les tutus romantiques , avec le pastel, les jupes débordantes qui ont découvert les tibias. Les histoires ont tourné autour des spiritueux surnaturels et folkloriques. Un exemple d'un tel ballet romantique est " ; La Sylphide" ; , un des ballets romantiques les plus anciens dansait toujours aujourd'hui.

Ballet vers la fin de dix-neuvième et 20ème siècle

Technique

Le ballet, particulièrement le ballet classique , met la grande emphase sur la méthode et l'exécution du mouvement. Un dispositif distinctif de ballet est la rotation extérieure des cuisses de la hanche. La base de la danse se compose de cinq positions de base, tout exécutées avec l'assemblée. Les jeunes danseurs reçoivent une éducation rigoureuse dans la méthode de leur école de danse, qui commence quand elles sont jeunes et finit avec le repére du lycée. Des étudiants sont requis d'apprendre les noms, les significations, et la technique précise de chaque mouvement qu'ils apprennent. L'emphase est mise sur la force de bâtiment la plupart du temps dans le corps inférieur, en particulier les jambes, et le noyau (également appelé le centre ou les abdominals) car un noyau fort est nécessaire pour beaucoup de mouvements dans le ballet, particulièrement tours, et sur la flexibilité se développante et les pieds forts pour le pointe d'en de de danse.

allet

Formation dans le ballet classique

Le vêtement typique de classe de ballet inclut le rose, le noir, ou les collants carné et un collant de danseur (qui de peuvent venir dans divers couleurs et modèles), avec une jupe courte facultative d'enveloppe (ou tutu ). Le danseur porte les chaussures molles de technique de , souvent appelées les appartements de par leurs classes. Jusqu'à ce que leur d'os s'ossifient avec l'âge, les tendons en chevilles et pieds sont relativement forts et ils se sont exercés pour qu'assez longtemps porte les chaussures de Pointe de , le danseur divise habituellement le temps de classe de ballet entre les différentes chaussures. L'âge auquel le travail de pointe de début de danseurs varie de l'étudiant à l'étudiant. La force est primordiale en pouvant porter des chaussures de pointe pendant des périodes prolongées, cependant. Le port prématuré des chaussures de pointe ou la formation insuffisante peut avoir comme conséquence des dommages et/ou des incapacités sérieux dans la vie postérieure.

Modèles

Il y a sept modèles de la formation dans le ballet classique, être le plus commun la méthode de Vaganova de (russe), la méthode de Cecchetti de (italien), la méthode royale (anglais), l'académie royale de la danse, et la méthode de Balanchine de (américaine). Les techniques ont trouvé dans le ballet classique sont un cadre pour beaucoup d'autres modèles de danse, y compris la danse Hip d'houblon de , le ballet moderne de et le ballet contemporain .

Méthodes

Les techniques de ballet de sont généralement groupées par le secteur duquel elles ont commencé, comme le ballet russe , le ballet français , ballet italien.

Les deux méthodes russes et l'Italien dérivé de la méthode française originale sont baptisés du nom du maître ou de la maîtresse de ballet qui les ont lancés, tels que la méthode de Vaganova de après Agrippina Vaganova et la méthode de Cecchetti de après Enrico Cecchetti .

Le ballet de Therafter naturellement s'est écarté à d'autres parties du ballet danois du monde par exemple, du Danemark, de ballet impérial du R-U, de la méthode américaine de Balanchine, du ballet australien et récemment de l'académie et de la confiance nationales de ballet installés en Inde.

Illusion de vol dans le ballet

Pour exécuter les routines plus exigeantes, un danseur de ballet doit sembler défier la pesanteur tout en travaillant dans ses contraintes. La physique de base et la science de la perception humaine fournissent la perspicacité dans la façon dont ce fait. Par exemple, pendant le jeté grand, le danseur peut sembler planer. Physiquement, son au centre de la masse décrit une parabole , de même que fait une boule, une fois jeté (ou, en effet, tout objet quand en vol et agi au moment par seulement la force de la gravité seul ). Cependant, on profite de la limitation dans la capacité humaine de compter au centre de la masse quand une projectile change sa configuration en vol. En sautant, le danseur prolonge les bras et les jambes. La manoeuvre camoufle la chute et mène l'assistance percevoir le danseur flotte. Un Pas de Chat (étape du chat) crée une illusion semblable. Le danseur commence à partir d'un plié, puis pendant la phase croissante de l'étape, soulève rapidement chaque genou en succession avec des hanches avérées, de sorte que pour un instant les deux pieds soient dans le ciel en même temps, se passant. Pour un instant, le danseur semble suspendu en air.

La chute doit être exécutée soigneusement. Les lois de la physique décrètent que l'élan doit être absorbé mais un atterrissage forcé détruirait l'impression de l'aération et blesserait probablement le danseur. Une partie de la solution est un plancher conçu pour absorber le choc. Le danseur se plie également aux genoux (plis) et aux pains le pied de l'orteil au talon. Pour artistique comme des raisons de sûreté un instructeur qualifié doit enseigner cette technique.

Voir également

la collection de Sergeyev
Modèles de ballet
Ballet classique
Ballet contemporain
Ballet néoclassique
Technique de ballet de
Ballet français
Méthode russe de Vaganova de
Méthode italienne de Cecchetti de
Pointe d'en de
Glossaire de du ballet
Ballet de (musique)
Compagnie de ballet
Risques de du ballet classique

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