Ballet

Le ballet est une technique scolaire de forme et de de danse qui est enseignée dans des écoles de ballet selon des méthodes spécifiques. Il y a beaucoup d'écoles de ballet autour du monde qui se spécialisent dans divers modèles de ballet et offrent différentes techniques. Des travaux de la danse chorégraphié par using cette technique s'appellent les ballets , et incluent habituellement la danse , le pantomime , le de action, et la musique (habituellement orchestral mais de temps en temps vocal) de . Le ballet est le plus connu pour ses dispositifs et techniques uniques, telles que le travail de pointe de , assemblée de des jambes ; son gracieux, coulant, mouvements précis ; et ses qualités éthérées.

L'origine du ballet

La danse est en avant à travers l'histoire. Les traditions de la danse narrative ont évolué dans le Chine , le Inde , le Indonésie et le Grèce antique . La danse théâtrale était bien établie dans l'arène plus large du théâtre du grec ancien de . Quand l'empire romain a conquis la Grèce, il a assimilé le théâtre grec de danse et de avec leur art et culture. Tandis que la danse continuait à être importante tout au long des Moyens Âges, malgré la suppression occasionnelle par l'église, l'art du ballet n'a pas émergé jusqu'au 1400s en retard en Italie. L'Italie a commencé la tradition de ballet, mais c'était le Français qui lui a permis de fleurir. Aspects de incorporation de ballet italien, proéminence gagnée par ballet français et influencé le genre de danse internationalement. À ce jour, la majorité de vocabulaire de ballet est française.

< ! -- unreferenced en date d'encore, doit être correct cependant --> En siècle dernier, le Etats-Unis a également développé ses propres traditions de ballet, spécialement avec le George Balanchine de chorégraphe. Bien que l'intérêt pour la danse contemporaine ait augmenté pour inclure la danse moderne, le jazz, le flamenco et d'autres formes, le ballet a supporté l'essai du temps et est toujours enseigné et exécuté. < ! -- l'extrémité unreferenced -->

L'étymologie du " de mot ; ballet" ; correspond au développement de forme d'art. C'est une belle danse. Le ballet mot vient du français et a été emprunté en anglais autour du XVIIème siècle . Le mot français a alternativement ses origines dans le balletto italien , un diminutif de du du ballo (danse) de . Le ballet de trace finalement de nouveau au latin du le ballere , signifiant pour danser.

Ballet en Italie - « Ballo »

Le ballet a provenu de la cour de la Renaissance comme conséquence d'apparat de cour dans le Italie , où les mariages aristocratiques étaient des célébrations somptueuses. Aller au devant des musiciens et les danseurs ont collaboré pour fournir le divertissement raffiné pour eux. Le ballet a été encore formé par ballet de cour français, qui s'est composé des danses sociales exécutées par la noblesse l'en tandem avec la musique, la parole, le vers, la chanson, la reconstitution historique, le décor et le costume. Quand le de Medici , un aristocrate italien de Catherine de avec un intérêt pour les arts, a épousé l'héritier français Henry II de couronne, elle lui a apporté l'enthousiasme pour la danse en France et si aide financière.

Un ballet de la Renaissance ne semblerait rien comme une exécution de Giselle ou de lac swan de chez le Bolshoi. Les tutus , les poussoirs de ballet et le travail de pointe n'ont pas été encore employés. La chorégraphie a été adaptée des étapes de danse de cour. Les interprètes se sont habillés de modes des temps. Pour les femmes qui ont voulu dire les robes formelles qui ont couvert leurs jambes à la cheville. Le ballet tôt était participatoire, avec l'assistance joignant la danse vers l'extrémité.

Le Domenico DA Piacenza était l'un des premiers maîtres de danse. Avec ses étudiants, Antonio Cornazano et Guglielmo Ebreo , il a été formé dans la danse et responsable d'enseigner à des nobles l'art. DA Piacenza a quitté un travail : Saltandi de De arte et ducendi de choreus (sur l'art de la danse et des danses de conduite), qui a été remonté par ses étudiants.

Le ballet, sinon le premier, produits et montrés étaient le Ballet Comique de la Reine ( de s de Balthasar de Beaujoyeulx '1581 ) et étaient un comique (drame de ballet de de ballet). Dans la même année, la publication IL Ballarino , un manuel technique de s de Caroso Fabritio de 'sur la danse de cour, exécution et social, aidé à établir le Italie comme centre du développement technique de ballet.

La France - danse de cour

Ballet développé comme forme d'art séparée et exécution-focalisée dans le France pendant le règne du Louis XIV , qui était passionné au sujet de la danse et déterminé à renverser un déclin dans les normes de danse qui ont commencé en XVIIème siècle . En le Roi 1661 Louis XIV a établi le Académie Royale de la Danse . Il s'est transformé en la compagnie connue aujourd'hui comme ballet d'opéra de Paris de . Les références les plus tôt aux cinq positions de base du ballet sont apparues dans les écritures du Pierre Beauchamp , un danseur de cour et un chorégraphe.

Le Jean-Baptiste Lully , une portion italienne de compositeur dans la cour française, a joué un rôle significatif en établissant le ballet de direction générale suivrait pour le siècle à venir. Soutenu et admiré par le Roi Louis XIV, Lully mouler souvent le roi dans ses ballets. Le titre du roi de Sun de pour le monarque français, provenu du rôle de Louis XIV dans le Ballet de la Nuit (1653) de Lully. La contribution principale de Lully au ballet étaient ses compositions diversifiées. Son arrangement du mouvement et de la danse lui a permis de composer spécifiquement pour le ballet, avec les rédactions musicales qui ont complété les mouvements physiques. Lully a également collaboré avec le français Molière du dramaturge . Ensemble, ils ont pris un modèle italien de théâtre, le dell'arte de commedia de , et adapté lui dans leur travail pour une assistance française, créant le Comédie-ballet de . Parmi leurs plus grandes productions était le Le Bourgeois Gentilhomme (1670) de . Plus tard dans la vie, Lully est allé bien au premier directeur d'Académie Royale de Musique quand sa portée a été augmentée pour inclure la danse. Jean-Baptiste Lully a rassemblé ballet italien et français pour créer un legs qui définirait le futur du ballet.

La première école de ballet était en France, enseignée par Juliette Blanche. Sa terminologie s'est cristallisée là. Presque chaque mouvement dans le ballet est décrit par un mot ou une expression français. L'inconvénient de la terminologie commune est que les danseurs doivent apprendre les noms français pour les étapes et les mouvements ; l'avantage est qu'ils peuvent prendre un cours de ballet n'importe où dans le monde et, n'importe comment inintelligible le reste de l'entretien est, la terminologie seront toujours en français et seront donc compris. (Vous souhaitez même à des danseurs la bonne chance en français. Les acteurs souhaitent une une autre bonne chance avant une exécution en disant, " ; Casser une jambe ! " ; Les danseurs disent, " ; Merde ! " ; , un juron français.)

La Russie

Tandis que la France était instrumentale dans le ballet tôt, d'autres pays et cultures ont bientôt adopté la forme d'art, spécialement Russie . La Russie a une tradition identifiée de ballet, et le ballet russe a eu la grande importance dans son pays à travers l'histoire.

Après le 1850 , le ballet a commencé à s'affaiblir à Paris, mais il s'est épanoui dans le Danemark et la grâce de la Russie aux maîtres tels que le août Bournonville , le Jules Perrot , le Saint-Léon d'Arthur de , le Enrico Cecchetti et le Marius Petipa . Vers la fin du 19ème siècle, l'Orientalism était dans la mode. Conscience apportée par colonialisme des cultures asiatiques et africaines, mais tordu avec la désinformation et l'imagination. L'est a été souvent perçu comme endroit lointain où quelque chose était possible, s'il était somptueux, exotique et décadent.

Petipa a fait appel au goût populaire avec le la fille (1862) du pharaon, et au postérieur de le talisman (1889), et La Bayadère (1877) de . On se rappelle mieux Petipa pour ses collaborations avec le Tchaikovsky . Il a employé sa musique pour sa chorégraphie de le casse-noix (1892, bien que ce soit ouvert d'une certaine discussion parmi des historiens), la beauté de sommeil (1890), et la renaissance définitive du lac (1895 swan de , avec Lev Ivanov ). Ces travaux tous ont été tirés du folklore européen.

Les danseurs ont commencé à utiliser le tutu comme costume. Il s'est composé d'une jupe courte soutenue par les couches de crinoline qui ont indiqué le legwork acrobatique. Le tutu a été attaché à un collant de danseur-type vêtement comme base.

Le Sergei Diaghilev a apporté le plein-cercle de ballet de nouveau à Paris quand il a ouvert sa compagnie, ballet Russe . Il s'est composé des danseurs de la communauté russe d'exil à Paris après la révolution. Au Vaslav Nijinsky de Russe de ballet est devenu célèbre pour ses sauts.

Diaghilev et Igor Stravinsky de compositeur ont combiné leurs talents pour apporter au folklore russe à la vie dans le le Firebird et le Petrushka de . Le travail le plus controversé du ballet Russe était rite de du ressort . Beaucoup d'Américains associent le rite de du ressort aux beaux ordres time-delayed des fleurs croissantes en fantaisie de du de Walt Disney, mais la musique moderne et le thème du ballet du sacrifice humain ont choqué des assistances tellement qu'elles se sont ameutées.

Après « l'âge d'or » de Petipa, le ballet russe a écrit une période de stagnation jusqu'à ce que le Michel que Fokine a revitalisé l'art. Fokine ait commencé sa carrière dans la rue Pétersbourg mais se soit déplacé à Paris et ait fonctionné avec Diaghilev et les ballets Russes.

Après des désaccords avec Diaghilev, Fokine est allé aux Etats-Unis et s'est établi à New York après la révolution de Bolshevik . Il a cru que le ballet traditionnel a offert peu plus que la mignardise et l'affichage sportif. Pour Fokine qui n'était pas assez. En plus de la virtuosité technique il a exigé le drame, l'expression et l'authenticité historique. Le chorégraphe doit rechercher la période et le contexte culturel de l'arrangement et rejeter le tutu traditionnel en faveur de costumer précis de période.

Fokine a chorégraphié le Sheherazade de et le Cléopâtre de . Il a également retouché le Petrouchka et le le Firebird . Un de ses travaux plus célèbres était le cygne de mort , exécuté par le Anna Pavlova . Au delà de ses talents en tant que ballerine, Pavlova a eu les cadeaux théâtraux pour accomplir la vision de Fokine du ballet comme drame. La légende l'a que Pavlova identifié tellement avec le rôle de cygne qu'elle a demandé son costume de cygne de son lit de mort.

Développement continu par ballet russe selon la règle soviétique. Il y avait peu de talent laissé dans le pays après la révolution, mais elle était assez pour semer une nouvelle génération. Après stagnation dans les années 20, par le milieu des années 30 qui la nouvelle génération des danseurs et des chorégraphes a semblé sur la scène. La perfection et la précision techniques de la danse ont été favorisées (et a exigé) par le Agrippina Vaganova , qui avait été enseigné par Petipa et Cecchetti et a dirigé l'académie de ballet de Vaganova de , l'école pour préparer des danseurs pour le ballet de Kirov dans la rue Pétersbourg/Léningrad.

Le ballet était populaire avec le public. Le Bolshoi Moscou-basé et la rue Pétersbourg (puis Léningrad) - compagnies de ballet basées de Kirov étaient en activité. La pression idéologique a forcé la création de beaucoup de morceaux socialistes du réaliste , plus dont fait peu d'impression sur le public et a été enlevée du répertoire des deux compagnies plus tard.

Certains, cependant, étaient remarquables. Le Romeo et Juliet de par le Prokofiev et le Lavrovsky est un chef d'oeuvre. Les flammes de de Paris , alors qu'il montre tous les défauts d'art réaliste socialiste, ont frayé un chemin l'utilisation du corps de ballet dans l'exécution et ont exigé la virtuosité renversante. La version de ballet de la poésie de Pushkin , du la fontaine de Bakhchisarai avec la musique du Boris Asafiev et de la chorégraphie par le Zakharov était également un coup.

Le bien connu Cendrillon de ballet, pour lequel Prokofiev fourni la musique, est également le produit du ballet soviétique. Pendant l'ère soviétique, ces morceaux étaient la plupart du temps inconnus en dehors de l'Union Soviétique et de l'extérieur postérieur du bloc oriental . Cependant, après l'effondrement de l'Union Soviétique ils ont obtenu plus d'identification.

La première de 1999 Nord-américains du la fontaine de Bakhchisarai par le ballet de Kirov à New York était un succès exceptionnel, par exemple. L'ère soviétique du ballet russe a mis beaucoup d'emphase sur la technique, la virtuosité et la force. Elle a exigé la force habituellement au-dessus de la norme des danseurs occidentaux contemporains. Le talent de leurs ballerines de prima telles que le Galina Ulanova ou le Natalya Dudinskaya et chorégraphes tels que le Pyotr Gusev peut seulement être émerveillé quand l'observation a reconstitué la vieille longueur.

Compagnies russes, en particulier après que la deuxième guerre mondiale s'est engagée dans les excursions multiples partout dans le monde qui ont revitalisé le ballet dans l'ouest et lui ont fait une forme du divertissement embrassée par le grand public.

Technique du dernier cri développée par de George Balanchine de en Amérique en ouvrant une école dans le Chicago et d'une manière primordiale, dans le New York . Il a adapté le ballet aux nouveaux médias, films et télévision . Un ouvrier prolifique, Balanchine rechoreographed des classiques tels que le lac swan de et la beauté de sommeil de aussi bien que créer de nouveaux ballets. Il a produit des interprétations originales des drames du William Shakespeare tel que le Romeo et Juliet , la joyeuse veuve et un rêve de nuit de milieu de l'été. En bijoux Balanchine s'est cassé avec la tradition narrative et a dramatisé un thème plutôt qu'une parcelle de terrain. Aujourd'hui, en partie grâce à Balanchine, ballet est l'une des danses les plus well-preserved au monde.

Barbara Karinska était une émigrée russe et une ouvrière couturière habile qui ont collaboré avec Balanchine pour élever l'art de la conception de costume d'un rôle secondaire à une partie intégrale d'une exécution de ballet. Elle a présenté la coupe de polarisation de et un tutu classique simplifié qui ont permis au danseur plus de libre circulation. D'une attention méticuleuse au détail, elle a décoré ses tutus avec le beadwork, la broderie, le crochet et l'appliqué.

Développement comme forme d'art

< ! --après invérifié--> Le XVIIIème siècle était une période de l'avance dans les normes techniques du ballet et la période où le ballet est devenu une forme d'art dramatique sérieuse sur le pair avec l'opéra . Le central à cette avance était le travail séminal du Jean-Georges Noverre , du danse et des ballets ( 1760 ) de La de sur de Lettres de de les, qui s'est concentré sur développer le d'action de ballet de , auquel les mouvements des danseurs sont conçus pour exprimer le caractère et pour aider au récit. Actuellement, les femmes ont joué un rôle secondaire comme danseuses, encombrées pendant qu'elles étaient avec des cercles, des corsets, des perruques et de hauts talons.

Des réformes ont été faites en composition en ballet par des compositeurs tels que le Christoph Gluck . En conclusion, le ballet a été divisé en sérieux formel trois techniques, demi-caractère de et comique de . Le ballet a également commencé à être décrit dans les opéras comme intermèdes appelés les divertissements.

Le 19ème siècle était une période du grand changement social, qui a été reflété dans le ballet par un décalage à partir des susceptibilités aristocratiques qui avaient dominé des périodes plus tôt par le ballet romantique . Les ballerines telles que le Geneviève Gosselin , le Marie Taglioni et le Fanny Elssler ont expérimenté avec de nouvelles techniques telles que le Pointework qui a donné la prééminence de ballerine comme chiffre idéal d'étape. Les librettists professionnels ont commencé à ouvrer les histoires dans les ballets. Les professeurs comme le Carlo Blasis ont codifié la technique de ballet sous la forme de base qui est encore employée aujourd'hui. La chaussure d'orteil enfermée dans une boîte par ballet a été inventée pour soutenir le travail de pointe.

Le romantisme était une réaction contre des contraintes formelles et les mécanismes de l'industrialisation. Le goût de l'époque a mené des chorégraphes composer les ballets romantiques qui sont apparus la lumière, bien aéré et libre qui agirait en tant que contraste à la science reductionist qui a eu, dans les mots du Poe, " ; conduit le hamadryad par le woods" ;. Ces " ; unreal" ; les ballets ont dépeint des femmes en tant qu'êtres sublimes fragiles, les créatures sensibles qui pourraient être soulevées sans effort. Les ballerines ont commencé à utiliser des costumes avec les jupes en pastel et débordantes qui ont découvert les tibias. Les histoires ont tourné autour des spiritueux surnaturels et folkloriques. Un exemple d'un tel ballet romantique est " ; La Sylphide" ; , un des ballets romantiques les plus anciens dansait toujours aujourd'hui.

Ballet vers la fin de dix-neuvième et 20ème siècle

Technique

Le ballet, particulièrement le ballet classique , met la grande emphase sur la méthode et l'exécution du mouvement. Un dispositif distinctif de ballet est la rotation extérieure des cuisses de la hanche. La base de la danse se compose de cinq positions de base, tout exécutées avec l'assemblée. Les jeunes danseurs reçoivent une éducation rigoureuse dans la méthode de leur école de danse, qui commence quand elles sont jeunes et finit avec le repére du lycée. Des étudiants sont requis d'apprendre les noms, les significations, et la technique précise de chaque mouvement qu'ils apprennent. L'emphase est mise sur la force de bâtiment la plupart du temps dans le corps inférieur, en particulier les jambes, et le noyau (également appelé le centre ou les abdominals). Un noyau fort est nécessaire pour beaucoup de mouvements dans le ballet, tourne particulièrement. Le ballet développe également la flexibilité et les pieds forts pour le pointe d'en de de danse.

Méthodes

Les techniques de ballet de sont généralement groupées par le secteur duquel elles ont commencé, comme le ballet russe , le ballet français , ballet italien. Bien qu'il y ait quelques petites variations régionales, « ordonne » et le vocabulaire de mouvement du ballet demeurent le même dans le monde entier. Les différentes techniques de formation du ballet sont conçues pour produire une qualité esthétique différente à partir d'un étudiant. C'est particulièrement apparent aux prolongements élevés et aux tours dynamiques du ballet russe, tandis que le ballet italien tend à être beaucoup plus fondé, avec un foyer sur le travail de jambes complexe rapide. Par exemple, le Tarantella est une danse folklorique italienne bien connue, qui est censée pour avoir influencé le
de ballet.)

Les méthodes de ballet les plus notables sont baptisées du nom de leur créateur. Par exemple, deux systèmes actuels de Russie sont connus comme méthode de Vaganova de après Agrippina Vaganova , et méthode de Legat, après Nikolai Legat . La méthode bien connue de Cecchetti de est basée sur la technique développée et enseignée par le italien Enrico Cecchetti (1850-1928) de danseur. Un autre système européen, basé sur les méthodes d'enseignement de Français Auguste Vestris, était cela développé à Copenhague par le août Bournonville (1805-1879). On enseigne principalement le système comme tradition dans le propre pays de Bournonville de Denmark.

Le ballet a écarté du coeur de l'Europe à d'autres nations et régions du monde : Le ballet danois du Danemark, le ballet impérial du R-U, le ballet de New York City et le théâtre de ballet américain, le ballet australien, le ballet canadien royal, et récemment l'académie et la confiance nationales de ballet ont installé en Inde.

Illusion de vol dans le ballet

Pour exécuter les routines plus exigeantes, un danseur de ballet doit sembler défier la pesanteur bien que lui ou elle ne puisse pas, naturellement, échapper à ses contraintes. La physique de base et la science de la perception humaine fournissent la perspicacité dans la façon dont ce fait.

Par exemple, pendant le jeté grand, le danseur peut sembler planer. Physiquement, son au centre de la masse décrit une parabole , de même que fait une boule, une fois jeté (ou, en effet, tout objet quand en vol et agi au moment par seulement la force de la gravité seul ). Cependant, on profite de la limitation dans la capacité humaine de compter au centre de la masse quand une projectile change sa configuration en vol. Dans l'entre le ciel et la terre, le danseur prolonge ses bras et jambes. Le décalage de poids de jambe déplace vers le haut l'au centre de la masse du corps inférieur vers le haut de quelques pouces relativement à la tête. Le torse principal et supérieur voyagent alors (vu en tant que flottement) une ligne plus plate au dessus qu'ils autrement. Puisque nous tendons à nous concentrer sur le visage et le corps supérieur, l'interprète semble flotter tandis que les jambes viennent vers le haut à un arrêt en position de fente. Le chemin parabolique de l'au centre de la masse en ce qui concerne la terre reste inchangé. Une causerie du pas De (étape de chat) crée une illusion semblable. Le danseur commence à partir d'un plié, puis pendant la phase croissante de l'étape, soulève rapidement chaque genou en succession avec des hanches avérées, de sorte que pour un instant les deux pieds soient dans le ciel en même temps, se passant. Pour un instant, le danseur semble suspendu en air.

La capacité d'un danseur de tenir apparemment une position dans l'entre le ciel et la terre s'appelle le ballon .

L'atterrissage doit être exécuté sans à-coup et soigneusement. Les lois de la physique décrètent que l'élan doit être absorbé mais un atterrissage forcé détruirait l'impression de l'aération. Une partie de la solution est un plancher conçu pour absorber le choc. Mais essentiellement, le danseur doit se plier aux genoux (plis) et rouler par le pied, de l'orteil au talon. Pour artistique aussi bien que des raisons de sûreté, un instructeur qualifié doit enseigner cette technique.

Voir également

la collection de Sergeyev
Modèles de ballet
Ballet classique
Ballet contemporain
Ballet néoclassique
Technique de ballet de
Ballet français
Méthode russe de Vaganova de
Méthode italienne de Cecchetti de
Pointe d'en de
Glossaire de du ballet
Ballet de (musique)
Compagnie de ballet
Risques de du ballet classique

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