Art japonais

histoire d'art apanese portail de rigami L'art japonais couvre un éventail de modèles et de médias d'art, y compris la poterie antique, la sculpture en bois et bronze, la peinture d'encre sur la soie et le papier, et une myriade d'autres types de travaux d'art. Il a également une longue histoire, s'étendant des commencements de l'habitation humaine dans le Japon , autrefois dans le 10ème millénium AVANT JÉSUS CHRIST, au présent.

Historiquement, le Japon a été sujet à des invasions soudaines de nouvelles et étrangères idées suivies de longues périodes de contact minimal avec le monde extérieur. Avec le temps où le Japonais a développé la capacité d'absorber, imite, et assimile finalement ces éléments de culture étrangère qui ont complété leurs préférences esthétiques. L'art complexe le plus tôt au Japon a été produit aux 7èmes et 8èmes siècles A. en liaison avec le bouddhisme . Au 9ème siècle, en tant que Japonais a commencé à tourner à partir du Chine et développer les formes indigènes d'expression, les arts séculaires sont devenus de plus en plus importants ; jusqu'aux arts religieux et séculaires en retard de XVème siècle, s'est épanoui. Après la guerre ( 1467 - 1477 ) de Ōnin de , le Japon a écrit une période de rupture politique, sociale, et économique qui a duré pendant plus d'un siècle. Dans le déclarer qui a émergé sous la conduite du shogunate de Tokugawa de , la religion organisée a joué un rôle beaucoup moins important en quelques vies des personnes, et les arts qui ont survécu étaient principalement séculaires.

La peinture est l'expression artistique preferred au Japon, pratiqué par d'amateur et le professionnel de même. Jusqu'aux temps modernes, le Japonais a écrit avec une brosse plutôt qu'un stylo , et leur connaissance des techniques de brosse les a rendues particulièrement sensibles aux valeurs et à l'esthétique de la peinture. Avec l'élévation de culture populaire dans la période d'Edo , un modèle des copies de woodblock de appelées le Ukiyo-e de est devenu un artform important et ses techniques ont été très bien accordées pour produire les copies colorées de tout à partir des nouvelles quotidiennes à livres scolaires. Le Japonais, dans cette période, a trouvé la sculpture en un milieu beaucoup moins sympathique pour l'expression artistique ; la plupart de sculpture japonaise est associée à la religion , et l'utilisation du milieu est diminuée avec l'importance de amoindrissement du bouddhisme traditionnel.

La céramique japonaise est parmi le plus fin au monde et inclut les objets façonnés connus les plus tôt de leur culture. En architecture , des préférences japonaises pour les matériaux normaux et une interaction de l'espace intérieur et extérieur sont clairement exprimées.

Aujourd'hui, le Japon rivalise la plupart des autres nations modernes dans ses contributions à l'art moderne, mode et l'architecture, avec des créations vraiment d'un moderne, global, et multiculturel (ou acultural) s'est pliée.

Histoire d'art japonais

Art de Jōmon

Les premiers colons du Japon, les personnes de Jōmon (c 11000 ? &ndash ; c 300 AVANT JÉSUS CHRIST), appelé pour les inscriptions de la corde qui ont décoré les surfaces de leurs navires d'argile, étaient des chasseur-ramasseurs nomades qui plus tard ont pratiqué l'agriculture organisée et les villes construites avec la population des milliers de centaines sinon. Ils ont construit les maisons simples de l'ensemble en bois et de chaume dans les puits de terre peu profonds pour fournir la chaleur du sol. Ils ont ouvré les récipients largement décorés de poterie, les figurines d'argile appelées le Dogu de , et les bijoux en cristal.

Art de Yayoi

La prochaine vague des immigrés était les personnes de Yayoi , appelées pour la zone dans le Tokyo où des restes de leurs règlements d'abord ont été trouvés. Ces personnes, arrivant au Japon environ 350 AVANT JÉSUS CHRIST, ont apporté leur connaissance de culture de riz de marécage, la fabrication des cloches d'arme et en bronze de cuivre ( Dōtaku de ), et roue-jeté, four-a mis le feu à la céramique.

Art de Kofun

La troisième étape dans la préhistoire japonaise, le Kofun , ou le tumulus , période (ANNONCE 250&ndash de de c ; 552), représente une modification de culture de Yayoi , attribuable au développement interne ou à la force externe. Dans cette période, groupes de personnes divers alliances politiques formées et fusionnés dans une nation. Les objets façonnés typiques sont les miroirs en bronze, les symboles des alliances politiques, et les sculptures en argile appelées le Haniwa de qui ont été érigées en dehors des tombeaux.

Art d'Asuka et de Nara

Au cours du Asuka et des périodes de Nara de que a ainsi appelées parce que le siège du gouvernement japonais a été situé dans la vallée d'Asuka du 552 au 710 et dans la ville du Nara jusqu'au 784 , la première invasion significative par la culture continentale asiatique a eu lieu au Japon.

La transmission du bouddhisme a fourni l'impulsion initiale pour des contacts entre le Chine , le Corée et le Japon . Le Japonais a identifié les facettes de la culture chinoise qui pourraient profitablement être incorporées à leurs propres : un système pour convertir des idées et des bruits en écriture ; Historiographie ; théories complexes de gouvernement, telles qu'une bureaucratie efficace ; et, le plus important pour les arts, les nouvelles technologies, les nouvelles techniques de bâtiment, les méthodes plus avancées de moulage en bronze , et les nouveaux techniques et médias pour la peinture.

Tout au long des 7èmes et 8èmes siècles, cependant, le foyer principal dans les contacts entre le Japon et le continent asiatique était le développement du bouddhisme. Non tous les disciples acceptent sur les dates significatives et les noms appropriés de s'appliquer à de diverses périodes de temps entre le 552 , la date officielle de l'introduction du bouddhisme en le Japon, et le 784 , quand le capital japonais a été transféré à partir de Nara. Les désignations les plus communes sont la période de Suiko, &ndash du 552 ; 645 ; la période de Hakuho, &ndash du 645 ; 710 , et la période de Tenpyō, &ndash du 710 ; 784 .

Les sculptures japonaises les plus tôt du Bouddha sont datées au 6ème et 7ème siècle. Elles dérivent finalement de l'art Greco-Bouddhiste du ęr-3ème de siècle de la CE du Gandhara , caractérisé par les modèles débordants de robe et le rendu réaliste, auxquels des traits artistiques chinois et coréens ont été superposés. Elles illustrent le point terminal de la transmission de route en soie de de l'art pendant les siècles premiers de notre ère. D'autres exemples peuvent être trouvés dans le développement de l'iconographie de Dieu japonais de vent de Fujin , des gardiens de NIO , et des modèles floraux classiques du near- dans des décorations de temple.

Les premières structures bouddhistes encore existantes au Japon, et les bâtiments en bois les plus anciens dans le Extrême Orient sont trouvés au Hōryū-ji au sud-ouest de Nara. D'abord construit au 7ème siècle tôt comme temple privé de prince Shotoku , il de de couronne se compose de 41 bâtiments indépendants. Les plus importants, le hall principal de culte, ou Kondo (Hall d'or), et Goju-aucun-à (pagoda Five-story ), stand au centre d'un terrain découvert entouré par un cloître couvert. Le Kondo , dans le modèle des halls du culte de Chinois de , est une structure two-story de construction de poteau-et-faisceau, couverte par un Irimoya de , ou toit déhanché-à pignon des carreaux de céramique.

À l'intérieur du Kondo , sur une grande plate-forme rectangulaire, sont certaines des sculptures les plus importantes de la période. L'image centrale est une trinité de Shaka ( 623 ), le historique Bouddha flanqué deux de la fonte de sculpture en Bodhisattvas en bronze par les tores de de sculpteur Busshi (épanoui tôt 7ème siècle) dans l'hommage au prince récemment décédé Shotoku. Aux quatre coins de la plate-forme sont les rois de gardien de des quatre directions , découpés en bois autour du 650 . Également logé au Hōryū-ji est le tombeau , une reproduction en bois de Tamamushi de d'un Kondo , qui est placé sur une base en bois élevée qui est décorée des peintures figural exécutées dans un milieu des colorants minéraux mélangés à la laque.

Le bâtiment de temple au 8ème siècle a été focalisé autour du Tōdai-ji à Nara. Construit comme sièges sociaux pour un réseau des temples dans chacune des provinces, le Tōdaiji est le complexe religieux le plus ambitieux érigé en siècles tôt de culte bouddhiste au Japon. Convenablement, les 16.2 m (53-pi) Bouddha ( réalisé 752 ) enchâssé dans le hall principal de Bouddha, ou le Daibutsuden de , sont un Rushana Bouddha , la figure qui représente l'essence de Buddhahood, juste comme le Tōdaiji représentait le centre pour le bouddhisme impérial commandité et sa diffusion dans l'ensemble du Japon. Seulement quelques fragments de la statue originale survivent, et le hall actuel et le Bouddha central sont des reconstructions de la période d'Edo .

Groupés autour du Daibutsuden sur un flanc de coteau doucement en pente sont un certain nombre de halls secondaires : le Hokkedo (lotus Sutra Hall) de , avec son image principale, le Kannon (le bodhisattva le plus populaire) de Fukukenjaku , ouvré de la laque sèche (tissu plongé dans la laque et formé au-dessus d'une armature en bois) ; le Kaidanin (classification Hall) de avec ses statues magnifiques d'argile des rois de gardien du quatre ; et l'entrepôt, appelé le Shosoin de . Cette dernière structure est de grande importance comme cachette art-historique, parce que dans elle sont stockés les ustensiles qui ont été utilisés dans la cérémonie de l'attachement du temple dans 752, le rituel eye-opening pour l'image de Rushana, aussi bien que des documents gouvernementaux et beaucoup d'objets séculaires possédés par la famille impériale.

Art de Heian

Dans le 794 le capital du Japon a été officiellement transféré à Heian-kyo ( actuel Kyoto ), où il est demeuré jusqu'au 1868 . La période de Heian de de limite se rapporte aux années entre le 794 et le 1185 , quand le shogunate de Kamakura de a été établi à la fin de la guerre de Genpei de . La période est encore divisée en Heian tôt et défunt Heian, ou l'ère , la date pivotale de Fujiwara de étant le 894 , les ambassades impériales de d'année en Chine ont été officiellement discontinuées.

Art tôt de Heian de : en réaction à la richesse et à la puissance croissantes du bouddhisme organisé à Nara, le Kūkai de prêtre (le plus connu par son titre posthume Kōbō Daishi, 774 - 835 ) a voyagé en Chine pour étudier le Shingon , une forme de de bouddhisme de Vajrayana , qu'il a présentée en le Japon dans le 806 . Au noyau du culte de Shingon sont les diagrammes des mandalas de l'univers spirituel, qui a alors commencé à influencer la conception de temple. L'architecture bouddhiste japonaise a également adopté le Stupa , à l'origine une forme architecturale indienne , dans sa pagoda de Chinois-modèle.

Les temples érigés pour cette nouvelle section ont été construits dans les montagnes, lointaines de la cour et des laïcs dans la capitale. La topographie irrégulière de ces emplacements a forcé les architectes japonais à repenser les problèmes de la construction de temple, et ce faisant à choisir des éléments plus indigènes de conception. Cyprès-écorcer les toits a remplacé ceux du carreau de céramique, des planches en bois ont été employées au lieu des planchers de terre, et un secteur séparé de culte pour les laïcs a été ajouté devant le sanctuaire principal.

Le temple qui reflète mieux l'esprit des temples tôt de Shingon de Heian est le Muro-ji (tôt 9ème siècle), ensemble profondément dans un stand des arbres de cyprès sur un sud-est de montagne de Nara. L'image en bois (aussi tôt 9ème C.) du Shakyamuni , le " ; historic" ; Bouddha, enchâssé dans un bâtiment secondaire à Muro-ji, est typique de la sculpture tôt en Heian, avec son corps lourd, couvert par les plis épais de draperie découpés dans le modèle de Hompa-shiki de (roulement-onduler), et de son expression faciale austère et retirée.

Art de Fujiwara de : dans la période , le bouddhisme de Fujiwara de de terre pure de , qui a offert le salut facile par la croyance dans le Amida (Bouddha du paradis occidental), est devenu populaire. Cette période est baptisée du nom de la famille de Fujiwara de , puis du plus puissant dans le pays, qui a ordonné comme régents pour l'empereur, allant bien, en effet, aux dictateurs civils. Concurremment, la noblesse de Kyoto a développé une société consacrée aux poursuites esthétiques élégantes. Si bloqué et beau était leur monde qu'ils ne pourraient pas concevoir du paradis en tant qu'étant beaucoup différents. Ils ont créé une nouvelle forme de hall de Bouddha, le hall d'Amida, qui mélange le séculaire avec le religieux, et logent une ou plusieurs images de Bouddha dans une structure ressemblant aux manoirs de la noblesse.

Le Ho-o-font (Phoenix Hall, accompli 1053) du Byodoin , un temple dans le Uji au sud-est de Kyoto, est l'exemplaire des halls de Fujiwara Amida. Il se compose d'une structure rectangulaire principale flanquée de deux couloirs en forme de L d'aile et d'un couloir de queue, ensemble au bord d'un grand étang artificiel. À l'intérieur de, une image d'or simple d'Amida ( 1053 de C.) est installée sur une plate-forme élevée. La sculpture en Amida a été exécutée par le Jocho , qui a employé un nouveau canon des proportions et d'une nouvelle technique ( Yosegi de ), auxquelles des morceaux de bois multiples sont découpés dehors comme des coquilles et associés de l'intérieur. Appliqués aux murs du hall sont de petits découpages de soulagement des celestials, le centre serveur censé avoir Amida accompagné quand il est descendu du paradis occidental pour recueillir les âmes des croyants au moment de la mort et pour les transporter dans des fleurs de lotus au paradis. les peintures de Raigo de sur les portes en bois du Ho-o-font, dépeignant la descente de l'Amida Bouddha, sont un exemple tôt de Yamato-e , peinture de Japonais-modèle, et contiennent des représentations du paysage autour de Kyoto.

E-maki : en siècle dernier de la période de Heian, le handscroll narratif horizontal et illustré, l'e-maki , est venu à l'avant. Datant environ du 1130 , le « conte illustré de de Genji » représente un des clous de la peinture japonaise. Écrit au sujet du 1000 d'année par le Murasaki Shikibu , un lady-in-waiting au Akiko d'impératrice, le roman traite la vie et les amours du prince Genji et le monde de la cour de Heian après sa mort. Les 12èmes artistes de siècle de la version de l'e-maki de ont conçu un système des conventions imagées qui donnent visuellement le contenu émotif de chaque scène. Dans la deuxième moitié du siècle, un modèle différent et plus animé d'illustration narrative continue est devenu populaire. L'interdiction Dainagon Ekotoba (tard 12ème siècle), un rouleau qui traite une intrigue à la cour, souligne des figures dans le mouvement actif représenté dans les courses rapidement exécutées de brosse et amincit mais couleurs vibrantes de .

Le E-maki servent également de certains des exemples les plus tôt et plus grands du Otoko-e (les images de des hommes) et des modèles d'Onna-e (les images de des femmes) de la peinture. Il y a beaucoup de différences fines dans les deux modèles, faisant appel aux préférences esthétiques des genres. Mais peut-être le plus facilement apparentes sont les différences dans les thèmes. Le Onna-e , résumé par le conte du handscroll de Genji, traite typiquement de la vie de cour, en particulier des dames de cour, et des thèmes romantiques. Le Otoko-e , d'une part, a souvent enregistré des événements historiques, en particulier batailles. Le siège de du palais ( 1160 ) de Sanjō, représenté dans le " de peinture ; Attaque de nuit sur le Sanjō Palace" ; est un exemple célèbre de ce modèle.

Art de Kamakura

Dans le 1180 une guerre a éclaté entre les deux clans de guerrier les plus puissants, le Taira et le Minamoto ; cinq ans après le Minamoto a émergé victorieux et établi un siège de gouvernement de fait au village de bord de la mer du Kamakura , où il est resté jusqu'au 1333 . Avec le décalage de la puissance de la noblesse à la classe de guerrier, les arts ont dû satisfaire une nouvelle assistance : les hommes consacrés aux qualifications de la guerre, prêtres ont commis à rendre le bouddhisme disponible aux hommes du peuple illettrés, et les conservateurs, la noblesse et quelques membres du sacerdoce qui a regretté la puissance en baisse de la cour. Ainsi, le réalisme, une tendance de popularisation, et une renaissance classique caractérisent l'art de la période de Kamakura .

Sculpture en : l'école des sculpteurs, en particulier Unkei de Kei de , a créé un nouveau, plus réaliste modèle de sculpture. Les deux images de gardien de Niō ( 1203 ) dans la grande porte du sud du Tōdai-ji à Nara illustrent le modèle suprarealistic dynamique d'Unkei. Les images, environ 8 m (environ 26 pi) de grand, ont été découpées des blocs multiples dans une période d'environ trois mois, un exploit indicatif d'un système développé de studio des artisans travaillant sous la direction d'un sculpteur principal. Les sculptures en bois polychromed d'Unkei ( 1208 , Kōfuku-ji , Nara) de deux sauges, Muchaku et indiens Seshin , les fondateurs légendaires de la section de Hosso de , sont parmi les travaux réalistes les plus accomplis de la période ; comme rendu par Unkei, elles sont remarquablement individualisées et des images crédibles.

Calligraphie et peinture de : le Kegon Engi Emaki , l'histoire illustrée de de la fondation de la section de Kegon , est un excellent exemple de la tendance de popularisation dans la peinture de Kamakura. La section de Kegon, une des plus importante dans la période de Nara, est tombée des difficultés pendant l'ascendant des sects de la terre pure . Après la guerre ( 1180 - 1185 ) de Genpei de , le Myōe de prêtre du temple de Kōzan-ji de a cherché à rétablir la section et à fournir également un refuge pour des femmes veufs par la guerre. Les épouses des samouraïs avaient été découragées d'apprendre plus qu'un système du Syllabary pour transcrire des bruits et des idées (voir le Kana ), et les la plupart étaient incapables des textes de lecture qui ont utilisé des idéographes chinois (kanji ). Ainsi, le Kegon Engi Emaki de combine des passages de texte, écrits avec un maximum des syllabes facilement lisibles, et des illustrations qui ont le dialogue entre les caractères écrits à côté des haut-parleurs, une technique comparable aux présentations horizontales sur microfilm contemporaines. La parcelle de terrain de l'e-maki , les vies de des deux prêtres coréens qui ont fondé la section de Kegon, est vite arpentée et remplie d'exploits fantastiques tels qu'un voyage au palais du roi d'océan, et d'histoire d'amour intense.

Un travail dans une veine plus conservatrice est la version illustrée du journal intime de Murasaki Shikibu de . Des versions d'E-maki son roman ont continué à être produites, mais la noblesse, à être adaptées au nouvel intérêt pour le réalisme pourtant au nostalgique pendant des jours passés de la richesse et de la puissance, à rétablir et à illustrer le journal intime afin de reprendre la splendeur des temps de l'auteur. Un des passages les plus beaux illustre l'épisode dans lequel Murasaki Shikibu est prisonnier par espièglerie tenu dans sa chambre par deux jeunes courtisans, alors que, juste dehors, le clair de lune brille sur les banques moussues d'un rivulet dans le jardin impérial.

Art de Muromachi

Au cours de la période ( 1338 - 1573 ) de Muromachi de , également appelée la période d'Ashikaga, un changement profond a eu lieu dans la culture japonaise. Le clan d'Ashikaga de a pris la commande du shogunate et a déplacé ses sièges sociaux de nouveau à Kyoto, à la zone de Muromachi de de la ville. Avec le retour du gouvernement au capital, les tendances de popularisation de la période de Kamakura se sont terminées, et l'expression culturelle a pris un caractère plus aristocratique et élitiste. Le bouddhisme du zen , la section de Ch'an a traditionnellement pensé pour avoir été fondé en Chine dans le 6ème CE de siècle, a été présenté pendant une deuxième fois en le Japon et a pris racine.

Peinture de : en raison des entreprises séculaires et des missions commerciales vers la Chine organisée par des temples de Zen, beaucoup de peintures chinoises et des objets d'art ont été importés en le Japon et ont profondément influencé les artistes japonais travaillant pour les temples de zen et le shogunate. Non seulement ces importations ont-elles changé les thèmes de la peinture, mais elles ont également modifié l'utilisation de couleur ; les couleurs lumineuses de Yamato-e ont rapporté aux monochromes de la peinture de la façon chinoise, où les peintures ont généralement seulement des tonalités noires et blanches ou différentes d'une couleur simple.

Typique de la peinture tôt de Muromachi est la description par le Kao (XVème siècle tôt de prêtre-peintre d'active) du légendaire Kensu (Hsien-tzu de moine dans le Chinois) au moment où il a réalisé l'éclaircissement. Ce type de peinture a été exécuté avec des courses rapides de brosse et un minimum de détail. La « capture d'un poisson-chat avec une courge » (XVème siècle tôt, Taizo-dans , Myoshin-ji , Kyoto), par le Josetsu (C. actif 1400) de prêtre-peintre, marque un tournant dans la peinture de Muromachi. Exécuté à l'origine pour un écran bas-debout, elle remounted car un rouleau accrochant avec des inscriptions par les figures contemporaines ci-dessus, une dont se rapporte à la peinture en tant qu'étant dans le " ; nouveau style." ; Dans le premier plan un homme est dépeint sur la banque d'un jet tenant une petite courge et regardant un grand poisson-chat slithery. La brume remplit position de compromis, et les montagnes de fond semblent être lointaines dans la distance. On le suppose généralement que le " ; nouveau style" ; de la peinture, exécuté au sujet du 1413 , se rapporte à un sens plus chinois d'espace lointain dans l'avion d'image.

Les premiers artistes de la période de Muromachi sont le Shubun de prêtre-peintres et Sesshu . Shubun, un moine au temple de Kyoto du Shokoku-ji , créé dans la peinture « lecture dans une plantation en bambou » ( 1446 ) un paysage réaliste avec la récession profonde dans l'espace. Sesshu, à la différence de la plupart des artistes de la période, pouvait voyager en Chine et étudier la peinture chinoise à sa source. « Le long Handscroll » est l'un des travaux les plus accomplis de Sesshu, dépeignant un paysage continu par les quatre saisons.

Art d'Azuchi-Momoyama

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la période de Momoyama

Dans la période (1573-1603) de Momoyama de , une succession des leaders militaires, tels que le Oda Nobunaga , le Toyotomi Hideyoshi , et le Tokugawa Ieyasu , essayé pour apporter la paix et la stabilité politique au Japon après une ère de presque 100 ans de guerre. Oda, un chef de clan mineur, puissance acquise suffisamment pour prendre à la commande de fait de du gouvernement dans le 1568 et, cinq ans après, pour évincer le dernier shogoun d'Ashikaga. Hideyoshi a pris la commande après la mort de l'Oda, mais ses plans pour établir la règle héréditaire étaient foiled par Ieyasu, qui a établi le shogunate de Tokugawa de dans le 1603 .

Peinture de : l'école la plus importante de la peinture dans la période de Momoyama était celui de l'école de Kanō de , et la plus grande innovation de la période était la formule, développée par le Kano Eitoku , pour la création des paysages monumentaux sur les portes coulissantes enfermant une salle. La décoration de la salle principale faisant face au jardin du Juko-dans , un subtemple de Daitoku-ji (un temple de zen à Kyoto), est peut-être le meilleur exemple existant du travail d'Eitoku. Un arbre massif d'Ume de et des pins jumeaux sont dépeints sur des paires de glisser des écrans dans diagonalement vis-à-vis des coins, leurs troncs répétant les verticales des poteaux faisants le coin et de leurs branches se prolongeant à gauche et droit, unifiant les panneaux contigus. L'écran d'Eitoku, « les lions chinois », aussi à Kyoto, indique le modèle "BOLD" et brillamment coloré de la peinture preferred par les samouraïs.

Le Hasegawa Tohaku , un contemporain d'Eitoku, a développé un modèle quelque peu différent et plus décoratif pour les colorations d'écran à grande échelle. Dans son « écran d'érable de », maintenant dans le temple du Chishaku-dans , Kyoto, il a placé le tronc de l'arbre au centre et a prolongé les membres presque au bord de composition, créant un paroir, travail moins architectonique qu'Eitoku, mais une peinture visuellement magnifique. Son écran sextuple, « le bois de pin », est magistralement un rendu en encre monochrome d'une plantation d'arbres enveloppés en brume.

Art de la période d'Edo

Le shogunate de Tokugawa de de la commande incontestée gagnée par de période d'Edo de du gouvernement dans le 1603 avec un engagement pour apporter la paix et stabilité économique/politique au pays ; dans une large mesure il était réussi. Le shogunate a survécu jusqu'au 1867 , quand il a été forcé de capituler en raison de son manque de traiter la pression des nations occidentales d'ouvrir le pays au commerce extérieur. Un des thèmes dominants dans la période d'Edo était les politiques répressives du shogunate et des tentatives des artistes d'échapper à ces restrictions. Le premier de ces derniers était la fermeture du pays aux étrangers et aux équipements de leurs cultures, et l'imposition des codes de conduite stricts affectant chaque aspect de la vie, les vêtements un a porté, la personne une mariée, et les activités une pourraient ou ne devraient pas poursuivre.

En premières années de la période d'Edo, cependant, le plein impact des politiques de Tokugawa n'avait pas encore été feutre, et certaines des expressions les plus fines du Japon dans l'architecture et la peinture ont été produites : Palais de Katsura à Kyoto et les peintures du Tawaraya Sōtatsu , pionnier de l'école de Rimpa .

Architecture de : le Katsura de a détaché le palais , construit dans l'imitation le palais de s de prince Genji de ', contient un ensemble des bâtiments de shoin qui combinent des éléments d'architecture japonaise classique avec des réaffirmations innovatrices. Le complexe de totalité est entouré par un beau jardin avec des chemins pour la marche.

Peinture de : Sōtatsu a évolué un modèle décoratif superbe en recréant des thèmes de la littérature classique, using les figures et les motifs brillamment colorés du monde normal réglé sur des fonds d'or-feuille. Un de ses travaux plus fins est la paire d'écrans les vagues à Matsushima dans la galerie plus libre à Washington, C. Un siècle plus tard, Korin a retouché le modèle de Sōtatsu et a créé les travaux visuellement magnifiques uniquement ses propres. Peut-être ses plus fins sont les colorations d'écran des fleurs rouges et blanches d'ume.

La sculpture en le Enkū de moine bouddhiste a découpé 120.000 images bouddhistes dans un modèle approximatif et individuel.

Copies et Bunjinga de Woodblock de : l'école de l'art la plus connue dans l'ouest est celui des peintures d'Ukiyo-e et le woodblock de imprime du demimonde, du monde du théâtre de Kabuki et de la zone de bordel. Des copies d'Ukiyo-e ont commencé à être produites vers la fin du XVIIème siècle, mais en 1764 Harunobu a produit la première copie polychrome. Imprimer les concepteurs de la prochaine génération, y compris le Torii Kiyonaga et le Utamaro , les descriptions élégantes et parfois perspicaces créées des courtisanes. Dans le " occidental et érotique de woodblock ; prints" ; est devenu populaire parce que le matériel n'était pas autrement disponible. Dans ce sens, de telles copies de place ont fait plus pour favoriser l'art japonais dans l'ouest que des études d'art.

Au 19ème siècle la figure dominante était Hiroshige , un créateur des copies romantiques et quelque peu sentimentales de paysage. Les angles et les formes impaires par lesquelles Hiroshige a souvent regardé le paysage, et le travail de Kiyonaga et d'Utamaro, avec son emphase sur les avions plats et les contours linéaires forts, ont eu un impact profond sur de tels artistes occidentaux que le Edgar dégazent et Vincent van Gogh .

Une autre école de contemporain de peinture avec l'ukiyo-e était Bunjinga , un modèle basé sur des peintures exécutées par les disciple-peintres chinois. Juste comme les artistes d'ukiyo-e choisissaient de dépeindre des figures de la vie en dehors des restrictions du shogunate de Tokugawa, les artistes de Bunjin se sont tournés vers la culture chinoise. Les exemplaires de ce modèle sont Ike aucun Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden , et Yamamoto Baiitsu .

Art de Meiji

En années après le 1867 , quand l'empereur Meiji est monté le trône, le Japon a été envahi de nouveau par de nouvelles et étrangères formes de culture. L'introduction des valeurs culturelles occidentales a mené à une dichotomie dans l'art japonais, comme dans presque chaque autre aspect de culture, entre les valeurs traditionnelles et les tentatives de reproduire et assimiler une série de nouvelles idées opposées. Cette fente est demeurée évidente vers la fin du 20ème siècle, bien que beaucoup de synthèse d'ici là se soit déjà produite, et créé une atmosphère culturelle internationale et des arts japonais contemporains stimulés vers des formes toujours plus innovatrices.

Par le début du 20ème siècle, des formes d'art européennes ont été bien présentées et leur mariage les bâtiments notables produits comme la station de train de Tokyo et le bâtiment national de régime de qui existent toujours aujourd'hui.

Le Manga étaient premier dessiné dans la période de Meiji, influencée considérablement par les dessins animés politiques anglais et français.

Peinture : La première réponse du Japonais aux formes d'art occidentales était acceptation sincère, et dans le 1876 l'école d'art technologique a été ouverte, employant les instructeurs italiens pour enseigner des méthodes occidentales. La deuxième réponse était une oscillation de pendule dans la direction opposée menée par le Okakura Kakuzo et le américain Ernest Fenollosa , qui ont encouragé les artistes japonais à maintenir des thèmes et des techniques traditionnels tandis que la création fonctionne davantage en accord avec le goût contemporain. Hors de ces deux poteaux de théorie artistique a développé le Yōga (peinture d'Occidental-modèle) et le Nihonga (peinture japonaise), les catégories qui demeurent valides à l'aujourd'hui.

Après-guerre

Après la deuxième guerre mondiale , beaucoup d'artistes ont commencé à travailler sous des formes d'art dérivées de la scène internationale, s'éloignant des développements artistiques locaux dans le courant principal du monde art. Mais les conceptions japonaises traditionnelles ont supporté, en particulier dans l'utilisation de l'espace modulaire sous l'architecture, certains intervalles d'espacement dans la musique et la danse, une propension pour certaines combinaisons de couleur et les formes littéraires caractéristiques. La large variété de formes d'art disponibles au Japonais reflètent l'état vigoureux des arts, largement soutenu par le peuple japonais et favorisé par le gouvernement.

L'art et l'architecture américains ont considérablement influencé le Japon. Cependant la crainte des tremblements de terre a sévèrement limité le bâtiment d'un gratte-ciel, les progrès technologiques ont laissé le japonais construire de plus grands et plus hauts bâtiments avec des perspectives plus artistiques.

Car le Japon a toujours fait peu de distinction entre les « beaux-arts » et « l'art décoratif », car l'ouest est le premier commencement à faire, il est important de noter les contributions significatives et uniques du Japon aux champs de l'art dans le divertissement, les utilisations commerciales, et la conception graphique. Les dessins animés importés d'Amérique ont mené au l'Anime qui d'abord ont été dérivés exclusivement des histoires de manga. Aujourd'hui, l'anime abonde, et beaucoup d'artistes et de studios se sont levés à la grande renommée comme artistes ; Le Hayao Miyazaki et les artistes et les animateurs du studio Ghibli sont généralement considérés pour être parmi le meilleur que le monde d'anime doit offrir. Le Japon s'épanouit également dans les domaines du design graphique , art commercial (par exemple panneaux-réclame, annonces de de magasin), et dans les graphiques et le concept art.

Art moderne au Japon

L'art moderne japonais prend autant de formes et exprime autant de différentes idées en tant qu'art moderne généralement dans le monde entier. Il s'étend des annonces, de l'anime, des jeux vidéo, et de l'architecture comme déjà mentionné, à la sculpture, à la peinture, et au schéma sous toutes leurs formes de myriade.

Beaucoup d'artistes continuent à peindre de la façon traditionnelle, avec à l'encre noire et la couleur sur le papier ou la soie. Certaines de ces derniers dépeignent les thèmes traditionnels dans les modèles traditionnels, alors que d'autres explorent de nouveaux et différents motifs et modèles, tout en employant les médias traditionnels. Encore d'autres évitent des médias et des modèles indigènes, embrassant les peintures à l'huile occidentales ou tout nombre d'autres formes.

Dans la sculpture, le même juge vrai ; quelques artistes s'en tiennent aux modes traditionnels, certains qui le font avec un talent moderne, et certains choisissent des modes, des modèles, et des médias occidentaux ou tous neufs. Le Yo Akiyama est juste un de sculpteurs japonais modernes innombrables. Il travaille principalement dans la poterie et la céramique d'argile, créant les travaux qui sont très simples et directs, regardant comme ils étaient créés hors de la terre elle-même. Un autre sculpteur, using le fer et d'autres matériaux modernes, a établi une grande sculpture en art moderne à ville portuaire israélienne du Haïfa , appelée le Hanabi (feux d'artifice).

Le Takashi Murakami est discutablement l'un des artistes modernes japonais les plus bien connus dans le monde occidental. Murakami et les autres artistes dans son studio créent des morceaux dans un modèle, inspiré par l'anime, qu'il a doublé le " ; " de Superflat ;. Ses morceaux prennent une multitude de formes, à partir de la peinture à la sculpture, une partie vraiment massive dans la taille. Mais les la plupart sinon toutes montrent très clair cette influence d'anime, utilisant des couleurs lumineuses et des détails simplifiés.

Arts du spectacle

Un nombre remarquable des formes traditionnelles de musique japonaise, la danse, et le théâtre ont survécu dans le monde contemporain, appréciant de la popularité par la réidentification avec des valeurs culturelles japonaises. La musique et la danse traditionnelles, qui tracent leurs origines à l'utilisation religieuse antique - le bouddhiste, le Shintō , et les gens - ont été préservées dans les exécutions dramatiques du Noh , du Kabuki , et du théâtre de Bunraku . Des formes antiques de musique et de danse de cour dérivant des sources continentales ont été préservées par les musiciens et le temple impériaux de ménage et shrine des troupes. Certains des instruments musicaux les plus anciens dans le monde ont été en utilisation continue au Japon de la période de Jōmon de , comme montré par des trouvailles des cannelures de pierre et d'argile et des cithares ayant entre deux et quatre cordes, auxquelles les cloches en métal de la période de Yayoi et les gongs ont été ajoutés pour créer les ensembles musicaux tôt. Par la période historique tôt (CE de sixièmes à septièmes siècles), il y avait une série de grands et petits gongs des tambours , carillons , cannelures de , et instruments ficelés, tels qu'importés mandoline-comme le Biwa et la cithare six-ficelée plate, qui se sont transformés en le koto treize-ficelé . Ces instruments ont formé les orchestres pour la musique cérémonieuse continentalement dérivée de cour de septième-siècle ( Gagaku ), qui, ainsi que le de accompagnement Bugaku (un type de danse de cour), sont les plus antiques de telles formes toujours exécutées à la cour impériale, aux temples antiques, et aux tombeaux. Le bouddhisme a présenté les chants rhythmiques, toujours utilisés, qui soutiennent le Shigin , et qui ont été joints avec des idées indigènes d'être à la base du développement de la musique vocale, comme dans le Noh .

Concepts esthétiques

voient également :

japonais de l'esthétique

L'art japonais est caractérisé par des polarités uniques. Dans la céramique des périodes préhistoriques, par exemple, l'exubérance a été suivie d'art discipliné et de raffinage. Un autre exemple est fourni par deux structures de XVIème siècle qui sont des poteaux à part : le palais détaché par Katsura est un exercice dans la simplicité, avec une emphase sur les matériaux normaux, rugueux et untrimmed, et une affinité pour la beauté réalisée accidentellement ; Le Tōshō-gū de Nikkō est une structure rigidement symétrique remplie des découpages brillamment colorés de soulagement couvrant chaque surface évidente. L'art japonais, évalué non seulement pour sa simplicité mais également pour son exubérance colorée, a considérablement influencé la peinture occidentale et l'architecture occidentale du 19ème siècle du 20ème siècle de .

Les conceptions esthétiques du Japon, dérivant des traditions culturelles diverses, ont été formatrices dans la production des formes d'art uniques. Au cours des siècles, un éventail de motifs artistiques développés et ont été raffinés, devenant imprégné avec la signification symbolique. Comme une perle , ils ont acquis beaucoup de couches de signification et d'un lustre élevé. L'esthétique japonaise fournissent une clef aux travaux artistiques d'arrangement perceptible différents de ceux qui viennent des traditions occidentales.

Dans la tradition artistique asiatique est, le Chine a été le professeur et le Japon reconnus l'étudiant dévoué. Néanmoins, plusieurs arts japonais ont développé leur propre modèle, qui peut être différencié de divers arts chinois. L'approche monumentale, symétriquement équilibrée, raisonnable des formes d'art chinoises est devenue miniaturisée, irregular, et subtilement suggestif dans des mains japonaises. Les jardins de roche miniatures , les usines diminutives (bonzaies de ), et le Ikebana (arrangements de de fleur), dans lequel choisi les peu ont représenté un jardin, étaient les poursuites préférées des aristocrates de raffinage pendant un millénium, et eux sont restés une partie de la vie culturelle contemporaine.

Le diagonal, reflétant un écoulement normal, plutôt que la triangle fixe, est devenu le dispositif structural favorisé, si dans la conception de peinture, architecturale ou de jardin, les étapes de danse, ou les notations musicales. Les nombres impairs remplacent des chiffres pairs dans la régularité d'un modèle principal chinois, et une traction à un côté permet à un motif de tourner le coin d'un objet tridimensionnel, de ce fait donnant la continuité et le mouvement qui manque dans une conception frontale statique. Les peintres japonais ont utilisé les dispositifs de la coupure, du plan rapproché, et de l'effacement par le douzième siècle dans le Yamato-e de , ou le Japonais-modèle, peinture de rouleau, peut-être une raison pour laquelle le cinéma moderne a été une forme d'art si normale et réussie au Japon. La suggestion est employée plutôt que le rapport direct ; les conseils poétiques obliques et les mélodies et les pensées allusives et peu concluantes ont prouvé la frustration à l'occidental essayant de pénétrer les significations de la littérature, de la musique, de la peinture, et même de la langue journalière.

Le Japonais a commencé à définir de telles idées esthétiques dans un certain nombre d'expressions évocatrices par l'au moins dixième ou onzième siècle. Les améliorations courtoises de la période de Heian aristocratique se sont transformées en la simplicité élégante vue comme essence de bon goût dans l'art minimisé qui s'appelle le Shibui de . Deux limites provenant des pratiques en matière méditatives bouddhistes du zen décrivent des degrés de tranquilité : on, le repos a trouvé dans la mélancolie humble (wabi ), l'autre, la sérénité de accompagnant le plaisir de la beauté modérée (sabi de ). Le zen pensé également a contribué un penchant pour combiner l'inattendu ou effrayant, employé pour secouer sa conscience vers le but de l'éclaircissement. En art, cette approche a été exprimée en combinaisons de tels matériaux peu probables comme le fil marqueté dans la laque et en opposant le langage figuré poétique. Les images et les motifs inopinément pleins d'humour et parfois grotesques proviennent également du Koan (énigme) de de zen. Bien que les arts aient été principalement séculaires depuis la période de Tokugawa de , l'esthétique traditionnelle et les méthodes de formation, refoulant généralement des sources religieuses, continuer à être à la base des productions artistiques.

Artistes

Traditionnellement, l'artiste était un véhicule pour l'expression et était personnellement hésitant, en accord avec le rôle d'un artisan ou d'un amuseur de bas statut social. Le calligraphe , un membre de la classe confucienne de literati du , ou de classe samouraï du noble au Japon, ont eu un statut plus élevé, alors que des artistes du grand génie étaient souvent identifiés dans la période de Kamakura en recevant un nom d'un seigneur féodal et en se levant de ce fait socialement. Les arts du spectacle, cependant, ont été généralement tenus dans moins d'estime, et l'immoralité prétendue des actrices du théâtre tôt de Kabuki a fait empêcher le gouvernement de Tokugawa des femmes de l'étape ; des rôles femelles dans Kabuki et Noh ensuite ont été joués par les hommes.

Après la deuxième guerre mondiale, les artistes se sont typiquement réunis dans des associations d'arts, certains dont étaient les sociétés professionnelles établies depuis longtemps tandis que d'autres reflétaient le dernier mouvement d'arts. La ligue d'artistes du Japon de , par exemple, était responsable du plus grand nombre d'expositions importantes, y compris le Nitten annuel prestigieux (exposition d'art du Japon ). représente la prose, l'essai, et le récit), une branche du P. d'une organisation des auteurs internationaux, était le plus grand associations d'environ de trente auteurs importants. Les acteurs, les danseurs, les musiciens, et d'autres artistes du spectacle ont revendiqué leurs propres sociétés, y compris la société de Kabuki de , organisée en 1987 pour maintenir les niveaux élevés traditionnels de cet art, qui vraisemblablement ont été mis en danger par l'innovation moderne. Par les années 80, cependant, les peintres et les sculpteurs avant-garde avaient évité tous les groupes et étaient " ; unattached" ; artistes.

Écoles d'art

Il y a un certain nombre d'universités spécialisées pour les arts au Japon, menées par les universités nationales. Le plus important est l'université , un d'arts de Tokyo de des plus difficile de toutes les universités nationales à entrer. Un autre centre séminal est université d'arts de Tama de à Tokyo , qui a produit plusieurs artistes innovateurs du vingtième siècle en retard du Japon de jeunes. La formation traditionnelle dans les arts, dérivés des méthodes traditionnelles chinoises, demeure ; les experts enseignent de leurs maisons ou écoles de tête fonctionnant dans un rapport de maître-pupille. Une pupille n'expérimente pas avec un modèle personnel jusqu'à réaliser le de plus haut niveau de la formation, ou à la graduation d'une école d'arts, ou du chef devenant d'une école. Beaucoup de jeunes artistes ont critiqué ce système en tant que la créativité et individualité suffocantes. Une nouvelle génération de l'avant-garde s'est cassée avec cette tradition, recevant souvent sa formation dans l'ouest. Dans les arts traditionnels, cependant, le système de maître-pupille préserve les secrets et les qualifications du passé. Quelques lignées de maître-pupille peuvent être tracées à la période de Kamakura, de l'où elles continuent à employer d'un grand le modèle ou le thème maître. Les artistes japonais considèrent la virtuosité technique comme condition sine qua non de leurs professions, un fait de identifié par le reste du monde en tant qu'un des cachets de l'art.

Le gouvernement national a activement soutenu les arts par l'agence de pour les affaires culturelles , installation dans 1968 comme corps spécial du ministère de l'éducation . Le budget de l'agence pour l'exercice financier 1989 a atteint 37.8 milliards après cinq ans de compressions budgétaires, mais a toujours représenté beaucoup plus moins de 1 pour cent du budget général. Les informations diffusées des affaires de l'agence par Division culturelle sur les arts dans le Japon et internationalement, et la Division culturelle de protection de propriétés de ont protégé l'acquis culturel de la nation. La Division culturelle d'affaires est concernée par des secteurs tels que la promotion d'art et de culture, le copyright d'arts, et les améliorations de la langue nationale . Elle soutient également des arts nationaux et locaux et des festivals culturels, et elle place des événements culturels de déplacement dans la musique, le théâtre, la danse, les expositions d'art, et le cinéma. Des prix spéciaux sont offerts pour encourager de jeunes artistes et praticiens établis, et quelques concessions sont données tous les ans pour leur permettre de s'exercer à l'étranger. L'agence place des Musées Nationaux d'art moderne à Kyoto et Tokyo et le musée de de l'art occidental à Tokyo, qui montrent le japonais et des expositions d'international. L'agence soutient également l'académie du Japon de des arts , qui les personnes éminentes d'honneurs des arts et des lettres, les nommant à l'adhésion et offrant 3.5 millions en prix en argent. Des récompenses sont faites en présence de l'empereur , qui de accorde personnellement l'accolade la plus élevée, la médaille culturelle .

Patronage et bases privés

Le patronage et la promotion d'arts par le gouvernement sont élargis pour inclure un nouvel effort de coopération avec le Japon de corporation de fournir le placement au delà du budget serré de l'agence pour des affaires culturelles. Beaucoup d'autres public et établissements privés participe, particulièrement au champ en pleine expansion d'attribuer des prix d'arts. Un nombre de plus en plus important de grandes sociétés joignent les journaux importants dans des expositions et des exécutions de commanditaire et en donnant les prix annuels. Les plus importants des nombreuses récompenses littéraires données sont le prix vénérable de Naoki de et le prix , ce dernier d'Akutagawa de étant l'équivalent du Prix Pulitzer aux Etats-Unis. ---- En 1989 un effort de favoriser l'échange interculturel a mené à l'établissement d'un " japonais ; " du prix Nobel ; pour les arts, le Imperiale de la meilleure qualité , par l'association d'art du Japon de . Ce prix d'US$100,000 a été placé en grande partie par le congloméré Fuji-Sankei de médias et a été attribué sur une base mondiale de choix.

Un certain nombre de bases favorisant les arts ont surgi dans les années 80, y compris l'installation culturelle de la base de propriétés de pour préserver les emplacements historiques outre-mer, particulièrement le long de la route en soie dans le Asie intérieure et au Dunhuang dans le Chine . Un autre arrangement international a été fait en 1988 avec l'établissement Smithsonien des Etats-Unis pour l'échange coopératif des études de pointe des objets façonnés asiatiques. Le gouvernement joue un rôle important en plaçant la base du Japon de , qui fournit des concessions institutionnelles et d'individu, des échanges savants d'effets, des prix annuels de récompenses, des publications soutenues et des expositions, et envoie les groupes japonais traditionnels d'arts pour exécuter à l'étranger. Le festival d'arts tenu pendant deux mois chaque chute pour tous les arts du spectacle est commandité par l'agence pour des affaires culturelles. Les villes importantes fournit également l'appui substantiel pour les arts ; un nombre de plus en plus important des villes dans les années 80 avait établi de grands centres pour les arts du spectacle et, stimulés par le placement de gouvernement, offrait des prix tels que le prix de Lafcadio Hearn de lancé par la ville du Matsue . Un certain nombre de nouveaux musées municipaux fournissaient également environ un tiers d'équipements supplémentaires dans les années 80 que n'était précédemment disponible. Vers la fin des années 80, le Tokyo a ajouté plus de vingt nouveaux halls culturels, notamment, le village culturel de grand construits par la société de Tokyo de et la reconstruction le théâtre de globe de de s de Shakespeare de le '. Tous ces efforts reflètent un enthousiasme populaire de montée pour les arts. Les acheteurs japonais d'art ont balayé les marchés occidentaux d'art vers la fin des années 80, seul payant des niveaux les plus hauts les peintures impressionnistes du et US$51.7 million un bleu Picasso de la période .

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